lunes, 25 de febrero de 2013

Premios Oscars 2013


Se acabó. Termina la carrera de premios de este año, y Argo se proclama, como era de esperar, como la gran triunfadora de la noche al ganar el premio a la mejor película, al que se suma el de mejor guión adaptado y mejor montaje. La vida de Pi, pasa al segundo puesto, sobre todo después del sorprendente premio a Ang Lee a mejor director, una de las sorpresas de la noche después de la campaña de O. Rusell por El lado bueno de las cosas y de la presencia de Spielberg. Los Miserables consigue tres premios, incluyendo el esperado a Anne Hathaway, y Django, muy merecidamente, el de actor secundario para Waltz y guión para Tarantino, después de casi veinte años desde que lo recogiera por primera vez por Pulp Fiction. Una de mis favoritas, La noche más oscura, sólo consigue un premio técnico. Pero las grandes perdedoras han sido Lincoln, con sólo dos premios técnicos después de ser la más nominada, y El lado bueno de las cosas (como no podía ser de otra forma), con sólo el inmerecido premio a Jennifer Lawrence, que encima se cayó. 


Por lo demás, una gala muy entretenida. McFarlane ha demostrado ser un buen maestro de ceremonias, con números realmente buenos, y a pesar de su larga duración, la gala no llegó a ser tan pesada como otros años. Por cierto, Daniel Day Lewis, por premios, se convierte en el mejor actor de todos los tiempos con tres oscars a mejor actor. Casi nada.
Aquí tenéis la lista completa:

MEJOR PELÍCULA
"Argo"

MEJOR DIRECTOR
Ang Lee "Life of Pi"

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Daniel Day-Lewis "Lincoln"

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Jennifer Lawrence "Silver Linings Playbook"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Christoph Waltz "Django Unchained"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Anne Hathaway "Les Misérables"

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Quentin Tarantino "Django Unchained"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Chris Terrio "Argo"

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
"Brave"

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
"Amour" (Austria)

MEJOR FOTOGRAFÍA
Claudio Miranda "Life of Pi"

MEJOR BANDA SONORA
Mychael Danna "Life of Pi"

MEJOR CANCIÓN
"Skyfall" ("Skyfall")

MEJOR MONTAJE
William Goldenberg "Argo"

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
Rick Carter y Jim Erickson "Lincoln"

MEJOR VESTUARIO
Jacqueline Durran "Anna Karenina"

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Life of Pi

MEJOR MAQUILLAJE
Lisa Westcott y Julie Dartnell "Les Misérables"

MEJOR SONIDO
Andy Nelson, Mark Peterson y Simon Hayes "Les Misérables"

MEJOR MONTAJE DE SONIDO
Per Hallberg y Karen Baker Landers "Skyfall"
Paul N. J. Ottoson "Zero Dark Thirty"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
"Searching for Sugar Man"

MEJOR CORTOMETRAJE
"Curfew"

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
"Inocente"

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO
"Paperman"

4 Life of Pi
3 Argo
3 Les misérables
2 Django Unchained
2 Lincoln
2 Skyfall
1 Silver Linings Playbook
1 Anna Karenina
1 Amour
1 Zero Dark Thirty

domingo, 24 de febrero de 2013

Django desencadenado (2013)

Por Carlos y por Juanmez: *****


Tarantino es de esos autores que crean filias y fobias, hay quien lo odia y hay quien lo adora. De todas formas, a Tarantino parece importarle bien poco la opinión de sus detractores, porque desde siempre ha dirigido el cine que ha querido sin preocuparse demasiado por las críticas. En otras palabras, ha hecho lo que le ha dado la gana desde que empezó con sus primeros pinitos en el mundillo hace ya dos décadas. Tal ha sido su incuestionable éxito que actualmente podría hablarse perfectamente de la existencia del género tarantinesco.


Sin embargo, el realizador de Pulp fiction tenía una espinita clavada. Pese a que en Kill Bill ya atisbamos su debilidad por el spaghetti – western, nunca había adaptado ninguno en su totalidad hasta la fecha. Y por fin esta cuenta ha quedado saldada con Django desencadenado, donde vuelve a conseguir su único objetivo: entretener a toda su legión de seguidores, dejándolos satisfechos y con ganas de más, incluso tras la friolera de dos horas y tres cuartos de película.


Aunque el argumento es muy simple, el cineasta se recrea profundamente, disfrutando en las situaciones de tensión que se generan constantemente, estirándolas con largas conversaciones ingeniosas que a menudo son interrumpidas por pequeños detalles, en apariencia irrelevantes, pero cargados de significado en la historia. Bajo nuestro punto de vista, lo más llamativo del guión es que se trata de la primera vez que Tarantino se deja seducir por un romance, motor y excusa imprescindible para que funcione la trama.

Una trama en la que Django, interpretado por un estoico Jamie Foxx, no deja de ser un hilo conductor sobre el que Tarantino deja trascurrir una suerte de geniales secundarios: Christoph Waltz, Samuel L. Jackson y Leonardo DiCaprio deslumbran en sus excéntricos papeles. Quizás también éste sea uno de los pocos puntos flojos de la película. En toda su filmografía, Tarantino utiliza repartos corales, en ocasiones con un protagonista claro (Jackie Brown, Kill Bill), y otras veces con varios personajes que se van alternando conforme avanza el argumento. Sin embargo, en esta ocasión el personaje de Django no enamora como lo hacía el Vincent Vega de Pulp Fiction o el militar interpretado por Brad Pitt en Malditos Bastardos. Y se queda bastante lejos de la enorme personalidad de Pam Grier y Uma Thurman en sus respectivas cintas. Este hecho puede interpretarse como un desliz de Tarantino, o como un caso pretendido por él, ya que Django evoluciona a lo largo de la película, desde su inicial mudez, a su desparpajo final.

Por otra parte, en este último trabajo, plagado de tiroteos y borbotones de sangre excesivos allá donde apunte la cámara, se evidencia la influencia heredada de los grandes directores clásicos del western, como John Ford, y muy especialmente, Sergio Leone, al que Tarantino ha homenajeado en varias ocasiones (y uno de los pilares fundamentales en los que se basan sus detractores para criticarlo) y cuyo sello es muy apreciable en algunas cintas del director italiano (Hasta que llegó su hora). Por cierto, ¿no os da la impresión de que a los modernitos no les importaba una mier** Sergio Leone hasta que Tarantino empezó a homenajearlo?



En Django desencadenado vais a ver todos los elementos propios del cine de Tarantino. Es un western donde la exageración y el esperpento tarantiniescos se dan la mano, y donde el espectador, por encima de todo, disfruta. No lo vais a pasar mal, no vais a ver a mercaderes de esclavos explotando sin piedad a otros seres humanos. Lo que vais a ver, es como un dentista alemán y un esclavo liberado revientan cabezas esclavistas. 

Y para los fans del director de la gran mandíbula, Django desencadenado junto con Malditos Bastardos, forman parte de un tríptico que finalizará con una tercera parte, lo que completará esta trilogía pseudohistórica que Tarantino se ha marcado. Así que ya podéis ir preparándoos.

Lo mejor: La divertida discusión sobre las máscaras entre los miembros de un incipiente Ku Klux Klan, digna de cualquier gag de los Monty Python.


Lo peor: Jamie Foxx, siendo el protagonista, se ve en ocasiones irremediablemente eclipsado por sus tres compañeros de reparto, que están sensacionales. 

sábado, 23 de febrero de 2013

Quiniela Oscars 2013: Carlos

Ahí va la mía. Mismo criterio que Juanmez.

Mejor cortometraje animado: Paperman.
Mejor película documental: Searching for sugar man.
Mejor montaje de sonido: Zero dark thirty.
Mejor sonido: Los miserables.
Mejor maquillaje: El hobbit.
Mejores efectos especiales: La vida de Pi (El Hobbit).
Mejor vestuario: Anna Karenina.
Mejor diseño de producción: Los miserables.
Mejor montaje: Argo (Zero dark thirty).
Mejor canción: Skyfall.
Mejor banda sonora: La vida de Pi.
Mejor fotografía: La vida de Pi (Django desencadenado).
Mejor película de habla no inglesa: Amour.
Mejor película animada: Rompe Ralph.
Mejor guión adaptado: Argo.
Mejor guión original: Django desencadenado.
Mejor actriz secundaria: Anne Hathaway, los miserables.
Mejor actor secundario: Christoph Waltz, Django desencadenado.
Mejor actriz protagonista: Jennifer Lawrence, El lado bueno de las cosas (Jessica Chastain, Zero dark thirty).
Mejor actor protagonista: Daniel Day Lewis, Lincoln (Hugh Jackman, Los miserables).
Mejor director: Steven Spielberg, Lincoln.
Mejor película: Argo (Django desencadenado o Zero dark Thirty).

Quedaría de la siguiente manera:
Argo: 3 Oscars.
Los miserables: 3 Oscars.
La vida de Pi: 3 Oscars.
Django desencadenado: 2 Oscars.
Lincoln: 2 Oscars.
Zero dark thirty: 1 Oscar.
Amour: 1 Oscar.
Skyfall: 1 Oscar.
El lado bueno de las cosas: 1 Oscar.
El Hobbit: 1 Oscar.

Quiniela Oscars 2013, por Juanmez


Otro año más se acercan los Oscar, y como siempre en Malditos Cinéfilos tenemos nuestras quinielas a punto. Como siempre, pondré en primer lugar la película que creo que ganará y entre paréntesis la que me gustaría que consiguiera el codiciado premio. Una vez más, no incluiré aquellas categorías en las que no he visto absolutamente nada porque no podría opinar. ¡Que gane el / la mejor! Os dejo con mis predicciones:

Mejor cortometraje animado: Paperman (Maggie Simpson in "the Longest Daycare")

Mejor montaje de sonido: Skyfall (Skyfall)

Mejor sonido: Los Miserables (Los Miserables)

Mejor maquillaje: El Hobbit (Los Miserables)

Mejores efectos especiales: La vida de Pi (La vida de Pi)

Mejor vestuario: Ana Karenina (Ana Karenina)

Mejor diseño de producción: Los Miserables (Los Miserables)

Mejor montaje: Argo (Argo)

Mejor canción: Skyfall (Skyfall)

Mejor banda sonora: La vida de Pi (La vida de Pi)

Mejor fotografía: La vida de Pi (La vida de Pi)

Mejor película de habla no inglesa: Amor (Amor)

Mejor película animada: Brave (Rompe Ralph)

Mejor guion adaptado: Argo (Argo)

Mejor guion original: Django desencadenado (Django desencadenado)

Mejor actriz secundaria: Anne Hathaway (Helen Hunt)

Mejor actor secundario: Christoph Waltz (Christoph Waltz)

Mejor actriz protagonista: Jessica Chastain (Emmanuelle Riva)

Mejor actor protagonista: Daniel Day - Lewis (Hugh Jackman)

Mejor director: Steven Spielberg (Michael Haneke)

Mejor película: Argo (Django desencadenado) 

viernes, 22 de febrero de 2013

El lado bueno de las cosas (2013)

Por Carlos: **
Pretendida comedia dramática que David O. Russell nos encasqueta después de su mediocre ‘The Fighter’, hace un par de años, donde también competía en la terna por el Oscar. Prometiendo una cosa, y cumpliendo otra, O. Russell nos presenta esta película como una cinta que se desmarca de otras películas del género, y donde la bipolaridad, el tema central, se trata según sus propias palabras, de la forma más exacta que se haya visto nunca en el cine. Siendo como es, un bocazas, no hay que prestarle mucha atención, pero sí reconocer que tampoco va tan desencaminado. Que yo conozca, no existen muchas películas sobre bipolares, aunque si se aprecia en algunas, como El loco del pelo rojo, con Kirk Douglas, o Pollock, con Ed Harris, películas que creo superiores a la que comentamos.



Pero como decía, lo que en un principio parece ser una película original y diferente, donde el personaje de Bradley Cooper, con sus locuras y extravagancias, unido a una aún más extravagante familia, formada por un muy apagado (que se retire ya) Robert De Niro y por la genial Jackie Weaver, que vuelve a estar nominada a mejor secundaria esta vez por un papel a mi parecer muy corto, se torna en otra americanada más, una película donde el guión ya lo hemos visto doscientos millones de veces: conflicto inicial, trama donde conoce a una persona especial, conflicto con persona, el prota se conoce a sí mismo, reconciliación, y escena final happy.

Así que si no habéis visto el resto de nominadas (y no sólo a mejor película, sino todas: Skyfall, The Master, etc), no perdáis el tiempo. Si no tenéis nada que hacer y os interesa la bipolaridad, ved las películas que dije antes. Si aun así queréis verla, haced palomitas, será lo más positivo de dos horas de chorradas.

Lo mejor: Cooper, me gustó mucho, no me lo esperaba.
Lo peor: Los morritos de Jennifer Lawrence, que cada vez me recuerda más a Leire Pajín.

miércoles, 20 de febrero de 2013

Amor (2013)

Por Juanmez: *****

Inquietante y turbador, así es Haneke (y su cine). Este año nos ha obsequiado con un drama sombrío dispuesto a revolvernos en todos los sentidos como sólo él sabe: Amor, una de sus obras más intimistas hasta la fecha. Toda la crítica ha sido unánime a la hora de rendirse a sus pies, hasta tal punto que ha llegado a alzarse por segunda vez con la Palma de Oro en el prestigioso Festival de Cannes, justo tres años después de obtener el preciado galardón con La cinta blanca. Tildado como uno de los enfants terribles del cine europeo, Haneke no deja indiferente a nadie, ni siquiera al otro lado del charco; donde la película ha sido reconocida con cinco nominaciones en los inminentes premios Oscar, incluyendo las categorías de Mejor director y Mejor película del año. ¡Casi nada!

Seguramente a estas alturas el argumento ya es más que conocido: los veteranos Jean – Louis Trintignant y Emmanuelle Riva encarnan a un matrimonio de octogenarios que comparten de forma entrañable sus últimos días juntos en un apartamento ubicado en París, convertido aquí en el indiscutible tercer protagonista de la historia, puesto que un 95% de la acción se desarrolla dentro del mismo. Ambos, profesores de música retirados, disfrutan de los pequeños placeres que todavía les ofrece la vida, tales como acudir a la ópera o deleitarse con esporádicos conciertos privados de antiguos alumnos que han triunfado en dicho campo.

De repente, una mañana ordinaria, la placidez que les embarga desaparece por completo cuando ella se queda totalmente paralizada y en blanco delante de su marido. A partir de aquí el personaje de Riva comienza a experimentar un proceso degenerativo, irrevocable e inherente a todo ser humano, que Haneke muestra visceralmente a través de los ojos de un entregado Trintignant; quien se encarga de acostarla, darle de comer y acompañarla en todo momento como un esposo ejemplar. Es tal el realismo con el que está filmada la cinta que no sería de extrañar que cualquiera que haya convivido con algún familiar en las mismas circunstancias se viera reflejado inmediatamente en alguna situación similar con este personaje, por tanto no es recomendable para un público demasiado sensible con este tema, ya que su visionado deja un nudo en el estómago que a más de uno le costará sobrellevar.   

Amor habla de la ternura y del cariño, pero también de la soledad y del dolor por encima de todo. Asimismo, refleja los comportamientos extremos a los que una persona es capaz de llegar tan solo por querer a una persona que está sufriendo, más aun cuando sabe que la única solución es resignarse a esperar el triste desenlace. En pocas palabras, Haneke declara sin tapujos con esta historia que, en contadas ocasiones, el fin justifica nuestros actos, por muy terribles que estos puedan ser de cara a los demás, siempre y cuando se trata de amar a alguien…

Lo mejor: Una sobresaliente Emmanuelle Riva.

Lo peor: Una desaprovechada Isabelle Huppert.

martes, 19 de febrero de 2013

Bestias del sur salvaje (2013)

Por Carlos: ***1/2

El planteamiento de la destrucción de la naturaleza por parte del hombre ha llevado a numerosos cineastas a declararse amigos del medio ambiente. Hushpuppy es una niña de seis años con una poderosa unión con la naturaleza. El desasosiego y el desencanto que le provoca la acción del hombre, la lleva a imaginarse criaturas y situaciones fantásticas tras una poderosa tormenta que destruye el poblado donde vive. Con un fuerte carácter, imprimido por su padre, hombre de arraigadas convicciones, Hushpuppy no se deja doblegar por los hombres de más allá del muro, y se eleva gracias a su vitalismo por encima de las desgracias.  Utilizando el género del Realismo mágico, Benh Zeitlin escribe y dirige esta fábula con moraleja, en la que los hombres exaltan la grandeza del espíritu, la amistad y la generosidad, y se niegan a dejar la tierra que les pertenece. El orden natural de las cosas se estableció para ser cumplido, y nadie puede obligarlos a tomar decisiones que atenten contra ello.

Bestias del sur salvaje se presenta en España como la ganadora del festival de Sundance del año pasado. Zeitlin acerca al espectador a la situación, moviendo la cámara constantemente y realizando escenas en ocasiones comprometidas. Es aquí donde se hace plausible el sello indie característicos en todas las películas que suelen presentarse en Sundance. Sin embargo, ‘Beasts’ tiene un tono y un ritmo más vivo que los de otras producciones. Se queda sin embargo a medio camino de romper del todo, mostrando su mensaje a medias, desinflando sus intenciones a la mitad de la película, cuando el espectador ya adivina lo que va a suceder. Aun así, la escena final consigue arreglarlo, y junto con la genial banda sonora, permanece en la memoria del espectador.

La película posee cuatro nominaciones para los próximos premios Oscar, incluyendo mejor película, director y guión. Fue toda una sorpresa ver la cara de Zeitlin en el último lugar de las nominaciones a mejor director, dejando fuera a dos pesos pesados como Affleck y Bigelow. A pesar de que no tiene demasiadas posibilidades, sin duda es un buen inicio para  una prometedora carrera.

Lo mejor: La banda sonora, las escenas fantásticas.
Lo peor: Un cierto bajón a mitad de la película. La niña puede llegar a resultar desesperante.

lunes, 18 de febrero de 2013

Ganadores de los Goya 2013


Ayer se entregaron los premios Goya. Hubo de todo, sorpresas como la de Candela Peña, Joaquín Núñez o los tres goyas de Tadeo Jones (¿en serio está tan bien?), y premios cantados, como el de mejor película o mejor director. Durante toda la gala, tanto Eva Hache como otros presentadores y premiados, criticaron duramente las políticas del gobierno, y del ministro Wert, que debe de tener la  cara de hormigón armado para presentarse en la gala y aguantar el chaparrón de críticas. 

Mejor película: Blancanieves
Mejor director: J. A. Bayona por Lo imposible
Mejor director novel: Enrique Gato por Las aventuras de Tadeo Jones
Mejor actor principal: José Sacristán por El muerto y ser feliz
Mejor actriz principal: Maribel Verdú por Blancanieves
Mejor actor secundario: Julián Villagrán por Grupo 7
Mejor actriz secundaria: Candela Peña por Una pistola en cada mano
Mejor actor revelación: Joaquín Núñez por Grupo 7
Mejor actriz revelación: Macarena García por Blancanieves
Mejor película iberoamericana: Juan de los muertos
Mejor película europea: Intocable
Mejor guion original: Blancanieves
Mejor guion adaptado: Las aventuras de Tadeo Jones
Mejor música original: Blancanieves
Mejor canción original: No te puedo encontrar (Blancanieves)
Mejor dirección de producción: Lo imposible
Mejor dirección artística: Blancanieves
Mejor fotografía: Blancanieves
Mejor montaje: Lo imposible
Mejor sonido: Lo imposible
Mejores efectos especiales: Lo imposible
Mejor vestuario: Blancanieves
Mejor maquillaje y peluquería: Blancanieves
Mejor película documental: Hijos de las nubes. La última colonia
Mejor película de animación: Las aventuras de Tadeo Jones
Mejor cortometraje de ficción: Aquel no era yo
Mejor cortometraje documental: Una historia para los Modlin
Mejor cortometraje de animación: El vendedor de humo
Goya de Honor: Concha Velasco

sábado, 16 de febrero de 2013

La noche más oscura (2013)

Por Carlos: ****1/2

Hace un par de años nos enteramos de la noticia de que Osama Bin Laden había sido por fin encontrado por el ejército americano. Mientras tanto, Kathryn Bigelow se encontraba rodando otra película bélica al estilo de su oscarizada En tierra Hostil. Tanto ella como su inseparable guionista Mark Boal, pensaron que podían hacerle algunos retoques al guión, y aprovechar el tirón más que justificado de la muerte de Bin Laden para que su película tratara sobre el grupo que se lo cargó, y la mujer que lo planeó.

Para dar vida a Maya, la agente de la CIA que se encarga de la busca y captura de Bin Laden, quién mejor que la actriz revelación del año pasado. Jessica Chastain vuelve a demostrar que además de guapa, haga lo que haga, arrasa. Este año, pese a no estar tan presente en la gran pantalla como el anterior, vuelve a estar en el punto de mira con su acertada interpretación de agente fría y dura.  

En cuanto a la película, durante los primeros minutos comienza con un fondo negro donde escuchamos las desgarradoras palabras de las personas que sufrieron el 11-S, para más adelante conocer los métodos de tortura que emplearon los agentes de la CIA (y que tanto han dado que hablar), y conocer a Maya, que pese a su aparente poca experiencia, es una mujer de armas tomas. Junto a su grupo, viajamos por distintas zonas de oriente medio, siguiendo las pistas de rehenes y algunos infiltrados en el otro bando.

Bigelow dirige con mano firme una historia que contiene todos los elementos de un buen thriller mostrando tan sólo los hechos acaecidos, con la suficiente fuerza para dotar a la película de ritmo y tensión, recordando un poco al Paul Greengrass de Bloody Sunday, y como no podía ser de otra forma, a Homeland y 24. La película crece en intensidad hasta desembocar en el apasionante capítulo final, que pese a todo, tiene cierto regusto patriótico que desentona después de lo aséptico de la puesta en escena durante toda la proyección anterior. En cuanto a la polémica provocada por las torturas, la poca duración y la forma en que las muestra les quita toda la veracidad.

Lo mejor: Película muy completa, y por supuesto, Chastain.
Lo peor: El posicionamiento, ni a favor ni en contra, sino todo lo contrario. 

jueves, 14 de febrero de 2013

Lincoln (2013)


Este post fue publicado el día 22 de Enero de 2013 en Under Magazine.


Por Juanmez: ***


Condensar en una película la vida de un personaje histórico es una ardua tarea, más aún si dicho personaje en cuestión es el icónico Abraham Lincoln, posiblemente uno de los presidentes estadounidenses más venerados en el ámbito público (y de los más controvertidos en el privado) que han existido debido a su decisivo papel en la lucha por la abolición de la esclavitud.

Por este motivo se requería de un director con sobrada experiencia, renombre (y por qué no reconocerlo, dinero) capaz de adaptar con sumo cuidado un biopic mastodóntico a la altura de las características que exige una figura de tanta envergadura, y quién mejor para ello que el todopoderoso Steven Spielberg; indiscutible rey Midas de Hollywood que aun demuestra a día de hoy que, cuando le apetece (atención al matiz), sigue sabiendo cuáles son las teclas que hay que tocar con el objetivo de despertar como nadie la fibra patriótica de los espectadores americanos en general, y de los votantes académicos en particular (recordar que el film ha acaparado nada menos que doce nominaciones en la próxima edición de los premios Oscar, postulándose como una de las candidatas favoritas en la carrera por la mejor película del año).

Ante la imposibilidad de narrar en dos horas y media aproximadas la obra y milagros del susodicho, el guionista Tony Kushner opta por rescatar sus últimos cuatro meses de presidencia (sin duda los más conflictivos) inspirándose en la obra de Doris Kearns Goodwin y con el beneplácito de Spielberg, quien parece decantarse a favor de los incuestionables esfuerzos de Lincoln por conseguir la aprobación de la Decimotercera Enmienda. Esfuerzos enturbiados por los tejemanejes y tretas que el partido republicano al que él pertenecía utilizó con tal de lograr votos a toda costa, como por ejemplo las incesantes persecuciones o los descarados sobornos a los que sometieron a los demócratas indecisos. Como ya se sabe, en política todo vale y aquí se pone de relieve una vez más que el fin justifica los medios, ¡sean cuales sean!

Rompiendo con su tónica belicista habitual, Spielberg no se centra demasiado en la terrible situación de las trincheras durante los últimos días de la Guerra de Secesión, prefiriendo profundizar en su lugar en las interminables y despiadadas batallas dialécticas que tuvieron lugar entre demócratas y republicanos; así que, a modo de advertencia para todos aquellos que ansíen secuencias de acción inolvidables en el campo de batalla al estilo Salvar al soldado Ryan, la película es una lección de Historia pura y dura. A ratos apasionante, a ratos flemática; pero una lección de Historia al fin y al cabo.

Sin embargo, la excesiva preocupación por la rigurosidad en el guion provoca que el ritmo de la película sea sumamente denso, hasta el extremo en que llega a ser bastante complicado zambullirse en el relato con facilidad. Quizás la monotonía que desprende la narración se habría solventado si la trama hubiera abarcado otras vertientes complementarias al contexto político que, aun siendo tópicas, no dejan de ser necesarias para contextualizar una época determinada y transmitir mayor cercanía (véase la escasa atención que se le presta a la reacción de la comunidad negra, la cual aparece reflejada casi de soslayo).

Por otra parte, pese a que se pretende humanizar al personaje recalcando no sólo su dimensión política, sino también la personal y familiar; Lincoln se trata en el fondo de una hagiografía encubierta poco arriesgada y de lo más básica, realizada con el propósito de obtener un sinfín de nominaciones antes que de trascender. Una lástima… Menos mal que de ella se pueden extraer un apartado técnico impecable y unas actuaciones soberbias, destacando por supuesto al inconmensurable Daniel Day – Lewis (el mejor Lincoln que podría haber) y a la infatigable Sally Field, que le da una réplica digna de Oscar en cada escena que comparten (lástima que sea el año de Anne Hathaway en esa categoría).  

Lo mejor: Daniel Day - Lewis.

Lo peor: Es demasiado lenta para mi gusto.

Para leer más artículos de Juanmez entre otros, entra también a Under Magazine.

martes, 12 de febrero de 2013

Lo mejor del 2012

¡Por fin! Un mes y medio después, ya podemos colgar el ránking de lo mejor del año pasado. El 2012 ha sido un año, como viene siendo habitual, con buen nivel al inicio y al final, y mucho relleno en medio. En Europa, Amour ha arrasado con todo, siendo la favorita en los círculos de premios más importantes. En la otra cara de la moneda europea, la también francesa Holy Motors, ha sido la otra gran favorita, incluso la prestigiosa revista Cahiers du Cinema la propuso como la mejor del año. 
Nos hemos quedado un poco huérfanos de cine asiático de calidad, así como de cine latinoamericano, donde hemos tenido producciones, pero no de tanta repercusión como en años anteriores. 
En cuanto a USA, ya lo conocemos todos. Argo es la favorita para premios casi desde su estreno, y así se ha venido demostrando durante toda la carrera. Pero además, también hemos disfrutado de otras cintas muy interesantes. 
Para hacer el Top, como el año pasado, tan sólo hemos contado con las películas estrenadas en ESPAÑA en el año 2012, así que no veréis aquí ni Django Desencadenado o Lincoln, y las presentaremos a pares en cada puesto del ránking. 
Ahí va:

LO MEJOR DEL 2012

10- Juanmez: Los idus de Marzo (George Clooney, USA)



Crudo retrato del descarnado mundo de la política en el que idealismo y corrupción se confunden hasta alcanzar unos límites insospechados.

Carlos: La vida de Pi (Ang Lee, USA).


Un naufragio acompañado de un tigre, puede ser la mejor forma de entender la religión, y la vida.

9- Juanmez: Moonrise Kingdom (Wes Anderson, USA).


Hasta la fecha, la historia más tierna de Wes Anderson. ¡Indispensable!

Carlos: César debe morir (Paolo y Vittorio Taviani, Italia).


Representación del 'Julio César' de Shakesperare, en formato de falso documental, con un grupo de presos como actores. 

8- Juanmez: Shame (Steve McQueen, UK).


Este descenso a los infiernos de un adicto al sexo sin remedio se ha convertido en una de las grandes revelaciones del año.

Carlos: The dark night rises (Christopher Nolan, USA).


Ansiada última parte de la trilogía de Nolan. Sí, tiene muchos puntos flojos, es previsible, y en ocasiones tontorrona...pero sigue siendo muy grande.

7- Juanmez: La vida de Pi (Ang Lee, USA).


Lo mejor de La vida de Pi es que invita a la libre interpretación, algo que sin duda escasea en el cine comercial actual.

Carlos: El mundo es nuestro (Alfonso Sánchez, España).


Altas dosis de humor, ironia y mucha mala leche. Sin duda, la revelación del cine español.

6- Juanmez: Las sesiones (Ben Lewin, USA).


Re-enamorarse de Helen Hunt es motivo más que suficiente para ver esta entrañable película.

Carlos: El Hobbit (Peter Jackson, USA).


Todo un gustazo volver a visitar los amplios parajes de la Tierra Media. 

5- Juanmez: Lo imposible (J.A Bayona, España).


Puro drama a la antigua usanza, en estado puro, sin demasiados ardides ni artificios. 

Carlos: Las sesiones (Ben Lewin, USA).


Lo escribí en su momento: el mejor trío actoral del año. 

4- Juanmez: El mundo es nuestro (Alfonso Sánchez, España).


Posiblemente las líneas de diálogo más chispeantes y reivindicativas de este último año. 

Carlos: Intocable (Olivier Nakache, Eric Toledano, Francia).


Una película para levantar el ánimo y el espíritu, fresca, y hecha para el disfrute de todos. Genial.

3- Juanmez y Carlos: Argo (Ben Affleck, USA).


Coincidimos. ¿Cómo no? Original y divertida, pero intensa y dramática. Argo cumple con todo: guión sólido, personajes definidos, y una historia que atrapa.

2- Juanmez y Carlos: Los miserables (Tom Hooper, UK).



Otra coincidencia. Hooper ofrece espectáculo puro, con buena música y actuaciones deslumbrantes (pese a lo que digan). Enésima revisión de Los Miserables. Jean Valjean siempre vuelve.

1- Juanmez: Intocable (Olivier Nakache, Eric Toledano, Francia).


Cinta optimista ante las situaciones trágicas que se presentan en la vida, además de ser una magnífica demostración de que el drama y la comedia no son incompatibles en absoluto. 

Carlos: Millenium, The girl with the dragon tatoo (David Fincher, USA).


Una historia absorbente, un crimen sin resolver, y David Fincher haciendo lo que mejor sabe hacer. Olvidad los prejuicios sobre la novela y todo lo que la rodea y disfrutad con esta historia apasionante ambientada en la fría Suecia, en una sociedad corrupta en sus entrañas, de la mano del carismático Mikael Blomkvist  y de la enigmática Lisbeth Salander. The girl with the dragon tatoo para mí es, sin duda, la mejor película del año.

El Hobbit (2012)


Por Carlos: ****1/2
Críticas y más críticas…pero mira por donde, a mí sí me gustó.

Hace ya varios años, Peter Jackson y Guillermo del Toro se reunieron para dar lugar a la inevitable adaptación de El Hobbit, después de la arrolladora presencia de la trilogía de LOTR en la cinematografía mundial, tanto a nivel económico como de premios. Tras tres años, tan sólo tenían el guión, y un montón de naves llenas de máscaras, trajes, y decorados, pero ni un solo plano grabado. Del Toro abandonó, y Jackson, al que podríamos definir como el apóstol de Tolkien en la tierra, tomó las riendas de la nueva, ¿trilogía?

He de reconocer que el anuncio de una trilogía me llamó la atención. Si de mil trescientas páginas sacaron tres películas, de trescientas y pico es difícil sacar también otras tres de la misma duración, además. Pero la solución es bien sencilla ya que El Hobbit está adaptado renglón a renglón del libro original. No falta absolutamente nada. Cada diálogo, cada mínima escena, yo creo que hasta cada expresión de sorpresa o felicidad descrita en el libro, aparece en la película.

¿Y a qué vienen las críticas pues? No puedo comprenderlo. Podría hacer una división entre los que se leyeron el libro, y los que no. Los que se lo leyeron, y lo disfrutaron, deberían disfrutar también con la película. Una lectura del libro se visualiza en la cabeza tal y como Jackson lo plasma en la película. Ni más ni menos. Queda pues los que no se lo leyeron, y los que no les mola el rollo Tierra Media. A esos, les diría que se sentaran, y simplemente disfrutaran con la adaptación de un libro que no tiene la seriedad que uno se puede esperar, escrito para un público más infantil que los libros fantásticos y oscuros, como El señor de los anillos, pero cuya desbordante imaginación es suficiente para salir contento. Cambiamos caballeros negros y un mal antiguo y amenazante, por un grupo de enanos acompañados de un Hobbit que quieren derrocar al dragón que ocupa su castillo. Esto es fantasía, de la de toda la vida (y tanto, se escribió hace más de ochenta años), y ya entra dentro de cada uno aceptarla o no.

Lo mejor: Visualmente poderosa, apabullante. Y siempre es bueno volver a La Comarca.
Lo peor: Las inevitables comparaciones (no soy muy original, lo sé).

Confirmado: Peter Jackson también es un Hobbit.

lunes, 11 de febrero de 2013

Ganadores de los BAFTA 2013

"¡ARGODERSE!" - como diría jocosamente Alan Arkin en la cinta de Ben Affleck. Al igual que sucedió en los Globos de Oro, Argo se impuso al resto de contendientes en los premios más destacados del palmarés: director y película (¿¿cómo es que en los Oscar no ha entrado Ben Affleck como nominado??). Por su parte, Skyfall y Amor se llevaron los galardones de Mejor película británica y Mejor película de habla no inglesa respectivamente. El resto de ganadores, a continuación:


Mejor película: Argo
Mejor película británica: Skyfall
Mejor dirección: Ben Affleck por Argo
Mejor actriz principal: Emmanuelle Riva por Amor
Mejor actor principal: Daniel Day-Lewis por Lincoln
Mejor actriz de reparto: Anne Hathaway por Los miserables
Mejor actor de reparto: Christoph Waltz por Django desencadenado
Mejor guión original: Quentin Tarantino por Django desencadenado
Mejor guión adaptado: David O. Russell por El lado bueno de las cosas
Mejor fotografía: Claudio Miranda por La vida de Pi
Mejor banda sonora: Thomas Newman por Skyfall
Mejor montaje: William Goldenberg por Argo
Mejor diseño de producción: Los miserables
Mejor vestuario: Anna Karenina
Mejor maquillaje: Los miserables
Mejor sonido: Los miserables
Mejores efectos especiales: La vida de Pi
Mejor película de habla no inglesa: Amor
Mejor documental: Searching for Sugar Man
Mejor película de animación: Brave

domingo, 10 de febrero de 2013

Los Miserables (2012)

Por Juanmez: ****1/2

Moulin Rouge! abrió la veda… Desde su estreno en 2001 hemos asistido a lo largo de esta última década al renacimiento cinematográfico de un género que se creía extinto, y es que la sorprendente película de Baz Luhrmann supuso todo un revulsivo para que ciertos directores se arriesgaran a dirigir musicales, sin saber con total seguridad qué efecto producirían en una desacostumbrada audiencia que ya prácticamente los había olvidado. Contra todo pronóstico, el éxito obtenido se ha reflejado en una sustanciosa lista de títulos, entre los que figuran Chicago, Dreamgirls, Hairspray, Sweeney Todd, Mamma mia! o Nine. Era pues inminente la adaptación en pantalla grande de uno de los musicales más famosos de la historia, Los miserables, inspirado en la inmortal novela de Víctor Hugo y basado en el espectáculo musical que ha triunfado por todo el mundo desde comienzos de la década de los ochenta.

No es la primera vez que se adapta este relato al cine, pues ya en los 90 se hizo una versión (muy infravalorada) protagonizada por Liam Neeson, ¡por no mencionar la completísima y fantástica miniserie de Gérard Depardieu! En esta ocasión, es el cineasta Tom Hooper (caído en gracia desde la oscarizada El discurso del rey) quien se ha atrevido con este ambicioso reto, cuyo atractivo principal es que, a diferencia de la mayoría de los musicales en los que los actores graban las canciones con una orquesta en un estudio, en este caso todos los intérpretes cantaron en directo en el plató. Un esfuerzo digno de ser reconocido por parte de un elenco más que entregado.

Un elenco por otra parte que se convierte en el pilar fundamental del film, pues si bien la mayoría no son cantantes profesionales, suplen esta faceta con interpretaciones más que solventes y destacables: Hugh Jackman, que tiene experiencia previa en estas lides, ofrece una sólida interpretación como Jean Valjean; Anne Hathaway está increíble como Fantine (su Oscar a secundaria está ya, como quien dice, “cantado”); y Eddie Redmayne lo borda literalmente (el número dedicado a sus compañeros caídos en batalla es sobrecogedor). Quizás el que se queda corto es Russell Crowe, pero no porque cante precisamente mal, sino porque su registro vocal no llega al tono que se le exige al personaje del incansable perseguidor Javert; aun así su presencia en pantalla es indiscutible. En cuanto al binomio Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen, quienes parecen disfrutar encasillándose en sus respectivos roles de excéntricos fantoches, cumplen también con su cometido, pues introducen puntualmente las pequeñas dosis de picaresca necesarias evitando que la película se limite a una incesante sucesión de números dramáticos.  

Dando por sentado que la banda sonora es una maravilla, el otro punto fuerte de la cinta es su impecable factura. Asimismo, los primeros planos con el personaje descentrado o la escenografía tan decadente evocan a la perfección la atmósfera que se respira en el manuscrito original. Eso sí, son muy cuestionables esos zarandeos de cámara que están a la última hoy día. Muchas veces da la sensación de que la cámara no acompaña al personaje que está cantando, y esto dificulta el seguimiento de la narración.

Con respecto al discurso, tal vez lo más conseguido sea la captación del espíritu de rebelión de la clase obrera francesa, fácilmente extrapolable de hecho a la situación que vivimos actualmente. Sin embargo, hay que decir que la trama se ve lamentablemente resentida en ciertos pasajes donde apenas existe profundización, como por ejemplo la transformación de Jean Valjean en alcalde o la relación de amor entre Marius y Cosette. Claro que, también hay que tener en cuenta que un formato musical cuenta con sus pros y sus contras.

En resumen, descartando algún punto flaco, Los miserables está a la altura de las expectativas generadas desde su concepción. Seguramente habrá más de uno canturreando las canciones sin cesar días después de su visionado.

Lo mejor: Su potente secuencia inicial, así como el tema I dreamed a dream interpretado por una pletórica Anne Hathaway, que aguanta espléndidamente en un prolongado primer plano como una auténtica fiera.

Lo peor: Una historia en la que casi el 100% de los diálogos son cantados puede resultar difícil de digerir para un público determinado.

miércoles, 6 de febrero de 2013

Las sesiones (2012)

Por Carlos: ****1/2

Desde que Amenábar dirigiera en el 2004 Mar Adentro, el público en general parece estar más preparado para películas que supongan la puesta en escena de algún personaje con algún grado de invalidez. Lo que en otras circunstancias podría suponer algo doloroso, algunos directores consiguen llevarlo a cabo de una forma lúdica y veraz pero a la vez poco traumática. David Lynch en El hombre Elefante consiguió llegar a un grado de desesperación en el personaje e incomodidad en el espectador sin igual, y la tendencia hasta mediados de los noventa, hasta la aparición de Forrest Gump, era mostrar la discapacidad como un precipicio abismal donde los personajes que la sufrían y sus consecuencias no eran aptos para personas sensibles: Johnny cogió su fusil, Alguien voló sobre el nido de cuco o Mi pie izquierdo, son ejemplos de ello.

Sin embargo, Las sesiones es una película que el desconocido Ben Lewin consigue llevar por cauces pocas veces vistos. En lugar de enfocar la trama de un hombre discapacitado a causa de una atrofia muscular total como un mero caso de superación personal, la película se centra en su deseo de conseguir placer sexual por primera vez en su vida. La discapacidad en esta ocasión, pasa a un segundo plano, siendo el hilo conductor de la historia, pero no el hecho protagonista de la misma.

Esta dificultad en el planteamiento, requería de un actor implicado en el papel. John Hawkes, al que recordaréis por The winter´s bone, interpreta a Mark O´Brien. Sin exagerar demasiado, Hawkes ofrece una de las mejores interpretaciones masculinas de los últimos años. Sin mover un músculo del cuerpo, su nivel interpretativo está por las nubes, y su amplitud de registros es abrumadora. Lo acompañan Helen Hunt, que se desnuda, como se suele decir, física y emocionalmente en la película, y un genial William H. Macy, que por qué no decirlo, demuestra una vez más que es uno de los mejores actores secundarios de toda la historia del cine.

La película inspira buenrrollismo, amiguismo, y un simpatiqueo que sin duda alegrará el día a más de uno. Es una cinta original, con un guión simple y eficiente y una puesta en escena directa. Para mi gusto sobra un pequeño flashback a la mitad de la película, pero suelo odiar esas cosas.

Lo mejor: El mejor trío actoral del año.
Lo peor: El flashback.

martes, 5 de febrero de 2013

La vida de Pi (2012)

Este post fue publicado el día 5 de Diciembre de 2012 en Under Magazine.

Por Juanmez: ****

Creer o no creer, esta es la cuestión que plantea el realizador Ang Lee en su duodécimo trabajo La vida de Pi, cuidada adaptación de la novela homónima de Yann Martel: una bella fábula sobre la supervivencia que, a su vez, subraya la importancia de la espiritualidad en las situaciones límite, independientemente de la creencia religiosa que se profese.     

Desde que Ang Lee se diera a conocer internacionalmente con la magnífica El banquete de boda (1993) rara vez ha defraudado, tan solo Hulk (2003) está por debajo del alto listón al que nos tiene acostumbrados. Generalmente ha demostrado su versatilidad con creces embarcándose en proyectos dispares (Sentido y sensibilidad, Cabalga con el diablo, Brokeback mountain) que tienen como denominador común la intachable personalidad y el firme compromiso que derrocha en cada uno de ellos. 

Al igual que en Tigre y dragón (2000), estos principios no solo se mantienen en La vida de Pi, sino que además son llevados a un paroxismo inusitado apreciable fundamentalmente en el plano estético que siempre ha caracterizado a la filmografía del taiwanés. La combinación entre el impecable diseño artístico de la ya citada película con su virtuosa dirección de fotografía dan como resultado una exquisita colección de imágenes maravillosas dignas de atesorar en el recuerdo (como la de ese místico océano en calma que se confunde con la infinita bóveda celeste). Todo un alarde visual que consigue transportar al espectador a un mundo de ensueño y en el que el inevitable abuso de los efectos digitales no prevalece sobre el relato, más bien está al servicio del mismo.  

Dicho relato, conmovedor a todas luces, está protagonizado por Pi Patel, un joven hindú de nombre anecdótico con encontradas inquietudes religiosas que se ve obligado a abandonar su país natal debido al estancamiento del negocio que regenta su familia: un zoológico. En aras de encontrar una vida mejor, deciden embarcarse en un carguero con la intención de vender todos los animales a un nuevo propietario una vez lleguen al destino prefijado. Desgraciadamente, un temporal atroz provoca un terrible naufragio del que Pi sobrevive por caprichos del destino. Y será a partir de entonces cuando comience su particular odisea, aislado en un bote a la deriva en medio de la nada con la única compañía de un peligroso tigre de Bengala; un increíble viaje en el que pondrá a prueba todo aquello en lo que creía, y en definitiva, a sí mismo. 

En lugar de adoctrinar, La vida de Pi aboga por la libre interpretación de los hechos narrados. Lo que subyace bajo esta tierna historia es la sublimación de la esperanza a través de la fe, pues en ocasiones la creencia en lo insólito (en lo indemostrable) ayuda a sobrellevar y a comprender mejor la cruda realidad en la que estamos inmersos; un mensaje más que necesario en los espinosos tiempos que atravesamos actualmente. Posiblemente no convencerá a todos por igual, pero difícilmente dejará a alguien indiferente en el patio de butacas.  

Lo mejor: Es una delicia visual.

Lo peor: Que más de uno la comparará inevitablemente con Naúfrago.

Para leer más artículos de Juanmez entre otros, entra también a Under Magazine.

lunes, 4 de febrero de 2013

Mascotas a granel

La participación de animales en el cine ha sido un reclamo recurrente desde hace mucho tiempo, bien para recrear una persecución con caballos en el Lejano Oeste, plasmar historias verídicas como la de Dian Fossey en Gorilas en la niebla (1988) o provocar pavor entre el gran público como en el caso de King Kong (1933) o Tiburón (1975). Igualmente existen películas con animales destinadas a los más pequeños pertenecientes al género de la animación, como 101 dálmatas (1961), La dama y el vagabundo (1955), Buscando a Nemo (2003), El libro de la selva (1967), Río (2011) y un largo etcétera. Aunque no siempre el uso de animales en el cine ha sido beneficioso para los mismos, pues no podemos olvidar aquellos rodajes en los que aparentemente se maltrató a algunos de los que participaban, como En busca del arca perdida (1981), Hable con ella (2002) o Apocalypse now (1979). Sin embargo en esta entrada hemos seleccionado en un Top Ten las mascotas de carne y hueso más entrañables del celuloide, por supuesto nos dejaremos muchas en el tintero, pero vosotros podéis aportar nuevos nombres a la lista. Ningún animal ha sido maltratado para la realización de la misma. Aquí van:

10. Babe (Babe, el cerdito valiente, 1995) 

Este adorable cerdito conquistó el corazón de James Cromwell y de todos los espectadores. Como curiosidad, se utilizaron varios cerditos debido al rápido desarrollo del Yorkshire Pig.  

9. Joey (Caballo de batalla, 2011)

Hay muchos caballos representativos dentro del cine, como Artax de La historia interminable (1984) o Sombra gris, el majestuoso caballo de Gandalf en la trilogía de El Señor de los anillos; pero recientemente Spielberg tocó la fibra sensible de muchos con la relación existente entre el valiente Joey y su amo en Caballo de batalla (2011).

8. Totó (El mago de Oz, 1939)

Cómo olvidar al inseparable cachorro que acompaña a Dorothy en su aventura por el camino de baldosas amarillas. Se rumorea que el sueldo del perrito fue bastante superior al de muchos actores de reparto de la cinta. 

7. Flipper (Flipper, 1996)

La historia de este mítico delfín ha dado para muchas películas y series, pero sin duda nos quedamos con la versión que protagonizó un jovencísimo Elijah Wood. 

6. Milo (La máscara, 1994)

Posiblemente uno de los Jack Russell más famosos de la historia del cine, que además tuvo el privilegio de ponerse la máscara que otorgaba poderes a su amo Jim Carrey en esta alocada comedia de los 90. 

5. Cheetah (Saga Tarzán)

Fiel y mítico chimpancé que acompaña a Tarzán en sus andanzas por la selva. Desde las últimas décadas del siglo XX por lo menos ha sido representado en pantalla grande por dos chimpancés diferentes.

4. Hedwig (Saga Harry Potter)

La inseparable mascota del joven aprendiz de mago no podía faltar en este ránking, fue una compañera crucial desde su entrada al mundo mágico y le acompañó durante nada menos que siete años.

3. Uggie (The artist, 2011)

Otro Jack Russell para el recuerdo. Fue una auténtica revelación en la película muda ganadora del Oscar The artist. ¡Tiene hasta su estrella propia en el Paseo de la Fama!

2. Verdell (Mejor imposible, 1997)

La convivencia del grosero Melvin Udall (interpretado por Jack Nicholson) con este pícaro Grifón de Bruselas es crucial para la evolución de su personaje en la película, pues le ayuda a ser más tolerante, comprensivo y humano con el mundo que le rodea. 

1. Gato (Desayuno con diamantes, 1961)

Quizás sea el gato sin nombre más famoso de Hollywood, o uno de ellos. En la película, Audrey Hepburn no le puso nombre porque según ella no era nadie para ponérselo, ya que era un gato libre que no necesita a nadie, igual que ella. La secuencia final con el felino es una de las más bellas que se recuerdan... 

¡Eso es todo amigos! 

Argo (2012)

Por Carlos: ****1/2

Estrenada allá por el mes de Octubre, presento ahora la opinión de una de las películas revelaciones del año pasado. El primer tráiler de Argo ya mostraba una originalidad en el argumento de la que carecían casi en su totalidad todas las películas vistas en el 2012 hasta la fecha. La historia de un guión de cine como tapadera para colarse en Irán a rescatar a unos funcionarios de la embajada americana en plena crisis de los rehenes, prometía como poco una ilusión por ver algo nuevo en lo que fue una primera mitad de año bastante aburrida.

Abordando distintos aspectos de la misión, Argo destaca por una belleza exótica, con aires a las intrigas de los años setenta (Los tres días del Cóndor, Todos los hombres del presidente), y localizaciones en los lugares más morbosos de la época, tanto las oficinas de la CIA como Hollywood, y por supuesto, la cruenta sociedad iraní, que reclama a su Sha para su juicio. Tras esta rocambolesca idea, se esconde un director con una mejora ascendente en su carrera. Ben Affleck deja a los ladrones de Boston y se introduce en la piel de un espía de la CIA en este thriller apasionante, donde sin pegar un solo tiro, ofrece una de las mejores muestras del género de los últimos años. Unido a un plantel de secundarios maravilloso, y con elementos made in Spielberg (ese hijo alejado de su padre) que bien podría haberlo tratado de manera diferente, Affleck y el guionista Chris Terrio abordan la película de una forma realista, con pequeños detalles imaginativos para dotar a la película de tensión, y lo más importante, intentando ser lo más universales posible, sin americanismos exagerados ni efectismos que atentan contra la inteligencia misma.

Con un presupuesto de cuarenta millones, financiados en parte por George Clooney, que gusta de este tipo de historias de espías en países exóticos (ya lo vimos en Syriana, Tres reyes y en menor medida, en Los hombres que miraban fijamente a las cabras), la película acaba por ofrecer un ejercicio metacinematográfico más que digno, una sinceridad de agradecer, dosis de comedia y tensión de la buena. Y por supuesto, la promesa de un director al que gustan proyectos variados e interesantes, y con pasta.

Lo mejor: El plantel de actores es inmejorable. No sé qué pintan las nominaciones a Alan Arkin, Goodman y Cranston están soberbios. 

Lo peor: La historia del hijo sobra.

domingo, 3 de febrero de 2013

¡Abrimos!

¡Bienvenidos señoras y caballeros una vez más a Malditos Cinéfilos!
Han sido meses sin publicar, y seguro que muchos de vosotros os habéis preguntado una y otra vez '¿qué habrá sido de los Malditos Cinéfilos?', con tristeza y desolación, viendo semana tras semana que vuestra habitual entrada del blog no aparecía.
Lo mejor será explicarlo todo desde el principio. Allá por Octubre, Blogger, presuntamente, cambió una vez más su interfaz, y las mil cosas que siempre cambia, por el mero hecho de joder a todos sus usuarios. A nosotros nos afectó sobremanera, ya que más del cincuenta por ciento de las fotografías del blog habían desaparecido, y en algunos ordenadores, ni siquiera se podía visualizar correctamente la página web. Debido a estudios por mi parte, y a trabajo por parte de Juanmez, no hemos podido solucionar el problema hasta ahora, ya que hemos tenido que retocar casi todas las entradas del blog, aprovechando de paso para hacer un poco de limpieza, eliminando entradas sobre tráilers y noticias antiguas.
Como los Oscars son dentro de tres semanas, fecha señalada en el calendario de cualquier cinéfilo del mundo mundial (o de casi todos), vamos a aprovechar para ir publicando poco a poco nuestros puntos de vista sobre las películas que participan en esta edición de los Oscars, y recuperar así un poco los meses perdidos.
A modo de resumen, durante los cuatro últimos meses hemos podido ver el grueso de las producciones más importantes del año. Argo se estrenó en el mes de Octubre, y a día de hoy es la favorita para ganar a mejor película, viendo el número de premios consecutivos que está ganando. En el mes de noviembre, pudimos disfrutar de estrenos como La vida de Pi, o Skyfall, la vuelta al ruedo de las intrigas de James Bond. En Diciembre, los seguidores de Tolkien nos pusimos las botas con la adaptación de El hobbit, y la muy esperada versión de Los Miserables, además de disfrutar de nuestra representante en los Oscars, Blancanieves, que lamentablemente, no entró entre las cinco nominadas a mejor película extranjera.
Además se proyectaron películas europeas muy interesantes: Amour, Holy Motors, César debe morir...y los números en el cine patrio parece que repuntan después de los despropósitos de años anteriores.

En fin, que como siempre, los finales y principios de año suelen traer lo mejor en el mundo del cine. Buena noticia, comparado con el mediocre año 2012 que llevábamos. Así que sin más dilación, Juanmez y un servidor tenemos el placer de reabrir Malditos Cinéfilos.