miércoles, 30 de noviembre de 2011

Nominados a los Independent Spirit Awards 2012

El día 25 de Febrero se entregarán en Los Ángeles los premios del cine independiente. "Take Shelter" y "The Artist" encabezan la lista en número de categorías. Los nominados son:

MEJOR PELÍCULA                              
50/50
Beginners
Drive
Take Shelter
The artist
The descendants


MEJOR DIRECTOR
Michel Hazanivicius por The Artist
Mike Mills por Beginners
Jeff Nichols por Take Shelter
Alexander Payne por The Descendants
Nicolas Winding Refn por Drive


MEJOR GUIÓN
Joseph Cedr por Footnote
Michel Hazanivicius por The Artist
Tom McCarthy por Win Win
Mike Mills por Beginners
Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash por The Descendants


MEJOR ÓPERA PRIMA
Another Earth
In the family
Margin Call
Martha Marcy May Marlene
Natural Selection


MEJOR PRIMER GUIÓN
Mike Cahill y Britt Marling por Another Earth
J.C. Chandor por Margin Call
Patrick DeWitt por Terri
Phil Johnston por Cedar Rapids
Will Reiser por 50/50


MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL
Lauren Ambrose por Think of Me
Rachael Harris por Natural Selection
Adepero Oduye por Pariah
Elizabeth Olsen por Martha Marcy May Marlene
Michelle Williams por My Week with Marilyn


MEJOR ACTOR PRINCIPAL
Demián Bichir por A Better Life
Jean Dujardin por The Artist
Ryan Gosling por Drive
Woody Harrelson por Rampart
Michael Shannon por Take Shelter


MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Jessica Chastain por Take Shelter
Anjelica Huston por 50/50
Janet McTeer por Albert Nobbs
Harmony Santana por Gun Hill Road
Shailene Woodley por The Descendants


MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Albert Brooks por Drive
John Hawkes por Martha Marcy May Marlene
Christopher Plummer por Beginners
John C. Reilly por Cedar Rapids
Corey Stoll por- Midnight in Paris


MEJOR FOTOGRAFÍA
Joel Hodge por Bellflower
Benjamin Kasulke por The Off Hours
Darius Khondji por Midnight in Paris
Guillaume Schiffman por The Artist
Jeffrey Waldron por The Dynamiter


MEJOR DOCUMENTAL
An African Election
Bill Cunningham New York
The interrupters
The redemption of general Butt Naked
We were here


MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Nader y Simin, una separación (Iran)
Melancholia (Denmark, Sweded, France, Germany)
Shame (UK)
El niño de la bicicleta (Belgium, France, Italy)
Tyrannosaur (UK)


viernes, 25 de noviembre de 2011

Life in a Day

Este documental se presentó en Sundance hace ya más de un año. Se trata de un proyecto que encabezó Ridley Scott donde pedía a personas de todo el mundo que mandaran vídeos con escenas de su vida diaria. El director Kevin McDonald, se encargó de dar forma a la película. Disfrutadla:

jueves, 24 de noviembre de 2011

Retrospectiva: Las amistades peligrosas (1988)

Nuestra querida amiga Marina Hidalgo vuelve a obsequiarnos sin ánimo de lucro ni afán de popularidad, con un nuevo artículo. Esta vez se trata de la retrospectiva de 'Las amistades peligrosas', obra maestra de Stephen Frears. Que la disfrutéis.

Por Marina Hidalgo Jaén:

Como si de la bruja de Blancanieves se tratara, la película comienza con el rostro de Glenn Close (Marquesa de Merteuil) reflejado en un espejo. Parece que se quiere bastante a sí misma, y que ambas personalidades se miran con complicidad: el rostro verdadero, y el rostro del disimulo. Sólo basta esa breve escena para comprender qué papel va a desempeñar la famosa actriz.

Las amistades peligrosas se sitúa en el siglo XVIII y es considerada paradigma de este siglo por muchos historiadores. Es una obra completamente destructiva, donde los juegos de seducción que se dan, se convierten en un callejón sin salida para los principales personajes de la historia.

El contexto del siglo XVIII es evidente en muchos aspectos como el ambiente de la elite aristócrata y sus formas de vida, sus grandiosos edificios, una moda extremadamente compleja y otros aspectos que más adelante se van a exponer.

La comprensión de la aristocracia en la película resulta fundamental. Se trata de una elite que no trabaja y a la que se lo hacen todo nada más despertarse por la mañana, llevándose hasta el extremo de que ni ellos mismos se visten solos. Sus miembros viven ajenos a cualquier otra realidad, solo les importa lo que les rodea. Un ejemplo de ello se puede explicar cuando John Malkovich (Vizconde de Valmont) “salva” por beneficio propio a una familia de la ruina. Este personaje desconoce que hay miles de personas en dicha situación, e incluso podemos escuchar su cínica frase “56 libras por salvar a una familia entera de la ruina me parece una auténtica ganga”.

En este contexto podemos apreciar una nueva concepción del amor. Existen numerosos amantes y engaños y el sexo cobra una gran importancia. Hay un gran tratamiento de libertad sexual en la película que hasta llega al punto de hacer pensar a John Malkovich en el prestigio que le puede dar el seducir a una mujer con una férrea moral. Se trata de una historia con gran carga erótica.
Esta película es una adaptación de la novela que lleva el mismo nombre de Pierre Choderlos de Laclos. En la introducción, el autor seña de manera irónica que es imposible que los personajes de la novela hayan vivido “en ese siglo de la filosofía, en el que las luces extendidas por todas partes han hecho, como es sabido, a todos los hombres tan honestos y a todas las mujeres tan modestas y reservadas”. El placer es el fin único, tanto a nivel sexual como de ocio. La corte queda relegada a los chismes y cuchicheos y además a la manipulación de otras vidas. Todo esto llega incluso al maquiavelismo por parte de los titiriteros el Vizconde de Valmont y la Marquesa de Merteuil, donde a medida que transcurre la trama se va apreciando la inminente decadencia de la aristocracia de cara a la Revolución Francesa. Ésta, malgasta su vida y su máxima preocupación es la apariencia, el disimulo: “créate una buena imagen y podrás hacer lo que quieras”.

Por otro lado, se aprecia una cierta mezcla de sociedades. Por ejemplo el profesor de arpa y músico Keanu Reeves (el caballero Danceny) y su relación con Uma Thurman (Cécile de Volanges). Es curiosa la diferencia entre el Vizconde de Valmont y el caballero Danceny, pues comparando éste último con el Vizconde, aparece ridiculizado e incluso patético por su inocencia y honradez. Además, el duelo final entre ambos tampoco posee una grandeza dentro de la película, pues en este siglo se van perdiendo esos duelos tan característicos del siglo XVII. La mujer cobra un papel protagonista en este siglo y por tanto en la obra también se puede ver reflejado. En este siglo se produce una revalorización de la mujer y ello se manifiesta en el personaje de la Marquesa de Merteuil, pues se presenta como un personaje inteligente y astuto, aunque finalmente llegue a un final trágico. De hecho, en un determinado momento llega a decir “me limité a escuchar y a aprender a disimular […] busco el conocimiento”.

La Marquesa de Merteuil en la propia película define en breves palabras lo esencial de la trama de la película: la coexistencia de la vanidad y de la felicidad. Al final de la película, ella misma se da cuenta de que ambos son totalmente opuestos y que por tanto no pueden ser compatibles.

En la historia se dan una serie de confusiones, enfrentamientos morales y amorosos que llevan a los personajes a una situación de desconcierto y a veces de sometimiento. Ello se ve reflejado por ejemplo en el personaje de Michelle Pfeiffer (Madame de Tourvel), una mujer con una férrea creencia católica que se ve corrompida por el carácter libertino y despreocupado del Vizconde. Madame de Tourvel resulta crucial para comprender la situación de la Iglesia en aquella época. Ésta cada vez se vuelve más débil en estos momentos, se produce una descristianización donde la sociedad se vuelve más laica y en general lo religioso pierde importancia. Se abandonan las prácticas religiosas y se pierde el miedo a las prohibiciones morales, de ahí a la búsqueda del placer y la importancia del sexo sin más preocupaciones. Por tanto, nos encontramos con una mujer aferrada la religión en contraposición de la corrupción, el dinero y la manipulación, lo que hace que la obra resulte una transgresión a la moral religiosa.
La escena final donde aparece ella en la ópera y todo el público comienza a abuchearla es de lo más inquietante. En ese momento toda la imagen que ella se había creado se derrumba, aunque aun así se retira intentando no perder la compostura. Por ello poco después aparece ella de nuevo delante de un espejo, pero de manera totalmente distinta: aparece quitándose todos sus complementos, llorando y desmaquillándose, lo que resulta una metáfora del derrumbamiento de su apariencia creada.

En conclusión, la obra posee un fuerte final moral donde cada uno queda situado en el lugar que le corresponde, siendo así castigados los personajes que han provocado esta cadena de infortunios. No hay dudas de que pueden tener merecido todo el castigo que finalmente tienen, pero la historia no es más que el reflejo del condicionamiento que se posee incluso en la actualidad de nacer en un determinado rango social entre otros factores, por lo que quizás todos estos comportamientos pueden ser justificados en cuanto a que “no pueden evitarlo” como dice el Vizconde.

miércoles, 23 de noviembre de 2011

¿Qué fue de...Matthew Garber?

Posiblemente os suene más por su cara que por su nombre, ya que todo el mundo (o casi) ha visto "Mary Poppins" alguna vez; pero ¿qué fue de este joven y prometedor actor británico? Investigando me he topado con una trágica historia que desconocía por completo y que no esperaba bajo ningún concepto... Veréis, desde el principio Matthew Garber fue un chico Disney porque ya a los siete años debutó en la película "Las tres vidas de Thomasina" (producida por la renombrada factoría). Justo ese mismo año fue contratado para interpretar a Michael Banks en la ambiciosa "Mary Poppins", recompensada nada menos que con cinco Oscars. Tras este incuestionable éxito, Garber realizó una tercera película titulada "El abuelo está loco" que no llegó a tener gran repercusión mediática. Pero desgraciadamente este fue su último papel, pues su carrera se vio truncada al fallecer repentinamente a los 21 años a causa de una pancreatitis necrótica hemorrágica. Por lo visto en su día unas declaraciones revelaron que contrajo hepatitis en un viaje a la India y que la enfermedad se extendió hacia el páncreas. En el año 2004 Matthew Garber fue reconocido de forma póstuma como una Leyenda Disney. Una pena sin duda... ¿Qué habrá sido de otros infantes del celuloide que desaparecieron de la noche a la mañana? Espero que hayan tenido finales más felices...

domingo, 20 de noviembre de 2011

Un dios salvaje (2011)

Por Carlos: ***1/2
Por Juanmez: ****1/2

Antes de empezar a hablar de la película, me gustaría mencionar una de las cosas que más me ha sorprendido de la película, la localización de la acción en Nueva York. Supongo que Polanski sabe que cualquier película que se sitúe en ella despierte más atenciones que si fuera cualquier otra ciudad. Pero es bastante chocante que una película francesa, con un director vetado en el país gringo y con una obra de teatro francesa se haya localizado allí. Eso sí, rodar se rodó en París.

La película plantea el siguiente problema: Unos niños se pelean, uno le destroza la cara al otro, y los padres, para no denunciarse mutuamente, deciden quedar y que todo se soluciones civilizadamente. Pero cuando el amor propio, la venganza, y el ganar a toda costa vence al espíritu cívico, la situación puede degenerar en algo totalmente desagradable. Para dar vidas a estos padres, Polanski se rodea de lo mejor que hay en Hollywood: Kate Winslet, Cristopher Waltz, Jodie Foster y John C. Reilly probablemente estén en el top ten de los mejores actores del mundo. Con un reparto así y un guión muy pulido, y totalmente fiel, al cien por cien, a la asfixiante obra original, lo normal es que todo vaya como la seda.
Es entonces cuando el espectador toma el mando y decide. Si sois capaces de aguantar una hora y 20 minutos de conversación donde cuatro personas se insultan, se acusan, se amenazan, incluso entre marido y mujer y, con ecos de 'El ángel exterminador', son incapaces de salir de ese piso, retenidos una y otra vez por agentes más poderosos que sus propios deseos, disfrutaréis como nunca. Pero esta frustración constante y la desagradable sensación de ser un participante más en la conversación puede acabar volviendo loco al espectador. Polanski dirige con maestría lo que mejor sabe hacer: poner en peligro la salud mental del espectador, como ya hizo en 'La semilla del diablo', donde su protagonista no era capaz de salir de ese grupo de personas que la atormentaban, o en su última película 'El escritor', donde Ewan McGregor intentaba huir de las personas que lo acosaban, pero a la vez sentía la necesidad de adentrarse más entre ellos. Esta vez, queremos estar en esta discusión que parece no tener fin, pero que queremos verla terminar cuanto antes.

Lo mejor: El mejor reparto del año.

Lo peor: Un agobio constante.

Carlos

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Hacía tiempo que no lo pasaba tan bien en el cine como con “Un dios salvaje”, la última película del cineasta franco – polaco Roman Polanski basada en la obra teatral homónima de Yasmina Reza, a la que ha sabido sacar sin duda un excelente partido.

Como bien ha dicho mi compañero Carlos, lo que empieza como una aparentemente educada discusión entre dos matrimonios a causa de una riña entre sus respectivos hijos se convierte en la excusa perfecta para sacar a la luz todo tipo de reproches, indirectas, pullas y trapos sucios entre ellos, hasta el punto de que cualquier comentario sin importancia es susceptible de originar un terrible estallido. Así que, paradójicamente, los que se supone que son los adultos, terminan comportándose de un modo más pueril que sus propios hijos si cabe.

Asfixiados por las cuatro paredes del piso en el que se encuentran, único decorado que enmarca la acción y del que parecen no poder salir (como si una fuerza superior de inspiración "buñuelesca" lo impidiera), los cuatro pierden totalmente la compostura mostrando cómo son realmente tras esa fachada de cordialidad y serenidad, consiguiendo que la situación degenere en una auténtica pelea de gallos bajo la que se esconde una latente rivalidad familiar, que deriva a su vez en una insidiosa guerra de sexos para culminar en sucesivas guerrillas individuales unos contra otros (y todos contra sí mismos). No hay ganadores ni perdedores, lo único evidente es que el ser humano ha involucionado a su estado más primitivo y ya es muy difícil escapar del mismo…

Fiel a su estilo, Polanski vuelve a mostrarnos esa atmósfera opresiva y cargada que tan bien sabe plasmar en su cine. Tenemos que darle las gracias por trasladar tan minuciosamente el texto a la gran pantalla y hacernos partícipes de esta divertida función, como si fuéramos meros "voyeurs" que están espiando sin haber sido autorizados a presenciar el conflicto.

Si a todo lo dicho encima le añadimos un sentido muy ágil de la narración, unos ácidos e ingeniosos diálogos y cuatro actores portentosos que rezuman profesionalidad por los poros, nos encontramos ante una película de esquema teatral que merece la pena ser vista. Pura dirección, pura interpretación y puro guión, son motivos más que suficientes para acabar creyendo en este dios salvaje que todos llevamos dentro…

Lo mejor: El detonante en forma de vómito.

Lo peor: El momento en que se corta el enfrentamiento es demasiado abrupto y repentino, te quedas con ganas de más.

Juanmez

viernes, 18 de noviembre de 2011

Retrospectiva: Contra la pared (2004)

2004 fue un año muy interesante. Pudimos disfrutar de la multioscarizada 'Million Dollar baby', la segunda parte de 'Kill Bill', el éxitazo español 'Mar adentro' o la película asiática 'Hierro 3', todo un hit en los círculos cinematográficos. Pero en Europa hubo una protagonista absoluta, una película genial que arrasó en Berlín y en los premios de cine europeo. 'Contra la pared' es una película alemana dirigida por Fatih Akin, director alemán de ascendencia turca, y protagonizada por un cúmulo de actores turco-alemanes.

Como habréis podido adivinar, la película se enmarca en la sociedad turca de Alemania. Familias que emigraron, algunas conservando sus costumbres y otras olvidando totalmente sus raíces y sumergiéndose en la vida alemana. Los protagonistas de la película, Cahit (Birol Ünel) y Sibel (Sibel Kekilli) representan estas dos versiones. Cahit es un tipo vago que no trabaja y que vive en un cuchitril. Harto de su apestosa y monótona vida sin sentido, decide un día acabar con ella acelerando su coche contra un muro. Milagrosamente, se salva, y en el hospital coincide con Sibel, una chica cuya familia coarta su libertad. Esta represión trastorna a Sibel, que se corta las venas, pero infructuosamente. Al escuchar el nombre de Cahit, sin ni siquiera conocerlo, decide casarse con él.

A partir de aquí la historia avanza y evoluciona de forma lineal, segura, con situaciones de todo tipo. Una relación tan atípica como ésta deriva en multitud de escenas y momentos sin sentido. Los protagonistas tienen relaciones con otros personajes, pero ellos apenas se conocen. Su matrimonio, puramente de conveniencia, no les priva el disfrutar de la vida nocturna de Hamburgo, donde el director se explaya y da rienda suelta a su calidad cinematográfica, creando escenas muy dinámicas, casi parecen ajenas a la película. Conforme se suceden las escenas, el dramatismo cobra cada vez mayor importancia, y la película empieza a dar giros argumentales, pasando por varias etapas totalmente distintas hasta terminar la película.

Fatih Akin, autor también del guión, muestra de forma descarada la vida de estas personas. Su forma de rodar es directa y no muy pudorosa, mostrando escenas de todo tipo, aunque guardando siempre las formas: sexo, peleas...todo está grabado intensamente. La película también es una fotografía de la sociedad, con dificultades para encontrar un buen trabajo, jornadas laborales interminables y poco productivas y una sensación general de desazón. El choque de culturas está presente, por supuesto, una sociedad abierta como la alemana que encierra dentro un submundo de culturas distintas que viven ajenas al resto.

El buen hacer del director consigue que la película sea entretenida de principio a fin. Un argumento contado a base de actos, muy originalmente separados con una curiosa danza árabe, una historia muy original, con personajes y situaciones fuera de lo normal y una banda sonora potentísima, mezclando temas árabes con canciones más actuales, son los mejores alicientes para disfrutar de la película. Los actores están muy inmersos en sus personajes y sus actuaciones son muy buenas. Los diálogos son ágiles y, una cosa que yo aprecio mucho en una película, no hay escenas bochornosas. Todo ocurre como en la vida misma.

Nos os arrepentiréis si perdéis dos horas viendo 'Contra la pared'. Es una película muy vistosa, con una fotografía y una atmósfera absorbente, y a pesar de que se estrenó hace varios años, el tema social a tratar sigue estando presente hoy.

Os dejo uno de los temas de la película, que lo disfrutéis:

jueves, 17 de noviembre de 2011

Anonymous (2011)

Por Juanmez: ***

Exceptuando la discutida cuestión homérica, nunca hubo tanta polémica en torno a la autoría de unos escritos como la que ha habido desde siempre con Shakespeare. ¿Cuántas veces se ha especulado con la posibilidad de que la pluma responsable de obras cumbre de la literatura universal no perteneciera al renombrado dramaturgo? "Anonymous" toma este encendido debate como punto de partida replanteándonos una de las múltiples versiones alternativas que cuestionan la historia oficial del célebre Bardo de Avon; particularmente aquella que desmitifica su figura en beneficio del 17º Conde de Oxford, a quien se adjudicaría la autoría real de este ingente legado literario.

A priori, lo que más llama la atención es que la haya dirigido Roland Emmerich, quien ha dejado a un lado su vena catastrofista al estilo "Independence day" o "2012" para ponerse al frente de un proyecto totalmente distinto. Desde luego consigue salir airoso y hay que reconocer que la cinta se hace entretenida, ya que te mantiene en vilo de cabo a rabo seas crédulo o incrédulo, sin desmerecer además en los correspondientes apartados artístico e interpretativo. Por muy disparatado que pueda resultar su argumento, es indiscutible que la trama está muy bien estructurada, sobre todo cuando descubrimos que tras el protagonismo del susodicho Conde de Oxford hay toda una urdimbre de intrigas palaciegas que implican a la mismísima reina Isabel I (menos virginal aquí que nunca).

No obstante, aunque cuente con todo lo anterior a su favor, el ritmo narrativo se ve inevitablemente afectado a causa de un montaje plagado de altibajos, con saltos temporales mal ubicados que llegan a confundir al espectador hasta el extremo incluso de identificar con dificultad cada personaje durante buena parte del metraje. Pero lo más preocupante es que esta vuelta de tuerca a los hechos que se muestra en la cinta procede de un enfoque peligrosamente elitista al defender la manida idea de que un hombre de origen humilde (como se supone que era Shakespeare) hubiera sido incapaz de escribir de esa manera tan exquisita, una tarea solo imaginable al parecer en un noble que gozara de una elevada posición. Igualmente, y sin intención de desmontar esta rebuscada conjetura, yo me pregunto: ¿qué más da cuáles fueran sus orígenes si lo que realmente importa es la valiosa obra que nos ha dejado? Eso es lo realmente importante...

Lo mejor: Rhys Ifans y Vanessa Redgrave, ambos deslumbrantes.

Lo peor: Su irregular montaje.

martes, 15 de noviembre de 2011

Próximos estrenos

Ya se va acabando el año y la cercanía de los premios conlleva a que a estas alturas se estrenen algunas de las películas fuertes del año. Por si os interesa, aquí os dejo el calendario con los estrenos más interesantes de los próximos meses en nuestro país. La mayoría de ellos o ya se han estrenado en USA o se estrenarán antes de que acabe el 2011, pero en España aún tendremos que esperar un poco más. Ahí va:

NOVIEMBRE

18: - Un dios salvaje (Roman Polanski): Adaptación de la obra de Yasmina Reza sobre dos parejas que discuten sobre una pelea entre sus hijos. Excelentes críticas a nivel mundial.
- Medianeras (Gustavo Taretto): Tragicomedia argentina que fue presentada en el festival de Valladolid en la sección oficial. La ciudad de Buenos Aires cobra protagonismo en una historia de vidas cruzadas.

25: -El gato con botas (Chris Miller): Spin-off sobre el popular personaje de Shrek al que de nuevo dobla Antonio Banderas.
-Un método peligroso (David Cronenberg): El maestro canadiense vuelve tras varios años (desde 'Promesas del este') con esta historia sobre Freud y Jung. Una de las películas más esperadas del año.
-Si no nosotros, ¿quién? (Andres Veiel): Premiada en el festival de Sevilla, es una película histórica sobre un hijo que defiende a su padre, acusado de nazi.
-El gato desaparece (Carlos Sorín): Sorín cambia de registro y nos trae este thriller psicológico bastante extraño en su filmografía.

DICIEMBRE

2: -Acero puro (Shawn Levy): Producida por Spielberg, Hugh Jackman interpreta a un entrenador de robots boxeadores.
-Jane Eyre (Cary Fukunaga): Enésima revisión del clásico de Brontë, esta vez interpretada por Mia Wasikowska y Michael Fassbender.
-La conspiración (Robert Redford): Redford suele acertar casi siempre. Esta vez nos cuenta la historia de los asesinos de Lincoln.


9: -La fuente de las mujeres (Radu Mihaileanu): Presentada en Cannes, un grupo de mujeres africanas no tendrán sexo con sus maridos hasta que éstos les ayudan a transportar agua.

16: -2 días en Nueva York (Julie Delpy): Típica película de Delpy, no hay que decir más.
-Los nombres del amor (Michel Leclerc): Premiada en los pasados César sobre un romance imposible entre dos personas totalmente distintas.
-Misión imposible IV (Brad Bird): El antiguo director de Pixar se pasa a la saga de Cruise en esta nueva entrega iniciada por De Palma en el 96.
-Perros de paja (Rod Lurie): Revisión del clásico de Peckinpah, esta vez protagonizada por James Marsden y Kate Bosworth.
-The artist (Michel Hazanavicius): Otra de las películas más esperadas del año. Tiene papeletas para caer en unas cuantas nominaciones en los próximos Oscar. La historia de un actor de los años 20 caído en desgracia tras la llegada del sonoro.

22: -El topo (Tomas Alfredson): El director de 'Déjame entrar' dirige a Gary Oldman en esta película de espionaje durante la guerra fría. Otra que tiene papeletas para los premios, sobre todo por las buenas críticas a la actuación de Oldman.
-Route Irish (Ken Loach): El eterno Loach, con su inseparable guionista Paul Laverty dirige esta vez esta película sobre la guerra de Irak.

28: -Drive (Nicolas Winding Refn): Gosling es un tipo con doble drabajo: Especialista de cine y taxista de ladrones por la noche.
- XP3D (Paranormal Xperience 3D)(Sergi Vizcaíno): Extraña película española rodada en 3-d sobre asuntos paranormales.

ENERO

5: -La dama de hierro (Phyllida Lloyd): Meryl Streep da vida a Margaret Thatcher durante la guerra de las Malvinas en este biopic donde puede que interprete uno de los mejores papeles del año.
-Sherlock Holmes II (Guy Ritchie): Segunda parte de esta 'saga' protagonizada por Downey Jr. y Jude Law.

13: -Caballo de batalla (Steven Spielberg): Cuenta la amistad entre un chico y su caballo durante la I GM. Lacrimógena e histórica, tiene papeletas para llevarse los premios gordos.
-La chispa de la vida (Álex de la Iglesia): Vuelve De la Iglesia de la mano de José Mota en esta comedia negra sobre un publicista que sufre un extraño accidente.

-Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres (David Fincher): El gran Fincher dirige este remake con Daniel Craig y Rooney Mara. Hay contrariedad con esta cinta, puede ser toda una obra maestra, o un perfecto chasco.

20: -Silencio en la nieve (Gerardo Herrero): Película española ambientada en la II GM, con Juan Diego Botto y Carmelo Gómez.
-Black Gold (Jean-Jacques Annaud): El director de 'El nombre de la rosa' cuenta una historia de rivalidad entre dos emires árabes en los años 30 por el petróleo. Con Antonio Banderas.

27-3: -J. Edgar (Clint Eastwood): Leo DiCaprio se pone en la piel de este curioso personaje de dirigió al FBI durante casi 30 años. A pesar de sus críticas dispares en USA, es una de las películas más esperadas del año.
-Los descendientes (Alexander Paye): Y ésta es otra. Payne vuelve tras varios años en silencio junto a George Clooney en esta historia sobre un terrateniente de Hawai que intenta recuperar la relación con sus hijas.
-Moneyball (Bennet Miller): También muy esperada, Brad Pitt es un director de un equipo de béisbol que siempre acaba en los primeros puestos pese a su bajo presupuesto. Escribe Aaron Sorkin.

FEBRERO

17-24: -Shame (Steve McQueen): Fassbender es un tipo obsesionado con el sexo. Su papel le ha valido varios premios y McQueen parece hacer un buen trabajo.
-Tan fuerte, tan cerca (Stephen Dalry): Un niño se queda huérfano tras la muerte de su padre en el 11-S. Antes de morir, éste le da una llave de algún lugar de Nueva York que su hijo debe descubrir.
-Hugo (Martin Scorsese): Un chico trabaja con relojes, hasta que un día repara a un hombre robot. Scorsese cambia de registro con esta peli infantil y rodada en 3d.

lunes, 14 de noviembre de 2011

Radiografía a Michael Fassbender

En el año 2006, se estrenó '300', una de las cintas más impactantes de los últimos años. Entre un reparto lleno de músculos encabezado por Gerard Butler, había otro espartano, Stelios, que también parecía tener cierta importancia. Michael Fassbender interpretó a Stelios, un espartano que parecía pasárselo mejor que nadie mientras arrasaba con los persas, y al que le gustaba contar chistes en los peores momentos, además de protagonizar la escena en la que le corta el brazo al primer emisario persa. Al final de 300, me dije, 'ese Stelios promete'.

En el 2009, la directora británica Andrea Arnold dirigió una de las cintas indie europeas más interesantes del año, 'Fish Tank'. La película no me pareció gran cosa, protagonizada por una chica que quiere bailar y que pertenece a una familia desestructurada. En esa familia encontramos a su madre, divorciada, que se echa un novio al que la hija también mira con buenos ojos. De nuevo Michael Fassbender aparecía en escena, siendo su actuación la mejor de la película.

Pero aquí no acabó la cosa, porque en el 2009, su elegancia, su sonrisa socarrona y su calidad interpretativa volvieron para darle forma al agente inglés de 'Malditos bastardos'. Aquí fue cuando me di cuenta que era el mismo tipo de Fish Tank y de 300, y decidí seguirle la pista. Lo siguiente que hizo Michael fue una película veraniega llamada 'Centurión', que seguro que os sonará. No fue tan bien como se esperaba, pero buscando, vi que en 2008 protagonizó una interesante película irlandesa dirigida por Steve McQueen (no el de los 70) llamada 'Hunger'. La película estaba bastante bien y Fassbender bordaba su papel.

A partir de aquí supe que este actor, casi desconocido para la mayoría, al que la fama le llegaba a los 30, después de 10 años de interpretación teatral y miniseries, era una promesa de futuro. Tiene carisma, cae bien a la prensa y tiene muchas tablas. Este verano lo vimos interpretando a Magneto en la nueva película de X-men. Su Magneto no tiene nada que envidiar al de Ian McKellen, dotándo al personaje de profundidad, algo que en las anteriores de X-men no estaba tan claro. El pasado trágico de Magneto era palpable en cada fotograma con Fassbender.
Y para redondear, este año acaba de ganar la copa Volpi en Venecia por su actuación en 'Shame', de nuevo con McQueen, donde la crítica se ha rendido a sus pies. Lo veremos en la nueva película de David Cronenberg, 'A dangerous method', donde dará vida a Jung, una de las películas más interesantes del año, y además co-protagoniza la nueva película de 'Jane Eyre', que un servidor ya ha tenido la oportunidad de ver y donde de nuevo el señor Fassbender logra una interpretación espectacular. A esto se le suma la nueva película de Soderbergh, 'Haywire' y la precuela de 'Alien', 'Prometheus', uno de los bombazos del 2012.
Tenemos Michael Fassbender para rato, y es de agradecer. Su trayectoria está siendo imparable, y combina papeles de calidad con películas taquilleras donde tampoco baja su nivel interpretativo. Está llamado a ser una figura para los próximos años.

domingo, 13 de noviembre de 2011

Ganadores del SEFF´11

Siento el retraso al publicar, pero no he tenido tiempo de escribir estos días. A continuación os dejo con los ganadores del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2011, cuando pueda os iré desgranando las películas que he tenido el placer de ver a lo largo de esta semana, y ojalá sea pronto porque ando bastante ocupado. ¡Un saludo a todos!


GIRALDILLO DE ORO: "Happy, Happy"
MEJOR DIRECTOR: Steve McQueen, "Shame"
GIRALDILLO DE PLATA: "Si No Nosotros, ¿Quién?"
GRAN PREMIO DEL PÚBLICO: "The Artist"
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: "The Mill and the Cross"
MEJOR ACTOR: Michael Fassbender, "Shame" y August Diehl, "Si no Nosotros, ¿Quién?" (ex aequo)
MEJOR ACTRIZ: Nadezhda Markina, "Elena" y Bien de Moor, "Code Blue" (ex aequo)
MEJOR DIRECCIÓN NOVEL: Morteza Farshbab, "Mourning"
PREMIO EURIMAGES: "Shun Li and the Poet"

jueves, 10 de noviembre de 2011

Crónica de una decepción: Appaloosa (2008)

Supongo que más de una vez habréis salido defraudados del cine a causa de una película que en apariencia merecía la pena. Pues de vez en cuando dedicaré un espacio en el blog a aquellas cintas que me decepcionaron en su día, por muy buena acogida o excelentes críticas que tuvieran. Inauguro la sección con "Appaloosa", segunda experiencia de Ed Harris como director tras la brillante "Pollock".

Todavía recuerdo antes de ir a verla las alabanzas dichas sobre esta peculiar producción: "el mejor western desde Sin perdón", "un western de los que se recuerda", etc. Personalmente no me fascina el género, pero sí tengo en mi recámara grandes secuencias de inolvidables westerns que no viene al caso enumerar aquí y que quizás sean los responsables a la hora de determinar que "Appaloosa" está a años luz de ser un film memorable...

Desde luego es innegable que se trata de un producto bien elaborado, pulido y rematado por un versado Ed Harris; no obstante una vez pasada la primera media hora, la cinta se vuelve tediosa: quizás por su cansino desarrollo o tal vez por una trama en la que no hay cabida para los sobresaltos ni las sorpresas...

A mi modo de ver, daba la impresión de que el excesivo empeño de Harris por plasmar a la pantalla un western de la manera más pulcra posible desencadenó un resultado algo desfavorable: ¡es tan correcta y comedida que aburre! Aunque no todo fue negativo dentro de lo que cabía: se salvaban un sosegado Viggo Mortensen en su rol de compañero leal, una lograda puesta en escena y una espléndida fotografía; ahora bien, ¡a Renée Zellweger no la salvaría bajo ningún concepto! Estaba realmente espantosa...

Cuando salí de la proyección, me quedé con ganas de más, no sé de qué exactamente (a lo mejor algún giro imprevisible o alguna frase antológica), pero lo que sí supe con seguridad es que ni era "un western de los que se recuerda" ni "el mejor desde Sin perdón". Más que inolvidable para mí pasó inmediatamente al cajón de los olvidados...

domingo, 6 de noviembre de 2011

Nominados a la 24º Edición del Cine Europeo

Ya se han dado a conocer los nominados a los premios del Cine Europeo de este año y "Melancholia" de Trier acapara el mayor número de nominaciones. La lista completa en Leer más.

MEJOR PELÍCULA:

– “The Artist” (Francia)
– “La Gamin au Vélo” (Bélgica, Francia, Italia)
– “In a Better World” (Dinamarca)
– “The King’s Speech” (Reino Unido)
– “Le Havre” (Finlandia, Francia, Alemania)
– “Melancholia” (Dinamarca, Suecia, Francia, Alemania)

MEJOR DIRECTOR:
– Susanne Bier, “In a Better World“
– Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, “Le Gamin au Vélo“
– Aki Kaurismäki, “Le Havre“
– Bela Tarr, “The Turin Horse“
– Lars von Trier, “Melancholia“

MEJOR ACTRIZ:
- Cécile de France, “La Gamin au Vélo“
- Kirsten Dunst, “Melancholia“
- Charlotte Gainsbourg, “Melancholia“
- Nadezhda Markina, “Elena“
- Tilda Swinton, “We Need to Talk About Kevin“

MEJOR ACTOR:
- Jean Dujardin, “The Artist“
- Colin Firth, “The King’s Speech“
- Mikael Persbrandt, “In a Better World“
- Michel Piccoli, “Habemus Papam“
- André Wilms, “Le Havre“

MEJOR GUIÓN:
- Jean Pierre Dardenne, Luc Dardenne, “La Gamin au Vélo“
- Anders Thomas Jensen, “In a Better World“
- Aki Kaurismäki, “Le Havre“
- Lars von Trier, “Melancholia“

MEJOR FOTOGRAFÍA:
– Manuel Alberto Claro, “Melancholia“
– Fred Kelemen, “The Turin Horse“
– Guillaume Schiffman, “The Artist“
– Adam Sikora, “Essential Killing“

MEJOR MONTAJE:
– Tariq Anwar, “The King’s Speech“
– Mathilde Bonnefoy, “Three“
– Molly Marlene Steensgaard, “Melancholia”

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN:
– Paola Bizzarri, “Habemus Papam“
– Antxon Gómez, “La Piel que Habito“
– Jette Lehmann, “Melancholia“

MEJOR COMPOSITOR:
- Ludovic Bource, “The Artist“
- Alexandre Desplat, “The King’s Speech“
- Alberto Iglesias, “La Piel Que Habito“
- Mihály Víg, “The Turin Horse“

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL:
-“Pina” (Alemania)
-“Position Among the Stars” (Holanda)
-“¡Vivan las Antípodas!” (Alemania, Holanda, Argentina, Chile)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN:
-“Le Chat du Rabbin” (Francia)
-“Chico & Rita” (España, Isla de Man)
-“Une Vie de Chat” (Francia, Bélgica)

PREMIO DEL PÚBLICO:
-“Animals United” (Alemania)
-“In a Better World” (Dinamarca)
-“Little White Lies” (Francia)
-“The King’s Speech” (Reino Unido)
-“Potiche” (Francia)
-“También la Lluvia” (España)
-“Unknown” (Alemania)
-“Welcome to the South” (Italia)

PREMIO HONORÍFICO:
Stephen Frears

PREMIO HONORÍFICO INTERNACIONAL:
Mads Mikkelsen

sábado, 5 de noviembre de 2011

Melancolía (2011)

Por Juanmez: ****
Por Carlos: ***

Melancolía: “Dícese de la tristeza vaga, profunda, sosegada y permanente, nacida de causas físicas o morales, que hace que no encuentre quien la padece gusto ni diversión en nada.”

Más allá de un estado de ánimo, aquí Melancolía es una metáfora en forma de planeta que amenaza colisionar con la Tierra terminando así con las vidas de todos los seres que moran en ella sin remedio alguno. Asistimos pues al fin del mundo de acuerdo con la visión del danés Lars von Trier, que vuelve a evidenciar (como ya hizo en “Anticristo”) su paulatino distanciamiento de los principios del movimiento Dogma 95 que él mismo cofundó en su día junto a otros colegas como Thomas Vinterberg. Actualmente se cuentan por miles los detractores del realizador que otrora eran sus más fieles devotos, incapaces de asimilar aún que uno de los artífices de una tendencia cinematográfica tan rompedora haya decidido probar nuevos rumbos; por suerte yo sí lo he asimilado, puesto que entiendo que un director tan curtido como él necesite experimentar para evolucionar sin tener que ser por ello tildado de hipócrita ni mucho menos rechazar radicalmente su etapa anterior, de la que además sigue conservando ciertas reminiscencias.

En lugar de mostrarnos un film catastrofista al uso, Trier opta por detenerse en la atmósfera previa al acontecimiento a través de las perspectivas de dos hermanas con caracteres diametralmente opuestos: Justine (Kirsten Dunst) y Claire (Charlotte Gainsbourg). Cada una de ellas cuenta con su propio episodio diferenciado dentro de la cinta, precedidos ambos por un premonitorio prólogo de gran poderío visual (tan preciosista como hipnótico) que configura de este modo un tríptico muy bien estructurado. Después del bello prólogo que ofrece un breve anticipo de lo que va a suceder, el primer segmento de la película se centra en la boda de Justine, una joven atractiva y feliz que aparentemente tiene todo lo que desea; no obstante lo que se supone que debía ser la noche más feliz de su vida se acaba convirtiendo en toda una pesadilla cuando en el transcurso de la celebración afloran los conflictos existentes entre los miembros de la familia y descubrimos que no todo es tan idílico como parecía en un principio. De este acelerado capítulo destaco interpretativamente a una entregada Kirsten Dunst y a un chistoso John Hurt (el momento en que roba cucharas para esconderlas en el bolsillo de su chaqueta y marear a los camareros es muy divertido).

Acto seguido entramos de lleno a la segunda parte rodada desde el punto de vista de Claire, mucho más pausada y con mayor contenido dramático que la anterior. A partir de aquí es cuando la película da un giro de 360 grados porque se conciencia al espectador de la presencia del planeta Melancolía y de la gravedad que supondría el choque del mismo con la Tierra si ocurre. Esta desesperante y repentina sensación de agobio es transmitida todo el tiempo por Claire que se niega a asumir la posible destrucción del mundo, a diferencia de su hermana quien parece aceptar estoicamente su destino sea cual sea porque su vida ha quedado destrozada tras la fallida boda. Sintiéndolo por Dunst, Charlotte Gainsbourg vuelve a demostrar el animal escénico que es y se la come actoralmente hablando. El premio a Mejor actriz en Cannes tendría que haber sido para ella de nuevo…

Por tanto existe un marcado contraste entre ambos fragmentos: mientras que en el primero los protagonistas están tan ensimismados en pasarlo bien que llegan a olvidar lo que sucede más allá de sus propias narices, en el segundo por el contrario se revela que prácticamente todo lo presenciado en el capítulo previo resulta insignificante en comparación a la problemática que se plantea: el presuntamente inminente cataclismo cósmico. Asimismo es interesante observar cómo cada una de las hermanas afronta el acontecimiento: Justine se entrega al influjo del planeta porque no tiene nada que perder, y sin embargo Claire teme su impacto porque sí alberga motivos por los que seguir adelante.

En definitiva, una cinta apocalíptica con un punto romántico que invita a la siguiente reflexión: ¿de qué sirve complicarse tanto la vida si a lo mejor mañana llega un meteorito y acabamos de repente fulminados?

Lo mejor: Su apoteósica escena final.

Lo peor: La segunda parte se hace reiterativa, insiste demasiado en la misma idea.

Juanmez.


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Lars Von Trier se define a sí mismo como el mejor director del mundo. Su ego llega a tanto que no se para a pensar si su afirmación no esconde un poco de exageración. A pesar de ello, sin duda es uno de los mejores directores del mundo, de éstos que cogen una cámara y son capaces de hacer cualquier cosa. En Dogville no utilizaba ningún escenario, en sus películas dogma rodaba casi sin guión y en 'El jefe de todo eso', que para mí sigue siendo su mejor película, no utilizaba música. Y yo me pregunto, ¿hay que dárselas tan de listo para demostrar ser un buen director? En ocasiones sí, hace falta salirse de la norma para que el público pueda ver todo su conocimiento cinematográfico, que en el caso de Von Trier es muy amplio; pero otras veces parece que sólo se preocupa de molestar al espectador.

En 'Melancolía', como bien ha dicho Juanmez, existen dos partes diferenciadas. Después de una entretenida primera parte, sin previo aviso y sin explicación, nos cuenta una historia totalmente diferente, un torrente de imágenes poderosas que aturden y agobian al espectador. A ello se le suma el personaje de Dunst, completamente incongruente. ¿Quiere morir, le da igual, o no quiere? ¿Y a cuento de qué está en esa situación? Von Trier no explica nada, y al final, ni sé si Melancolía es un planeta que revienta contra nosotros, una metáfora, un estado de ánimo, o qué se yo. Después de un rato, el espectador aborrece el personaje de Dunst, aborrece la tensión y lo único que quiere es que la película termine de una vez.

Lo mejor: La primera parte promete, aunque luego se desinfle muchísimo.

Lo peor: ¿Esto tiene soporte científico?

Carlos.

viernes, 4 de noviembre de 2011

Festival de Cine Europeo de Sevilla 2011


¡Los cinéfilos de Sevilla (entre los que me incluyo) estamos de enhorabuena esta semana porque desde hoy, día 4 de Noviembre, hasta el 11 del mismo mes se celebra el VIII Festival de Cine Europeo! Mientras que el año pasado estuvo centrado en el cine holandés, esta edición rinde homenaje al nuevo cine ruso; de modo que los espectadores sevillanos tendrán el placer de ver películas de jóvenes directores rusos, así como una retrospectiva de la obra del célebre maestro del cine ruso Nikita Mikhalkov (quien además será galardonado con un premio por su contribución a las Artes). 

Pero no sólo encontramos cine procedente de Rusia dentro de la programación de este año, pues también destacan otras cintas de renombre dignas de ser vistas, tales como "El Havre" de Aki Kaurismaki, "Caballo de Turín" de Béla Tarr, "Shame" de Steve McQueen, y "The artist" de Michel Hazanavicius, sin duda la joyita del festival.

A diferencia del certamen anterior en el que no pudimos estar presentes ni mi compañero Carlos ni yo, esta vez tengo disponibilidad para asistir a varias proyecciones, por tanto ya os comentaré mis impresiones sobre las cintas que vaya viendo siempre que saque tiempo.

Para todos los interesados sabed que las películas serán proyectadas en los Cines Nervión Plaza y en el teatro Lope de Vega respectivamente. Más información en www.festivaldesevilla.com

jueves, 3 de noviembre de 2011

Criadas y señoras (2011)

Por Juanmez: ****

“Criadas y señoras” es la típica película pequeñita y de bajo presupuesto que suele pasar desapercibida, pero que sin embargo ha entrado en el club de las de visión obligada este año. En realidad era previsible que ocurriera porque, al igual que un pastel bien condimentado, la cinta cuenta con todos los ingredientes necesarios para atraer al público.

Esta adaptación a la gran pantalla de la novela escrita por Kathryn Stockett describe, a través de los testimonios de un nutrido grupo de anónimas amas de casa negras que vivían en el Mississippi de la década de los 60, lo que fue sin duda un periodo clave en la lucha de la comunidad negra por los derechos civiles en América.

La realidad de estas mujeres no se basaba solo en servir en las casas de las señoras blancas (demasiado ocupadas organizando fiestas), sino que muchas de ellas soportaban constantes vejaciones de alto contenido racista, y encima a cambio de una miserable paga que no llegaba ni al salario mínimo.

Aquí es cuando aparece una aspirante a escritora (interpretada acertadamente por Emma Stone) dispuesta a publicar un compendio que recoja las vivencias de estas mujeres con el fin de realzar el valioso papel que cumplían, ya que precisamente una de ellas fue quien la había criado durante su infancia en lugar de su madre. Muchas de las criadas temen al principio las entrevistas por las consecuencias que el libro pueda conllevar, pero finalmente las aprovechan como una vía de escape que las hace evadirse de sus deprimentes vidas por un rato.

Pese a su larga duración, el filme se hace entretenido y emotivo al mismo tiempo, posiblemente debido a las pequeñas dosis de humor que se alternan con el drama imperante. Quizás muestre una visión un tanto exagerada cuando presenta a las señoras como si hubieran salido del mismísimo infierno, pero gracias al tono cómico con el que la historia está narrada este defecto queda eclipsado.

Lo mejor: Las actrices (desde Viola Davis hasta Octavia Spencer), cuyas interpretaciones están de Oscar y justifican sobradamente ver la película.

Lo peor: Algún que otro flashback mal ubicado.  

miércoles, 2 de noviembre de 2011

Escena: "No hay un genio tan genial"

Desde luego que no lo hay, rechacen imitaciones, ¡porque el genio de "Aladdín" es incomparable! :-)