sábado, 31 de diciembre de 2011

Lo mejor del 2011

Es muy arriesgado decidir qué ha sido lo mejor del año en cine porque es prácticamente imposible ver la mayoría de películas que se hacen (a no ser que te dediques expresamente a ello), pero se sobrentiende que las cintas incluidas en nuestros Tops particulares han sido seleccionadas entre aquellas que hemos tenido la posibilidad de consumir. Como siempre advertimos, se trata de ránkings elaborados bajo nuestro humilde criterio personal que reflejan lo que más nos ha impactado, no pretendemos imponer nada, nuestra única intención es hacer balance e intercambiar opiniones con vosotros en los comentarios.

Esta vez Juanmez y yo nos hemos topado con un problema. No hemos seguido el mismo criterio para elegir las películas que entran en este año, ya que en el top del año pasado incluimos por ejemplo 'Black Swan', como si fuera del 2010, cuando a España no llegó hasta el 2011. Es por esto que Juanmez ha decidido volver a contar películas del año pasado, por su estreno en el 2011. Yo sin embargo, he partido del top del año pasado. Además, en lugar de publicar dos listas, vamos a poner dos películas por puesto, de forma que podáis leer y comparar nuestras opiniones al mismo tiempo. Bueno, ahí va:

10- Carlos: X-Men, primera generación (Matthew Vaughn, USA).
Juanmez: Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio (Steven Spielberg, USA)



En muchas páginas web o revistas de cine no la tienen en cuenta, pero es el mejor blockbuster del año, por delante de otros mucho más esperados como 'Super 8' o 'El origen del planeta de los simios' y de otras adaptaciones de Marvel como 'Thor' o 'El capitán América'. Tienen el gen de los X-men de toda la vida, contado a través de Xavier y Magneto cuando aún eran amigos. Sorprende el tratamiento del personaje de Magneto, su infancia traumática en los campos de concentración, y su posterior transformación como ser superior, algo un tanto irónico. Ojalá que estrenen segunda parte.


Más de uno temía porque el material original de Hergé no fuese respetado por el tándem Spielberg – Jackson, pero el resultado final resultó inmejorable.

9- Carlos: El árbol de la vida (Terrence Malick, USA)
Juanmez: Melancolía (Lars von Trier, Dinamarca)


Posiblemente la película más comentada por los cinéfilos del mundo entero. Tiene tantos seguidores como detractores, y pocos se sienten indiferentes ante esta visión sobre la vida y la especie humana que nos plantea Malick. Pese a quien le pese, es una película cuidada hasta el extremo, tanto en el aspecto estético como en el cinematográfico.



Dejando las polémicas declaraciones aparte, es de agradecer a Trier que nos haya regalado su angustiante, magnética e indescriptible visión de su Apocalipsis personal.



8- Carlos: La piel que habito (Pedro Almodóvar, España)
Juanmez: In a better world (Susanne Bier, Dinamarca)


No voy muy desencaminado si digo que es la película más arriesgada del director manchego. Una historia brutal, alejada de lo que se ve desde fuera, que paraliza al espectador y lo mantiene estático en la butaca. Lo mejor del cine patrio de este año.



Profundo y efectivo drama familiar que analiza un tema universal: la complejidad de las emociones humanas.

7- Carlos: El hombre de al lado (Mariano Cohn, Gastón Duprat, Argentina)
Juanmez: La piel que habito (Pedro Almodóvar, España)


Uno de los mejores personajes vistos en pantalla en este 2011 está aquí. Daniel Aráoz nos regala una interpretación memorable, en una película redonda en clave de comedia negra, que ahonda en conceptos tan complicados como la propiedad privada y la propia libertad.



Un Almodóvar en buena forma. Lo grotesco y lo bello se dan cita en este relato que no ha dejado indiferente a nadie que lo haya visto. Fascinantemente perturbadora…

6- Carlos: Carlos (sin chistes por favor) (Olivier Assayas, Francia)
Juanmez: Un dios salvaje (Roman Polanski, Francia)


La podemos ver como un maratón cinematográfico en formato miniserie, o más reducida en formato película. De cualquiera de las dos formas, un thriller genial basado en la figura del terrorista 'Carlos', donde viajamos desde París, a Oriente medio, pasando por media Europa y oyendo multitud de idiomas. Todo un gustazo.



Divertida sátira en la que cuatro adultos “aparentemente” maduros y civilizados terminan chillándose y pataleando absurdamente como si fueran auténticos bebés.

5- Carlos: Four lions (Christopher Morris, UK)
Juanmez: Pina (Win Wenders, Alemania)


El terrorismo islámico desde la perspectiva de cuatro idiotas ingleses que quieren hacer su propia yihad. Un argumento explosivo pero tan bien cuidado que no hiere la sensibilidad y nos ofrece hora y media de continuas risas.


Reproduzco de nuevo lo que ya dije en su día: “la exquisitez hecha danza”.

4- Carlos: The artist (Michel Hazanavicius, Francia)
Juanmez: Medianoche en París (Woody Allen, USA)


Seguramente habréis leído tanto de esta película, que para qué voy a escribir...El mayor homenaje realizado para el cine mudo, y el cine en general.



La aventura parisina de Woody Allen recupera la esencia de “La rosa púrpura del Cairo” convirtiéndose en una de las cintas más entrañables, redondas y mágicas del año.

3- Carlos: In a better world (Susanne Bier, Dinamarca)
Juanmez: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, 2ª Parte (David Yates, UK)



El último Oscar a mejor película extranjera analiza la condición humana a través de personajes contrapuestos. Un ensayo sobre la violencia, la educación y el sentido de la moral.


La clausura más esperada de los últimos tiempos en lo que a sagas cinematográficas se refiere no defraudó. Espectacular, intensa y conmovedora a partes iguales.

2- Carlos: Midnight in Paris (Woody Allen, USA)
Juanmez: Cisne negro (Darren Aronofsky, USA)


El genial Woody Allen se centra después de varios intentos (creo que desde el 2006, Scoop), para deleitarnos con esta película que se disfruta cuando se ve, y aún más cuando se recuerda. Un paseo por los años veinte, de la mano de algunos de los artistas más importantes.



¡Apoteósica! Un Aronofsky en estado puro materializa la obsesión y la paranoia en una bailarina de ballet.

1- Carlos: Incendies (Dennis Villeneuve, Canadá)
Juanmez: The artist (Michel Hazanavicius, Francia)


Confrontaciones históricas, luchas personales, y la búsqueda de la verdad, son algunos de los temas que la compleja 'Incendies' nos plantea. Con escenas directas que se graban en la memoria y el mejor final de película del año.

Preciosa e irresistible invitación al cine de antes, de ahora y de siempre. Sencillamente inolvidable…

En resumen, tenemos cinco americanas, dos danesas, una española (año flojo para el cine español), una argentina, tres francesas, dos inglesas, una alemana y una canadiense. Como siempre el cine americano se proclama ganador. Este año ha dado la casualidad de que las películas más importantes de cara a los Oscars no se han estrenado. El año pasado por estas fechas ya habíamos disfrutado de 'La red social', 'Origen' o 'El discurso del rey'. Aquí todavía nos queda por ver 'The descendants', 'Hugo, 'J.Edgar' o 'War horse'.

También me gustaría mencionar a los bodrios más grandes que hemos podido ver este año, como 'Los tres mosqueteros', 'Hannah', 'The troll hunter', 'Red' o 'Sucker punch'. Ahora os toca a vosotros.

viernes, 30 de diciembre de 2011

Drive (2011)

Por Carlos: ***1/2
A medio camino entre un 'Taxi driver' descafeinado y con menos chispa y el estilo desfasado y hortera de 'Corrupción en Miami', 'Drive' se confirma como uno de los productos más curiosos del año.
Ryan Gosling, uno de los mejores actores del momento, se enfunda la chupa de cuero para dar vida a un tipo que trabaja como especialista de películas por el día, pero que de vez en cuando hace trabajos sucios, llevando a ladrones lejos de la escena del crimen utilizando sus habilidades delante del volante. Gosling interpreta a ese prototipo americano que ya estamos bastante acostumbrados a ver. Tipo duro, con un pasado desconocido para el espectador pero seguro que difícil, y parco en palabras, tan comedido, que parece que va a reventar en cualquier momento. A su alrededor, 'Drive' nos sumerge entre luces de neón y música pop ochentera, jugando con el espectador, que se ensimisma con el envoltorio sin apreciar lo que realmente la película contiene, que es bastante poco.
Es de apreciar que la historia avanza de forma sutil y no es hasta los primeros cuarenta minutos donde se produce el giro argumental. Muy inteligentemente, el director, Nicolas Winding Refn, utiliza trucos para mantener la atención del espectador, y una bonita historia de amistad entre Gosling y su vecina, interpretada por Carey Mulligan, actriz que cada vez me parece más sosa. La fotografía, la música y los silencios, acomodan al espectador, debido a la falta casi en su totalidad de diálogos, o de diálogos al menos inteligentes. Los personajes principales parecen que están sumidos en su depresión y ensimismados en lo más profundo de su ser: no son capaces de decir tres palabras seguidas sin suspirar.
Adornando la escena, aparecen varios personajes que dan el contrapunto. Ron Perlman, Bryan Cranston y Albert Brooks son tres mafiosos que sin querer se cruzan en el camino de nuestro protagonista. Y como si de un Travis Bickle se tratara, éste utiliza su experiencia para quitarse de en medio a todo el que desestabilice su existencia, y la de sus seres queridos.
'Drive' es una película que gustará a muchos, tiene un ritmo muy bueno y escenas de acción eficaces en los momentos claves, unos actores sensacionales y una banda sonora al compás del guión. Pero no busquéis preguntas, simplemente sentaos en la sala y disfrutad con lo que veis.

Lo mejor: La ambientación, sumerge al espectador.

Lo peor: Salta a la memoria Taxi Driver (entre otras) durante toda la película.

miércoles, 28 de diciembre de 2011

El topo (2011)

Por Carlos: ***1/2

Es difícil ir a ver una película de espías sin tener ninguna idea preconcebida. La multitud de thrillers, películas de acción o dramas basados en el espionaje han conseguido que cada uno de nosotros ya sepamos lo que vamos a ver antes de entrar en la sala. Tomas Alfredson, el aclamado director de 'Déjame entrar', consigue, como los buenos directores, saltarse todo esto para ofrecernos una historia alejada de los tópicos del cine de espionaje, tanto en el sentido cinematográfico como en el narrativo. Es cierto que 'El topo' se basa en una novela de John Le Carré, autor también de alguna que otra adaptación al cine, como la genial 'El jardinero fiel', pero Alfredson dota al argumento de un sentido y de una narración alejada de la habitual, donde la historia, en lugar de ser simplemente lineal, o lineal con algunos flashbacks, es mostrada como un conjunto de varias historias que se van continuando a la vez que se presentan a los personajes, de forma que el espectador no sabe qué está viendo hasta que no llega la escena siguiente. De esta manera, a la historia lineal se le intercalan escenas del pasado de uno de los protagonistas, interpretado por Gary Oldman, en el que recae la mayor parte del peso narrativo; escenas que de alguna u otra manera desembocan en la historia central, como la de Tom Hardy, y otras que se van desarrollando para que el espectador no se pierda entre tanto nombre en clave e intrigas políticas.

El argumento nos traslada a Inglaterra durante los años de la guerra fría, una contienda a la sombra en la que los combatientes no eran soldados, sino políticos y agentes de los servicios de inteligencia. Gary Oldman es un agente retirado a la fuerza de la cabeza del servicio de inteligencia británico, capitaneado por John Hurt, Colin Firth, Toby Jones y Ciaran Hinds. El ministro de defensa inglés le encarga la tarea de utilizar todos los recursos necesario para desenmascarar a un supuesto topo ruso en la esfera del servicio de inteligencia británico, hecho conocido gracias al asesinato (primera escena de la película) de un espía inglés en Hungría. Oldman se reunirá con un viejo camarada y con un miembro del servicio de inteligencia para ir reconstruyendo a partir del asesinato y sus viejos recuerdos, todas las claves de un complejo puzzle.

La originalidad de la cinta estriba en que, al igual que los sucesos acaecidos durante la contienda, la acción es lenta, donde la importancia está en cada frase y en cada nueva pista. El personaje de Oldman, no trabaja en un cuarto lleno de papeles, tablones y tazas de café, sino en una pulcra habitación prácticamente desamueblada. Es en su interior donde se está produciendo la lucha para desentrañar la verdad. Alfredson utiliza una atmósfera asfixiante enmascarada en escenarios abiertos y pisos lujosos, recordando con ello a su anterior cinta, donde la sensación de frialdad se sentía en cada fotograma. El problema con esto estriba en su virtud. La falta de una verdadera acción, de una trama adictiva y de la dificultad de comprender la historia, no por ser complicada, sino por no ser mostrada abiertamente, puede provocar un sopor en el espectador que se traduce en puro aburrimiento. La película tiene el mismo todo durante absolutamente toda la proyección, lo que puede crear en algunos espectadores impaciencia, tanto por saber qué ocurre exactamente como por la tranquilidad con la que se producen las escenas.

Ayuda y mucho la gran calidad interpretativa de su excelente plantel. Este año estamos viendo que los premios a reparto los están ganado películas como 'Criadas y señoras' o 'The artist', pero en 'El topo' podemos ver un grupo actoral con una calidad interpretativa enorme. Oldman, que no sé si ha envejecido de golpe o si lleva kilos de maquillaje, está impresionante.

'El topo' prometía más de lo que ofrece, como alguna que otra película este año. Es buena, pero su lentitud y su complejidad puede alejar al espectador. De todas formas, es una buena cinta para acabar el año.

Lo mejor: El reparto.
Lo peor: Para algunos puede resultar demasiado lenta.

viernes, 23 de diciembre de 2011

¡El ciclo sin fin!

Con ocasión del reestreno de "El rey león", os dejo con su extraordinario y precioso "opening". De lo mejorcito en cine de animación, a mí me sigue emocionando como la primera vez que lo vi...

jueves, 22 de diciembre de 2011

Retrospectiva: La cena de los idiotas (1998)

Durante las fiestas navideñas apetecen mucho las comedias ligeras de enredo, de esas que uno puede acompañar con una copa de vino y algún que otro mazapán entre sorbo y sorbo. Así que, si no la habéis visto, os recomiendo encarecidamente que le echéis un ojo a “La cena de los idiotas” de Francis Veber, película francesa del año 1998 acertadísima para pasar una buena tarde de risas con la estufita (o mantita en su defecto).

La cinta versa sobre un grupo de amigos de elevada posición que comparten un hobby bastante cruel: organizar cenas con el fin de burlarse a costa de otros comensales que han sido invitados expresamente por ser considerados rematadamente idiotas, siempre bajo el punto de vista de los anfitriones lógicamente.

El prestigioso editor Pierre Brochant es uno de los organizadores del evento y concierta un encuentro con su víctima antes de la cena para conocerlo personalmente. El inocente en cuestión es François Pignon, un funcionario de Hacienda escogido únicamente porque su pasatiempo favorito consiste en fabricar maquetas de monumentos emblemáticos con cerillas, una extravagante afición de la que Brochant y sus amigos piensan pitorrearse en la cena sin reparos. El pobre Pignon no duda ni un segundo en acudir a la cita después de haber sido tentado (o mejor debería decir engañado) por Brochant con la posibilidad de publicar un libro ilustrado que recoja todas sus creaciones. Sin embargo, cuando el señor Pignon llega ilusionado a casa del señor Brochant se encuentra con que éste padece un ataque agudo de lumbalgia, un giro inesperado que le impedirá acudir a la cena.

A partir de aquí, Pignon tratará de ayudar a Brochant en todo lo posible, pero no hará más que causarle problemas en su apartamento; testigo forzoso de una serie de malentendidos (cada cual más disparatado y patético) que invitan a reflexionar sobre quién es realmente más idiota de los dos. Un guión eficaz que destaca por sus situaciones y personajes pintorescos (como la ninfómana amante de Brochant o el meticuloso colega de Pignon en Hacienda) es el incentivo primordial de esta jocosa bufonada, con el añadido de que su duración es de hora y media escasa, por lo que es muy difícil que se haga aburrida.

Siempre he pensado que para que una comedia funcione es imprescindible contar con la presencia de profesionales en la materia, pues hacer reír es una cualidad que no está al alcance de todos. Por suerte, el reparto de “La cena de los idiotas” está nutrido de intérpretes que conectan con la audiencia en un santiamén, destacando al sensacional Jacques Villeret (quien da vida al señor Pignon).

Por si fuera poco, se puede extraer una provechosa lección tras su visionado: antes de mofarse de los demás, debería ser obligatorio mirarse al espejo por las mañanas. Si al hacerlo detenidamente somos honestos con nosotros mismos, en ese instante reconoceríamos que somos tan idiotas (o más si cabe) como aquellos a los que infravaloramos por culpa de nuestros malditos prejuicios. ¡Qué fácil es criticar lo ajeno y qué complicado es aceptarse y aprender a reírse de uno mismo!

viernes, 16 de diciembre de 2011

The artist (2011)

Por Juanmez: *****

Resulta casi inconcebible a la par que grandioso que en una era de omnipresente 3D una película de las características de "The artist" pueda causar sensación a todo tipo de público. De forma imprevisible, esta pequeña joya francesa dirigida por un desconocido Michel Hazanavicious ha sido sin lugar a dudas una de las grandes sorpresas de la temporada, y considerando la cantidad de elogios que la cinta acumula hasta ahora, tiene todas las papeletas para colarse merecidamente en varias categorías de la, cada vez más cercana, edición de los Oscar.

Desde luego su argumento supone todo un reclamo para el espectador estadounidense, pues "The artist" nos traslada al Hollywood de comienzos del siglo XX para relatarnos los efectos provocados por la inexorable transición del cine mudo al sonoro desde dos puntos de vista diametralmente opuestos: por un lado, la caída en picado del rutilante actor Georges Valentin que se niega a adaptarse a los nuevos tiempos; y por el otro, el ascenso al estrellato de su ferviente admiradora Peppy Miller, una aspirante a actriz que aplica a rajatabla el lema "renovarse o morir".

Quizás la temática no destaque por ser muy novedosa, pues todos recordamos cintas emblemáticas que ya la abordaron a su manera como "El crepúsculo de los dioses" (imposible olvidar a Norma Desmond) o "Cantando bajo la lluvia"; sin embargo la originalidad de "The artist" radica en que ha sido minuciosamente filmada con la misma técnica de la época en la que se desarrolla la trama, es decir, muda y con fotografía en blanco y negro (aunque haya momentos sabiamente escogidos en los que el uso del sonido juega un papel fundamental para la evolución de la historia).

Bajo esta bella propuesta existe una triple intención: transmitir la estimulante sensación a los más nostálgicos de que están asistiendo enteramente a una sesión cinematográfica de antaño, acercar este tipo de cine ya olvidado a los más reticentes o desconocedores del mismo, y por encima de todo, homenajear al cine clásico en toda su extensión.

Pero además de una impoluta fotografía y de una maravillosa partitura, la química que desprenden juntos la pareja protagonista es extraordinaria. Hoy día pocos actores son capaces de llevarnos de la sonrisa a la lágrima usando únicamente el lenguaje corporal con tal facilidad como demuestran aquí Jean Dujardin y Bérénice Bejo.

En definitiva, nos encontramos ante una deliciosa oda audiovisual que tiene todo a su favor para convertirse en una obra inmortal equiparable a aquellas a las que rinde tributo.

Lo mejor: El entrañable perrito que acompaña a Dujardin, dan ganas de pegarle un achuchón todo el metraje.

Lo peor: Que su visionado se pase volando, por mí podría durar otra hora más.

jueves, 15 de diciembre de 2011

Conclusiones globos de oro 2012

Después de un par de meses con premios menores de sindicatos y de algunos organismos, por fin se dan a conocer las primeras nominaciones a premios gordos del panorama cinematográfico. Antes de empezar, me gustaría mencionar que a pesar de que a los Oscars se les tachen de cobardes, de no nominar (no digo premiar) a películas arriesgadas o internacionales (es decir, no americanas), los Globos de Oro son sin duda, bastante peores, y en esta edición podemos ver ejemplos para demostrarlo. Por supuesto, tenéis que ser benévolos conmigo, de las 10 películas nominadas solo he visto 2, así que hablo por lo que he oído, pero puedo resumir brevemente cómo va la carrera.

Lo primero que llama la atención, es la ausencia total tanto de 'The tree of life' como de 'Melancholia'. La primera, cinta cien por cien estadounidense, no ha recibido nominaciones ni a director, ni a película, ni a ninguno de sus intérpretes, por lo que se aleja un poco de seguir en la carrera. En el caso de 'Melancholia', se suma por supuesto el hecho de ser europea, pero podría haber caído la nominación a película extranjera o a sus dos actrices.

Kirsten Dunst ganó a mejor actriz en el festival de Cannes, al igual que Jean Dujardin, que sí está nominado por su papel en 'The artist'. Y me diréis, ¿y si son tan cobardes por qué premian a una película francesa?, pues porque el exotismo les gusta mucho a los americanos, y porque 'The artist' cuenta la historia del Hollywood dorado, además de arrasar casi en todas las ediciones de premios a las que va, por lo que el quedar fuera de cualquier competición es algo casi absurdo.

'The artist' se coloca favorita en los globos de oro, y casi en los Oscars, aunque probablemente el hecho de ser europea le restará enteros, pero algo le caerá. Del resto de películas nominadas, sin duda la que más llama la atención es 'Los idus de Marzo', película que Clooney llevó a Venecia, y que prácticamente ha pasado desapercibida desde entonces. Tanto Gosling como Clooney han sido reconocidos por sus papeles en 'Drive' y 'The descendants' respectivamente en casi todos los premios hasta el momento, pero nunca por 'Los idus...'. Éste es un buen ejemplo de lo que comenté al principio. Pero como no la he visto, me callo...

También sorprende la ausencia de J. Edgar. A Eastwood le están lloviendo bastantes palos por su biopic, y se aleja a pasos agigantados de los premios importantes. Tampoco ha obtenido su nominación a director. Eso sí, DiCaprio, omnipresente como mejor actor, como cada año. Y como siempre, se irá con las manos vacías.
'Moneyball', película que suena a 'The blind side' y un poco a 'The fighter', pisa fuerte tanto como mejor película, director, actor y actor secundario. Por ahí un conocido la ha visto, y no me parece que la película tenga una calidad tan sobresaliente. Superación personal, dramatismo, y todas esas chorradas que a los americanos les gusta tanto.
Una gran ausencia, por el bajo número de nominaciones, es el War horse de Spielberg. También es cierto que la película no parece ser gran cosa, aparte de grandiosa y todo eso, algo normal sabiendo el dineral que se ha gastado el director. Pero nada para sus actores, y nada para Spielberg, y siendo 'War horse' una película totalmente académica, puede ir despidiéndose de su tercer Oscar como director. Sin embargo, ocurre totalmente lo contrario con Scorsese. Si 'Hugo' empezó floja, como una película para niños, después de que algunos críticos norteamericanos la ensalcen como una obra maestra, no ha hecho sino mejorar la opinión de la cinta, y Scorsese se postula como uno de los favoritos como mejor director, y veremos a ver cómo se comporta 'Hugo' en las nominaciones que consiga a mejor película.

Tanto 'The descendants' como 'The help' son las típicas películas que vemos cada año cómo se atiborran de nominaciones para luego irse de vacío en casi todas. El año pasado lo vimos por ejemplo en 'Black Swan', donde exceptuando a Portman, siempre la nominaban a mejor película y director y creo recordar que casi nunca llegó a ganar. Algo parecido pasó con 'Up in the air', por ejemplo. Probablemente las actrices de 'The help, Octavia Spencer, Viola Davis y Jessica Chastain, puedan llegar bastante lejos, e incluso Davis puede ser la favorita tanto en los globos como en el resto de premios. Un caso curioso el de la Chastain, la Michael Fassbender femenina. Cinco papeles este año por los que está recibiendo nominaciones siempre, pero sin llegar nunca a ganar, tan sólo en dos ocasiones. Esto no hace sino empeorar su situación, ya que la diversidad divide sus opciones para ganar premios. Fassbender lo tiene algo más fácil, con Shame lleva tres premios (British Independent Film Awards, Los Angeles Film Critics Association y Houston Film Critics Society), además de la Copa Volpi, por lo que puede llegar lejos con este papel. Pero sus intervenciones en 'A dangerous method' y 'Jane Eyre' puede o bien beneficiarlo, si consigue nominaciones como actor principal y secundario, o perjudicarlo, igual que a Jessica Chastain.

El caso de Ryan Gosling es extraño. Lleva varias nominaciones en los últimos años, pero no consigue un papel verdaderamente bueno por el que lo puedan premiar. Este año, va a pasar lo mismo. No creo que gane ni por 'Drive', ni por 'Los idus de Marzo', ni por mucho menos el despropósito ese llamado 'Crazy, stupid, love', nominación tonta, vaya.
En actriz no hay ninguna sorpresa, están las cinco de siempre, y más empatadas que nunca. Empezamos la carrera poniendo a Streep la primera, pero poco a poco su nominación decae en beneficio de Davis y Swinton. Glenn Close probablemente se lleve más de un batacazo, y en cuanto a Rooney Mara...bueno, de la trilogía Millenium original lo mejor era Noomi Rapace, así que me molesta que se acuerden de ella antes que de la sueca. Pero lo que decía, es americana. Su nominación suena más a un empujón para su carrera que otra cosa. No va a ganar. En la categoría de comedia, me alegro por Foster y Winslet. Sin duda lo mejor de 'Un dios salvaje' son los intérpretes, y las dos se lo merecen. Yo cambiaría a Gordon Levitt por cualquiera de los otros dos de 'Un dios...', pero claro, tampoco sé como lo hace el primero. Michelle Williams, otra omnipresente cada año, tiene todas las papeletas para ganar aquí, pero no hay nada seguro.
En cuanto a secundarios, hablaré de uno que sí he visto. Decidme, ¿quién es Albert Brooks?. Porque después de ver que le nominaban en todos sitios lo tuve que buscar en google para ver qué papel hacía en 'Drive'. Por Dios, están haciendo el ridículo. Su papel no es para nada bueno, es regulero tirando a malo, así que lo dejen de nominar de una vez. Siempre me ha gustado Branagh, así que bien, pero en la carrera no está bien posicionado. El que va mejor sin duda es Plummer, por su papel en 'Beginners'.
El apartado a mejor guión en los globos de oro es muy parcial. Mezclan guión original y adaptado, por lo que de los cinco podemos sacar en claro 'Midnight' y 'The artist' para el de guión original, y 'Moneyball' para adaptado. Del resto, no estoy seguro de si seguirán en la pugna. Pero me encanta que nominen una y otra vez al maestro Allen. Espero que lo gane ABSOLUTAMENTE TODO, globo, Oscar, y todo lo que pueda, porque su trabajo en 'Midnight' es realmente bueno, desde todos los puntos de vista, y su nominación a película en los Oscar está asegurada. Eso sí, es Woody Allen, y probablemente al final, no le caiga casi nada.

Del resto de nominaciones paso, tan sólo me alegro por Almodóvar, y me río en la cara de los señores que eligieron a 'Pa negre' para representar a España en los Oscars en lugar del peliculón del manchego. Lo digo claro, hay que ser tonto. Por cierto, tengo unas ganas enormes de ver 'A separation'.
Bueno, opinad si os apetece.

In time (2011)

Por Juanmez: ***

Después de 6 años el director Andrew Niccol (autor de la irresistible “Gattaca” entre otras) vuelve a la carga con este thriller contextualizado en un futuro no muy lejano donde el tiempo ha reemplazado al dinero y se ha convertido en la única moneda de cambio. Además, en este mundo falsamente utópico ya nadie envejece, pues gracias a la ingeniería genética estamos programados para que al cumplir los 25 años dejemos de hacerlo, algo que por cierto da lugar a peligrosos equívocos a la hora de buscar con quien pasar la noche (uno no sabe si está ligando con alguien que en realidad le triplica la edad debido a su juvenil aspecto).

Pero naturalmente esto es una mera anécdota en comparación con la grave coyuntura que “In time” plantea: si se quiere vivir más años hay que ganar tiempo, o de lo contrario la vida llega a su fin. Mientras muchos trabajan en una especie de “ghetto” consiguiendo el tiempo suficiente para subsistir un día más, unos pocos privilegiados respiran despreocupados porque disponen de miles de años para disfrutar en una urbe exclusiva y aparentemente ideal.

Aunque este argumento está enmarcado en un futuro hipotético, rápidamente percibimos la clara denuncia que Niccol está haciendo al sistema vigente, casi idéntico al de la película con la diferencia de que es el dinero el causante de las acusadas diferencias sociales (para que un puñado de ricachones posea infinitos lujos, el resto se ve obligado a fastidiarse). Dispuestos a acabar con estas injusticias, aparecen en escena Justin Timberlake (un obrerete a quien parece haber poseído el espíritu de Robin Hood) y Amanda Seyfried (una niña pija y aburrida en busca de acción con reminiscencias de la forajida Bonnie Parker), ambos unidos por el propósito de subvertir este orden social establecido asaltando bancos para regalar tiempo a toda esa gente que vive desesperada y al límite.

Puede que la cinta no sea precisamente sutil, que escasee de diálogos intensos, que tenga algún que otro cliché y que diste de la elegancia con la que estaba narrada “Gattaca”; pero sin duda es de agradecer que Niccol no se ande con rodeos y sea directo en su mensaje, abordando una temática muy apropiada para la época de crisis económica global a la que estamos asistiendo y que estallará el día menos pensado. “In time” nos abofetea en la cara a modo de advertencia, pues lo que cuenta no es solo una simplona fantasía sin trasfondo, sino una lacerante visión de lo que podría llegar a suceder en un caso extremo.

Antes de finalizar esta reseña, me gustaría preguntaros: ¿en qué aprovecharíais el tiempo si sabéis que os quedan pocos minutos de vida? Un servidor francamente no tiene ni la menor idea…

Lo mejor: Su interesante premisa, que invita a la reflexión y que no pasará desapercibida.

Lo peor: Justin Timberlake es poco creíble haciendo de tipo duro a lo John McClane.

Nominados a la 69ª Edición de los Globos de Oro

Ya se conocen los nominados a los Globos de Oro que se entregarán el próximo mes de Enero de 2012, triunfo absoluto para "The artist", "Criadas y señoras" y George Clooney (quien está presente en la lista por dos trabajos diferentes: "The ides of march" y "The descendants"). Sin embargo, la mejor noticia ha sido que "La piel que habito" de Almodóvar está también nominada. La lista completa como siempre, a continuación:

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA
"The descendants"
"The help"
"Hugo"
"Moneyball"
"The ides of march"
"War horse"




MEJOR PELÍCULA COMEDIA/MUSICAL
"50/50"
"The artist"
"Bridesmaids"
"Midnight in Paris"
"My week with Marilyn"


MEJOR DIRECTOR
Woody Allen "Midnight in Paris"
George Clooney "The ides of march"
Michel Hazanavicius "The artist"
Alexander Payne "The descendants"
Martin Scorsese "Hugo"


MEJOR ACTOR DRAMÁTICO
George Clooney "The descendants"
Leonardo DiCaprio "J. Edgar"
Michael Fassbender "Shame"
Ryan Gosling "The ides of march"
Brad Pitt "Moneyball"


MEJOR ACTOR COMEDIA/MUSICAL
Jean Dujardin "The artist"
Joseph Gordon-Levitt "50/50"
Ryan Gosling "Crazy, stupid, love"
Owen Wilson "Midnight in Paris"
Brendan Gleeson "The guard"


MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA
Glenn Close "Albert Nobbs"
Viola Davis "The help"
Rooney Mara "The girl with the dragon tattoo"
Meryl Streep "The iron lady"
Tilda Swinton "We need to talk about Kevin"


MEJOR ACTRIZ COMEDIA/MUSICAL
Jodie Foster "Carnage"
Charlize Theron "Young adult"
Kristin Wiig "Bridesmaids"
Michelle Williams "My week with Marilyn"
Kate Winslet "Carnage"


MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Kenneth Branagh "My week with Marilyn"
Albert Brooks "Drive"
Jonah Hill "Moneyball"
Viggo Mortensen "A dangerous method"
Christopher Plummer "Beginners"


MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Bérénice Bejo "The artist"
Jessica Chastain "The help"
Janet McTeer "Albert Noobs"
Octavia Spencer "The help"
Shailene Woodley "The descendants"


MEJOR GUIÓN
Woody Allen "Midnight in Paris"
Nat Faxon, Alexander Payne y Jim Rash "The descendants"
Aaron Sorkin y Steven Zaillian "Moneyball"
Michel Hazanavicius "The artist"
George Clooney y Grant Heslov "The ides of march"


MEJOR BANDA SONORA
John Williams "War horse"
Ludovic Bource "The artist"
Howard Shore "Hugo"
Trent Reznor, Atticus Ross "The girl with the dragon tatoo"
Abel Korzeniowski "W.E."


MEJOR CANCIÓN
"Lay Your Head Down" (Albert Nobbs)
"The Living Proof" (The Help)
"Hello Hello" (Gnomeo & Juliet)
"Masterpiece" (W.E.)
"The Keeper" (Machine Gun Preacher)


MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
"Rango"
"The adventures of Tintin"
"Arthur Christmas"
"Puss in boots"
"Cars 2"


MEJOR PELÍCULA EN LENGUA EXTRANJERA
"A separation" (Irán)
"The flowers of war" (China)
"La piel que habito" (España)
"Le gamin au velo" (Bélgica)
"In the land of blood and honey" (EE.UU.)

miércoles, 14 de diciembre de 2011

Señoras y señores, tengo el placer de presentar a ¡¡Baby Jane Hudson!!

¡Qué marginada está Bette Davis en nuestro blog con lo enorme que es! Soberbia, temperamental, cautivadora, sensual, enigmática, apasionada, única e inimitable; así es Bette Davis... Os dejo con esta brillante secuencia de la película "¿Qué fue de Baby Jane?" (dirigida por Robert Aldrich) perteneciente a la recta final de su carrera. Como curiosidad, la diva de indescriptible mirada se negaba a quitarse el maquillaje después de cada día de rodaje con la intención de acumularlo para que su personaje se viera más tétrico a medida que iba perdiendo la cordura. Tal vez también lo hiciera para sacar aún más de quicio a su compañera de reparto Joan Crawford, por quien profesaba un absoluto desprecio más allá de los focos (como suele pasar en estos casos, dicho sentimiento era recíproco XD). 

lunes, 12 de diciembre de 2011

Top AFI 2011

Como cada año, el American Film Institute ha elaborado su particular lista con lo mejor del año. Obviamente, se centran sólo en series y cine norteamericano, así que no os sorprendáis si no veis películas europeas o de otros continentes. Eso sí, como mención especial, nombran a The artist y a la saga de Harry Potter.

miércoles, 7 de diciembre de 2011

Los Doce Magníficos

Es considerablemente difícil determinar quién es un héroe en el mundo del cine, mucho más que un antihéroe desde luego. Por definición, un héroe (o heroína) es alguien que lleva a cabo una hazaña de carácter extraordinario y es admirado por ello. Se trata de un concepto que se remonta a la mitología clásica, donde los héroes más célebres solían ser superiores al resto de los mortales y poseían numerosas virtudes. Lógicamente, el término se ha diversificado con el paso del tiempo, llegando incluso a considerar como un héroe al protagonista de una ópera, de un libro, de un cómic o de una película sin tener por qué ostentar atributos semidivinos forzosamente como pasaba a menudo en la Antigüedad.

Además de un modelo a seguir, un héroe cinematográfico puede ser también cualquier persona de a pie que tenga el suficiente coraje para luchar contra una injusticia, desafiar a la sociedad que le rodea en pos de la verdad o ser capaz de realizar actos que beneficien a los demás sacrificando sus propias necesidades.

A la hora de elaborar este personal ránking de héroes del celuloide, Carlos y yo hemos descartado a los más obvios, reservados algunos de ellos para la propina que siempre hacemos al final. Debo advertir que se han seleccionado aquellos que nos parecen más sugerentes bajo nuestro punto de vista. Evidentemente, cada cual tendrá su particular lista en su cabeza y habrá quien no esté de acuerdo con nuestro criterio; pero huelga decir a estas alturas que no pretendemos imponerlo. Como siempre digo: el libro de los gustos y las opiniones está en blanco...

12 – Ellen Ripley (Alien, Sigourney Weaver)



Si hay algo en lo que todos estaremos de acuerdo es que la teniente Ripley merece estar en el ránking porque hay que tener un par de ovarios como los de ella para enfrentarse a un ser tan mortífero como un Alien.

11 – Eliot Ness (Los intocables, Kevin Costner)



Un auténtico detective, tenaz y legal como nadie. El mejor para acabar con la corrupción y hacer cumplir la ley.

10 – Atticus Finch (Matar a un ruiseñor, Gregory Peck)



La superación de los prejuicios raciales hecha carne, Atticus Finch debería ser el referente de todo aquel que ejerza la abogacía.

9 – Marge Gunderson (Fargo, Frances McDormand)





Bajo esa apariencia de inocentona bobalicona se esconde una infatigable y sagaz agente de policía que no descansará hasta resolver el caso que tenga entre manos. ¡Incluso embarazada!

8 – V (V de Vendetta, Hugo Weaving)



El revolucionario enmascarado por excelencia. ¡Idóneo para derrocar cualquier gobierno fascista!

7 – Neo (Matrix, Keanu Reeves)



¡Es el elegido! Gracias a Neo la humanidad puede respirar tranquila varios milenios más.

6 – Erin Brockovich (Erin Brockovich, Julia Roberts)




Una avispada mujer que luchaba contra multinacionales. Gracias a sus exhaustivas investigaciones salvó la vida a incontables familias.


5- Oskar Schindler (La lista de Schindler, Liam Neeson)



El gran salvador de los judíos. En medio de la cruel segunda guerra mundial, un militar del ejército nazi recapacitó sobre la crueldad que estaban cometiendo.

4- Espartaco (Espartaco, Kirk Douglas)


Uno de los grandes líderes que hemos visto en pantalla. Dirigió a los esclavos contra el todopoderoso imperio romano en una revolución sin cuartel.

3- Frank Sérpico (Sérpico, Al Pacino).


La integridad al límite. Un policía que luchó contra todo el departamento de policía de Nueva York para que la ley imperara en una época donde los sobornos estaban a la orden del día.

2- Gandhi (Gandhi, Ben Kingsley)





Luchó contra el dominio británico por la libertad de su pueblo, hasta el último día de su vida. Qué más vamos a decir.

1- Tomás Moro (Un hombre para la eternidad, Paul Scofield)




Un ejemplo para todos nosotros. Fiel a su ética y a sus enseñanzas, nunca dudó el camino a seguir y permaneció impasible mientras su rey y sus compañeros le recriminaban su forma de pensar. Y por ello, es nuestro héroe de honor.



Éstos son nuestros 12 magníficos. En el cine, los héroes obedecen a causas concretas por las que luchan. Lógicamente, la cultura y la ética de cada uno de nosotros puede influir a la hora de apreciarlo, pero sin duda muchos de ellos permanecen en la memoria.
Aparte de los mencionados, tenemos héroes de todo tipo. Algunos son personajes célebres reales históricos, como Lawrence de Arabia (Peter O´toole), Juana de Arco (Maria Falconetti, La pasión de Juana de Arco), Leónidas (Gerard Butler, 300) o William Wallace(Braveheart, Mel Gibson). Otros luchan por la justicia y la verdad, como Henry Fonda en 12 hombres sin piedad, el coronel Dax (Kirk Douglas) en Senderos de Gloria o Ed Horman (Jack Lemmon) en Missing, y cierto parecido tienen éstos con otros que pelean por la libertad de expresión, en especial Larry Flint (Woody Harrelson) o los periodistas Woodward y Bernstein (Robert Redford y Dustin Hoffman) en Todos los hombres del presidente, o que luchan simplemente por sus derechos, como Karen Silkwood (Meryl Streep, Silkwood).
Obviamente, no podemos olvidar a los superhéroes, personas que gracias a sus poderes pueden salvar a la humanidad de las más grandes atrocidades. Los ejemplos más claros, Batman (Christian Bale, Michael Keaton), Superman (Christopher Reeve) y Spiderman (Tobey Maguire). También con otro tipo de poderes encontramos a Obi-Wan (Alec Guinness, Ewan McGregor) o al maestro Li Mu Bai (Chow Yun Fat) de Tigre y Dragón.

Los defensores de la ley también tienen su hueco. Una de las más llamativas es Clarice Starling (Jodie Foster), la intrépida policía de 'El silencio de los corderos' o Virgil Tibbs (Sidney Poitier), que en 'El calor de la noche' les daba una buena lección de ética a los sureños americanos. Menos correcto es John McLane (Bruce Willis), que junto con su camiseta de tirantes protagoniza las cuatro partes de 'Jungla de cristal' y a Jimmy 'Popeye' Doyle (Gene Hackman), el orondo policía de 'French Connection'. También de agentes secretos vive el cine, y por supuesto los más importanes son James Bond con cualquiera de sus rostros y Jason Bourne (Matt Damon), que se pasaba tres películas recuperando su memoria.

Y sin ningún tipo de clasificación, podemos terminar mencionando a Hawkeye (Daniel Day Lewis) en 'El último mohicano', la gran Scarlett O´Hara (Vivien Leigh) de 'Lo que el viento se llevó', Robin Hood (Errol Flyn) o al capitán John H. Miller (Tom Hanks) de 'Salvar al soldado Ryan'.

lunes, 5 de diciembre de 2011

Beginners (2011)

Por una cinéfila: ***1/2

Con un poco de retraso, una seguidora nuestra nos envía este artículo sobre 'Beginners', película estrenada el pasado verano y protagonizada por Ewan McGregor, Melanie Laurent y Christopher Plummer. Aquí va:
'Beginners' es un film intimista, con un transcurrir lento que en ocasiones puede resultar tedioso. Está lleno de silencios, silencios necesarios cuando se trata de hacer aflorar las emociones.
El protagonista de esta historia descubre que su padre, un hombre de edad avanzada, es gay; que ha esperado hasta la muerte de su madre para salir del armario; que ahora ha alcanzado la felicidad pues ha decidido asumir su homosexualidad y relacionarse con personas de su misma condición sexual y que incluso, se ha enamorado.
Pero la película comienza cuando el padre del protagonista ha muerto. Así pues, el film mezcla presente y pasado. Un presente encarnado en la vida de este personaje ( joven de clase media y con un buen trabajo ) que acaba de perder a su padre y que conoce a una joven algo enigmática y confusa en el terreno de las relaciones sentimentales, tal como lo está él. El pasado aparece continuamente en los recuerdos del protagonista. Escenas que nos transportan a su infancia donde aparecen sus padres; escenas que nos trasladan a los últimos meses de la vida de su padre dentro del circuito de amistades homosexuales que había desarrollado; escenas que nos remiten al hospital donde estaba internado éste tras habérsele detectado un cáncer, etc.
El film nos muestra, por un lado, a un personaje confuso ante la mentira que sus progenitores vivieron tantos años juntos .Un personaje con una inmensa capacidad de ternura reflejada en la atención que brinda a su padre en sus últimas semanas de vida. Por otro lado, estamos ante un personaje receloso ante el amor.
Hay que mencionar la puesta en escena maximalista de la película, acorde con el ritmo de la misma. Imágenes muy asépticas, mucha luz natural y amplios espacios.Los actores cumplen muy bien con sus papeles, destacando como siempre la calidad interpretativa de Ewan McGregor, totalmente mimetizado en su personajes, y por supuesto a Christopher Plummer, en el que sin duda es uno de los papeles más arriesgados de su carrera.

Lo mejor: La calidad actoral y la originalidad de la puesta en escena.

Lo peor: Un argumento que puede resultar algo tedioso.

The conspirator (2011)


Por Carlos:***

Ahora que Steven Spielberg se ha puesto las pilas con su biopic sobre Lincoln, Robert Redford, uno de los personajes más comprometidos con la política de su país, recoge documentos y testimonios para narrarnos los juicios que acontecieron tras el asesinato del presidente más famoso de Estados Unidos. Al igual que en 'Leones por corderos', donde Redford planteba la legitimidad y el patriotismo de la guerra de Irak y de los jóvenes que se fueron, de nuevo vuelve a incomodar al espectador en esta historia donde los buenos, los norteños que abolieron la esclavitud, son los malos, y los malos, esos sureños que luchaban contra los derechos humanos, parecen que no lo eran tanto.

James McAvoy interpreta a un abogado héroe de guerra al que le encomiendan la defensa de una mujer (Robin Wright) que alojaba y preparaba juntos con otros sureños el asesinato de Lincoln. En un país donde la guerra había devastado familias causando tanto dolor, el rápido encarcelamiento y la posterior condena a la horca eran dos factores que necesitaban urgentemente para aliviar el dolor que sentían por la muerte de su presidente, ése que luchaba por su constitución. Pero haciendo oídos sordos a su conciencia y al motivo de la confrontación, el juicio a éstas personas no fue tan democrático y constitucional como debiera.

Redford acostumbra en sus películas a dramatizar en exceso la historia y hacer partícipe al espectador de uno de los bandos, sin estudiar el conjunto. Así, el espectador tan sólo conoce el punto de vista del abogado y los sureños pero no llega a profundizar en los norteños. Las dos o tres escenas de McAvoy con el secretario de estado le bastan para definir la mentalidad de millones de personas. Apuesto cualquier cosa a que más de uno estaba de acuerdo con que éstas personas recibieran un juicio justo. Desde el punto de vista técnico, Redford abusa en exceso de las luces. Cada habitación está llena de luz, que entran por la ventana como si apuntaran mil focos. La explicación de este detalle la desconozco totalmente, pero llega a aburrir al espectador.

En cuanto a los actores, McAvoy se lleva la mejor puntuación por su sólida interpretación. Wright está demasiado plana, no muestra una amplia gama de registros y a Kevin Kline no lo reconocí hasta que vi los créditos del final. Evan Rachel Wood tampoco cambia de cara y Tom Wilkinson y Danny Huston se convierten en los mejores acompañantes de McAvoy.

A 'La conspiración' le ocurre algo parecido con 'Un método peligroso', se queda en la superficie y no profundiza, pero la historia es interesante y la ambientación también suma puntos. Nunca pensé que los juicios militares se celebraran de esa forma. La película es un entretenimiento digno y con calidad, pero fácilmente olvidable.

Lo mejor: Los primeros minutos en el teatro.

Lo peor: Un empalagamiento visual desmesurado y un guión poco convincente.

domingo, 4 de diciembre de 2011

Escena: Napoleón y Lafallette

Ya sabéis que tanto a Juanmez como a mí nos gusta colgar de vez en cuando escenas de películas que nos gustan, y que normalmente son películas con actores de carne y hueso. Sin embargo, en el cine de animación podemos encontrar diálogos y escenas que son auténticas joyas. Este ejemplo, de la película 'Los aristogatos', es una de ellas:

Ganadores de los Premios del Cine Europeo


"Melancolía" de Lars von Trier ha arrasado en la 24º edición de los Premios del Cine Europeo obteniendo tres galardones, entre ellos el de Mejor Película (desbancando así a la otra favorita, "The artist"). Seguramente una noticia nefasta para los detractores del controvertido director, pero bastante grata para mí, pues pienso que lo merecía igual que cualquiera de las nominadas. Nuestro cine también ha sido reconocido: "Chico y Rita" se ha alzado con el premio a Mejor cinta de animación. ¡Felicidades! La lista completa de ganadores ha sido:

Mejor película: "Melancolía" de Lars von Trier

Mejor dirección: Susanne Bier por "En un mundo mejor"

Mejor actriz europea: Tilda Swinton en "We need to talk about Kevin"

Mejor actor europeo: Colin Firth en "El discurso del Rey"

Mejor guión europeo:  Jean-Pierre y Luc Dardenne, por "El niño de la bicicleta"

Mejor documental europeo: "Pina", de Wim Wenders

Mejor fotografía: Manuel Alberto Claro, por "Melancolía"


Mejor montaje:  Tariq Anwar, por "El Discurso del Rey"

Mejor diseño de producción:  Jette lehmann, por "Melancolía"


Mejor música:  Ludovic Bource, por "The Artist"

Mejor película de animación:  "Chico y Rita", de Fernando Trueba, Tono Errando y Javier Mariscal (España)

Premio revelación 2011:  "Adem" (Oxygen"), de Hans Van Nuffel

Mejor corto:  "The Wholly Family", de Terry Gilliam (Italia)

Premio del público: "El discurso del Rey", de Tom Hopper (Reino Unido) 


Premio honorífico: Stephen Frears (a la trayectoria) y Mads Mikkelsen (aporte europeo al cine mundial)   

viernes, 2 de diciembre de 2011

Un método peligroso (2011)

Por Carlos: ***1/2
Por Juanmez: ***

'Un método peligroso' peca de vender una cosa y ofrecer otra. Los que esperábamos un intenso ensayo sobre dos grandes personalidades como Freud y Jung, nos debemos sentir decepcionados. Porque Cronenberg, probablemente uno de los directores que han cambiado de forma más drástica su cine, lo que nos cuenta es la tormentosa y turbadora relación que Carl Jung mantuvo con una de sus pacientes, Sabine, y que le hizo replantearse algunas bases sobre su teoría sobre la psique humana.

Es este tratamiento del guión el punto flaco de la película. Se trata el tema amoroso, tocando fugazmente algunos conceptos psicológicos, adornados de vez en cuando con alguna interesante disertación entre Freud y Jung, realmete las mejores escenas de la película, pero sin ahondar con profundidad en ningún tema en concreto. Todo se menciona por encima y lo único que importa es el personaje de Sabine (Keira Knightley) y su evolución a lo largo de la película. El personaje de Jung es el eje central a través del cual gira la historia. Jung es un tipo metódico y compasivo, muy sensato, pese a cometer alguna equivocación fruto de sus propias contradicciones. A Freud por el contrario, nos lo representa como un tipo más duro y frío, que no acepta opiniones ajenas y que intenta llevar la conversación siembre a su bando.

Michael Fassbender interpreta a Jung y Viggo Mortensen, en su tercera colaboración con Cronenberg, se encarga de dar vida a Freud. Sus interpretaciones son admirables, como siempre. De Fassbender no puedo decir nada más en este blog. Su Jung, contenido pero lleno de matices es insuperable, y Mortensen está camaleónico como Freud. Si le hubieran dado más peso, la película podría haber subido escaños. En cuanto a Keira, sin duda la escogieron por su físico. Delgada en extremo y con esa mandíbula desencajada, está realmente repulsiva, como debió ser Sabine.

'Un método peligroso' es una buena película, pero después de 'Una historia de violencia' y 'Promesas del este', películas arriesgadas y complejas, que denotaban una madurez considerable en David Cronenberg, esperaba quizás una película total que superara a éstas dos. Sin embargo, Cronenberg araña la superficie y no se arriesga. Quizás la película, de una hora y media de duración, no permitiera un argumento más consistente. Pero con este planteamiento realmente no se necesita más.

Lo mejor: Mortensen y Fassbender, que están enormes.

Lo peor: Acostumbrado al cine directo y sin tapujos de Cronenberg, parece que prefiere mostrar el morbo antes que ahondar verdaderamente en el argumento. Una decepción.

Carlos.

---------------------------------------------------------

Si tuviera que destacar algo del último trabajo de Cronenberg, por supuesto sería el enfoque con el que ha mostrado la relación triangular entre Freud, Jung y Spielrein: abrumador y directo a partes iguales. Pocas películas ponen todas las cartas sobre la mesa como lo hace "Un método peligroso", y es de agradecer tal sinceridad para un espectador interesado en el asunto, porque así puede recrearse gustosamente en un mar de disertaciones y de apasionantes charlas que versan sobre todo tipo de temas sin tabú alguno: maltrato infantil, masoquismo, amor, sexo, traumas, etc. Conceptos que aún hoy día nos cuesta comprender o asimilar a muchos ya fueron debatidos por estas tres renombradas figuras a comienzos del siglo pasado abiertamente.

A medida que el metraje avanza, se van percibiendo veladamente las dos posturas ideológicas irreconciliables de sus protagonistas. Es muy interesante analizar la interacción entre Freud y Jung, quienes terminan revelándose como dos personas contradictorias y esclavas de sus inamovibles pensamientos. Como se muestra en el film, la presencia de Spielrein fue el catalizador indiscutible de este “ménage à trois” intelectual, llegando a desempeñar una misión crucial en el desarrollo de sus respectivas teorías (enriqueciéndolas incluso).

Asimismo, sus interpretaciones son muy convincentes: Mortensen como Freud es creíble, Fassbender como Jung está impecable, y en cuanto a Knightley, no me extrañaría que recibiera una nominación al Oscar porque su papel es el más complicado y agradecido (aunque sin ánimo de ser cruel, sigo pensando que su escuálida figura y su mandíbula protuberante le han procurado ventaja a la hora de escenificar las convulsiones que sufre su histérico personaje). En relación con la banda sonora de Howard Shore y la dirección artística no tengo queja, pues ensalzan el conjunto acertadamente.

Hasta aquí todo estupendo, pero como bien ha dicho mi compañero Carlos, lo que prometía ser una cinta ambiciosa, desgraciadamente se ha quedado en una sombra de lo que pudo haber sido, porque la trama es demasiado floja y para colmo se hace dispersa debido a su abuso de la elipsis temporal. En mi opinión, a Cronenberg se le puede exigir mucho más como realizador, pues la historia tenía jugo de sobra y se queda en lo anecdótico. En resumen, en este agridulce debate dialéctico sobre psicología no hay cabida para lo memorable. Otra vez será...

Lo mejor: Su visionado estimula el interés por saber más sobre los personajes y el tema que tratan.

Lo peor: La incomprensible elección de Keira Knightley para representar las escenas sexuales, pues su cuerpo desnutrido da más grima que morbo.

Juanmez.

Jane Eyre (2011)

Por Carlos: ****

Siempre he sido un fanático de los dramas de época. Las amistades peligrosas, Barry Lyndon, Cyrano de Bergerac, Orgullo y prejuicio, Gangs of New York (apurando un poco) o El Gatopardo, son algunas de mis películas favoritas. El tema de las clases sociales en distintos ambientes, los problemas internos y la moral de las épocas siempre me han parecido que son unos buenos aditivos en una película.
Jane Eyre es otra muestra del género del drama de época. Y como algunas que he mencionado, no baja el listón de calidad. Adaptación del clásico de Charlotte Brontë, y revisado en múltiples ocasiones, esta vez el director Cary Fukunaga vuelve a replantearnos la historia.
En Jane Eyre tenemos los típicos personajes. La protagonista (Mia Wasikowska), de cuna noble pero desdichada por culpa de su familia y una severa educación y el galán (Michael Fassbender), duro y represivo, acompañados de buenos secundarios, especialmente el personaje interpretado por Jamie Bell y la siempre correcta Judi Dench.
El director acompaña a la historia con una fotografía repleta de paisajes grises, a tono con la protagonista y el desarrollo de la historia, que comienza a la mitad de la historia, y mediante flashbacks nos cuenta la vida pasada de Jane, su infancia y su trabajo como institutriz. Mia Wasikowska, a la que vimos en 'Alicia en el país de las maravillas' o 'The kids are all right', aguanta toda la película, ofreciéndonos una interpretación muy sólida. Michael Fassbender, al que ya mencionamos hace poco en el blog, dedicándole una entrada, se está convirtiendo en el gran actor del momento, y casi de los últimos años, si sigue interpretando con tantos matices y de forma tan convincente como aquí.

Jane Eyre es una muy buena película, con una gran atmósfera y una puesta en escena perfeccionista. No perderéis el tiempo ni el dinero si vais al cine a echarle un ojo.


miércoles, 30 de noviembre de 2011

Nominados a los Independent Spirit Awards 2012

El día 25 de Febrero se entregarán en Los Ángeles los premios del cine independiente. "Take Shelter" y "The Artist" encabezan la lista en número de categorías. Los nominados son:

MEJOR PELÍCULA                              
50/50
Beginners
Drive
Take Shelter
The artist
The descendants


MEJOR DIRECTOR
Michel Hazanivicius por The Artist
Mike Mills por Beginners
Jeff Nichols por Take Shelter
Alexander Payne por The Descendants
Nicolas Winding Refn por Drive


MEJOR GUIÓN
Joseph Cedr por Footnote
Michel Hazanivicius por The Artist
Tom McCarthy por Win Win
Mike Mills por Beginners
Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash por The Descendants


MEJOR ÓPERA PRIMA
Another Earth
In the family
Margin Call
Martha Marcy May Marlene
Natural Selection


MEJOR PRIMER GUIÓN
Mike Cahill y Britt Marling por Another Earth
J.C. Chandor por Margin Call
Patrick DeWitt por Terri
Phil Johnston por Cedar Rapids
Will Reiser por 50/50


MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL
Lauren Ambrose por Think of Me
Rachael Harris por Natural Selection
Adepero Oduye por Pariah
Elizabeth Olsen por Martha Marcy May Marlene
Michelle Williams por My Week with Marilyn


MEJOR ACTOR PRINCIPAL
Demián Bichir por A Better Life
Jean Dujardin por The Artist
Ryan Gosling por Drive
Woody Harrelson por Rampart
Michael Shannon por Take Shelter


MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Jessica Chastain por Take Shelter
Anjelica Huston por 50/50
Janet McTeer por Albert Nobbs
Harmony Santana por Gun Hill Road
Shailene Woodley por The Descendants


MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Albert Brooks por Drive
John Hawkes por Martha Marcy May Marlene
Christopher Plummer por Beginners
John C. Reilly por Cedar Rapids
Corey Stoll por- Midnight in Paris


MEJOR FOTOGRAFÍA
Joel Hodge por Bellflower
Benjamin Kasulke por The Off Hours
Darius Khondji por Midnight in Paris
Guillaume Schiffman por The Artist
Jeffrey Waldron por The Dynamiter


MEJOR DOCUMENTAL
An African Election
Bill Cunningham New York
The interrupters
The redemption of general Butt Naked
We were here


MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Nader y Simin, una separación (Iran)
Melancholia (Denmark, Sweded, France, Germany)
Shame (UK)
El niño de la bicicleta (Belgium, France, Italy)
Tyrannosaur (UK)


viernes, 25 de noviembre de 2011

Life in a Day

Este documental se presentó en Sundance hace ya más de un año. Se trata de un proyecto que encabezó Ridley Scott donde pedía a personas de todo el mundo que mandaran vídeos con escenas de su vida diaria. El director Kevin McDonald, se encargó de dar forma a la película. Disfrutadla:

jueves, 24 de noviembre de 2011

Retrospectiva: Las amistades peligrosas (1988)

Nuestra querida amiga Marina Hidalgo vuelve a obsequiarnos sin ánimo de lucro ni afán de popularidad, con un nuevo artículo. Esta vez se trata de la retrospectiva de 'Las amistades peligrosas', obra maestra de Stephen Frears. Que la disfrutéis.

Por Marina Hidalgo Jaén:

Como si de la bruja de Blancanieves se tratara, la película comienza con el rostro de Glenn Close (Marquesa de Merteuil) reflejado en un espejo. Parece que se quiere bastante a sí misma, y que ambas personalidades se miran con complicidad: el rostro verdadero, y el rostro del disimulo. Sólo basta esa breve escena para comprender qué papel va a desempeñar la famosa actriz.

Las amistades peligrosas se sitúa en el siglo XVIII y es considerada paradigma de este siglo por muchos historiadores. Es una obra completamente destructiva, donde los juegos de seducción que se dan, se convierten en un callejón sin salida para los principales personajes de la historia.

El contexto del siglo XVIII es evidente en muchos aspectos como el ambiente de la elite aristócrata y sus formas de vida, sus grandiosos edificios, una moda extremadamente compleja y otros aspectos que más adelante se van a exponer.

La comprensión de la aristocracia en la película resulta fundamental. Se trata de una elite que no trabaja y a la que se lo hacen todo nada más despertarse por la mañana, llevándose hasta el extremo de que ni ellos mismos se visten solos. Sus miembros viven ajenos a cualquier otra realidad, solo les importa lo que les rodea. Un ejemplo de ello se puede explicar cuando John Malkovich (Vizconde de Valmont) “salva” por beneficio propio a una familia de la ruina. Este personaje desconoce que hay miles de personas en dicha situación, e incluso podemos escuchar su cínica frase “56 libras por salvar a una familia entera de la ruina me parece una auténtica ganga”.

En este contexto podemos apreciar una nueva concepción del amor. Existen numerosos amantes y engaños y el sexo cobra una gran importancia. Hay un gran tratamiento de libertad sexual en la película que hasta llega al punto de hacer pensar a John Malkovich en el prestigio que le puede dar el seducir a una mujer con una férrea moral. Se trata de una historia con gran carga erótica.
Esta película es una adaptación de la novela que lleva el mismo nombre de Pierre Choderlos de Laclos. En la introducción, el autor seña de manera irónica que es imposible que los personajes de la novela hayan vivido “en ese siglo de la filosofía, en el que las luces extendidas por todas partes han hecho, como es sabido, a todos los hombres tan honestos y a todas las mujeres tan modestas y reservadas”. El placer es el fin único, tanto a nivel sexual como de ocio. La corte queda relegada a los chismes y cuchicheos y además a la manipulación de otras vidas. Todo esto llega incluso al maquiavelismo por parte de los titiriteros el Vizconde de Valmont y la Marquesa de Merteuil, donde a medida que transcurre la trama se va apreciando la inminente decadencia de la aristocracia de cara a la Revolución Francesa. Ésta, malgasta su vida y su máxima preocupación es la apariencia, el disimulo: “créate una buena imagen y podrás hacer lo que quieras”.

Por otro lado, se aprecia una cierta mezcla de sociedades. Por ejemplo el profesor de arpa y músico Keanu Reeves (el caballero Danceny) y su relación con Uma Thurman (Cécile de Volanges). Es curiosa la diferencia entre el Vizconde de Valmont y el caballero Danceny, pues comparando éste último con el Vizconde, aparece ridiculizado e incluso patético por su inocencia y honradez. Además, el duelo final entre ambos tampoco posee una grandeza dentro de la película, pues en este siglo se van perdiendo esos duelos tan característicos del siglo XVII. La mujer cobra un papel protagonista en este siglo y por tanto en la obra también se puede ver reflejado. En este siglo se produce una revalorización de la mujer y ello se manifiesta en el personaje de la Marquesa de Merteuil, pues se presenta como un personaje inteligente y astuto, aunque finalmente llegue a un final trágico. De hecho, en un determinado momento llega a decir “me limité a escuchar y a aprender a disimular […] busco el conocimiento”.

La Marquesa de Merteuil en la propia película define en breves palabras lo esencial de la trama de la película: la coexistencia de la vanidad y de la felicidad. Al final de la película, ella misma se da cuenta de que ambos son totalmente opuestos y que por tanto no pueden ser compatibles.

En la historia se dan una serie de confusiones, enfrentamientos morales y amorosos que llevan a los personajes a una situación de desconcierto y a veces de sometimiento. Ello se ve reflejado por ejemplo en el personaje de Michelle Pfeiffer (Madame de Tourvel), una mujer con una férrea creencia católica que se ve corrompida por el carácter libertino y despreocupado del Vizconde. Madame de Tourvel resulta crucial para comprender la situación de la Iglesia en aquella época. Ésta cada vez se vuelve más débil en estos momentos, se produce una descristianización donde la sociedad se vuelve más laica y en general lo religioso pierde importancia. Se abandonan las prácticas religiosas y se pierde el miedo a las prohibiciones morales, de ahí a la búsqueda del placer y la importancia del sexo sin más preocupaciones. Por tanto, nos encontramos con una mujer aferrada la religión en contraposición de la corrupción, el dinero y la manipulación, lo que hace que la obra resulte una transgresión a la moral religiosa.
La escena final donde aparece ella en la ópera y todo el público comienza a abuchearla es de lo más inquietante. En ese momento toda la imagen que ella se había creado se derrumba, aunque aun así se retira intentando no perder la compostura. Por ello poco después aparece ella de nuevo delante de un espejo, pero de manera totalmente distinta: aparece quitándose todos sus complementos, llorando y desmaquillándose, lo que resulta una metáfora del derrumbamiento de su apariencia creada.

En conclusión, la obra posee un fuerte final moral donde cada uno queda situado en el lugar que le corresponde, siendo así castigados los personajes que han provocado esta cadena de infortunios. No hay dudas de que pueden tener merecido todo el castigo que finalmente tienen, pero la historia no es más que el reflejo del condicionamiento que se posee incluso en la actualidad de nacer en un determinado rango social entre otros factores, por lo que quizás todos estos comportamientos pueden ser justificados en cuanto a que “no pueden evitarlo” como dice el Vizconde.