domingo, 31 de octubre de 2010

Esto es Halloween!!!

Aprovechando que es Halloween, me apetece recordar con vosotros la secuencia más conocida y memorable de la película de Burton "Pesadilla antes de Navidad" ¿Quién no ha cantado esta canción alguna vez? ¡¡Esperamos que lo paseis muy bien esta Noche de Brujas!!

sábado, 30 de octubre de 2010

Llora DiCaprio, llora como tú mejor sabes!!! XD

He encontrado en la Red esta curiosa imagen que recoge por medio de viñetas algunos de los espléndidos momentos en los que DiCaprio ha aparecido gimoteando en una película y me apetecía subirla al blog no como algo chistoso realmente, sino más bien como un homenaje...Un rotundo homenaje a uno de los actores con más talento de su generación (y de verdad, el que no lo vea así que se gradue la vista XD) que ha sabido dignamente quitarse el lastre de ídolo guapetón de quinceañeras con el paso del tiempo y ha demostrado su valía a base de buenos papeles. Gracias Leonardo por todos estos personajes, y por los que te quedan por interpretar en tu larga carrera...


domingo, 24 de octubre de 2010

Retrospectiva: León (El profesional) (1994)

Como ocurre con tantas otras, León (El profesional) es admirada por muchos y odiada por otros (quizás sean éstos últimos la mayoría). Obviamente, yo soy de los primeros, de lo contrario no estaría escribiendo esta retrospectiva para recordar una de las películas más originales y con mejor factura de los 90. La primera vez que vi León, me sobrecogió. La película me fue atrapando poco a poco, con una Natalie Portman que enamora pese a sus 12 años, y ese Jean Reno que pese a ser lo que es (un frío y calculador asesino a sueldo) simpatiza con el espectador. Esta es una película con dobles morales y significados. Su valor está más allá de la mera historia.

León (Jean Reno) es un inmigrante italiano analfabeto que al llegar a New York, tiene algunos problemas que le hacen trabajar para el Viejo Tony (Danny Aiello), una especia de capo que le da trabajos esporádicos de ‘limpieza’, es decir, de asesinar a una o a varias personas que estén dando problemas, siempre en el terreno de la mafia. Además, León tiene de vecina a una niña pequeña un poco problemática: fuma, dice tacos y no va al colegio. Además en su casa reina la indisciplina: su madre no la comprende, su hermana sólo piensa en hacer aeróbic para estar en forma y su padre trafica con drogas. Pero Matilda (Natalie Portman) quiere con locura a su hermano pequeño, es el único que la abraza cuando sus padres le riñen, y el único que la comprende y se siente bien con ella. Un día, unos matones le piden algunas explicaciones al padre de Matilda sobre un asunto de drogas. Mientras Matilda va a comprar al supermercado (curiosamente León le pidió dos cajas de leche), estos matones que resultan ser de la D.E.A (la poli neoyorquina) acribillan a balazos a la familia de Matilda. Ésta, al ver a su familia muerta y para pasar desapercibida, llama al piso de León, que tras pensárselo muchas veces la deja pasar, salvándole la vida. Matilda jura venganza para los asesinos de su hermano, y hará un pacto con León: le enseñará a leer si éste le enseña a ser una profesional como él.

Os podéis imaginar que el principal atractivo de la película radica en la relación entre León y Matilda. Pero observando la forma de ser de León y la oposición que presenta respecto a la de Matilda, este atractivo adquiere un matiz más interesante. León es un tipo serio, frío, que duerme sentado y con gafas de sol, metódico, bebe leche a todas horas y su mejor amiga es una planta a la que pone al sol todas las mañanas y riega y limpia todas las tardes. Al aparecer Matilda en su vida obviamente su orden y monotonía se derrumban, acosadas por la fuerza e ímpetu de la pequeña. Mucho se ha hablado de esta relación. Realmente al finalizar la película no quedan del todo claro los sentimientos que albergan, porque Matilda quiere a León, pero ¿y éste?. Obviamente siente un aprecio por la pequeña, cada vez mayor, pero no se llega a ver ni un atisbo de amor por su parte. Se recortaron escenas del metraje original debido a su carácter sexual, que no dejaron en el montaje final debido a exigencias de los productores, así que seguramente de esta relación se podría hablar mucho más. León poco a poco evoluciona. Habla, se relaciona, ríe, bromea…cosas que parece que antes era impensables que salieran de él. El espectador va por lo tanto, haciéndose amigo de este curioso personaje y de su más que curiosa compañera.

Jean Reno interpreta aquí sin duda alguna el papel de su vida. El veterano actor francés (de origen español para el que no lo sepa) nació para interpretar a León. Probablemente nadie podría haberlo hecho mejor que él. Dentro de la frialdad del personaje, Reno tiene una amplia gama de registros. La cara es el espejo del alma y la de León la refleja muy bien. Si habéis visto la película, recordar su conversación con Tony cuando le pide el rifle francotirador, o la cara que ponía antes de abrir a Matilda la puerta la primera vez que entró en su casa, o los movimientos en la escena en la que utiliza a un policía de escudo y sabréis perfectamente a qué me refiero. Reno proporciona al personaje un carisma innegable. Es un asesino, al que llegamos a querer.
Mención aparte para Natalie Portman, en su primera gran película. No iría muy desencaminado que realiza quizás la mejor interpretación de un actor tan pequeño en una película. Su interpretación es perfecta: llora, sufre, ríe…todo sale espontáneo y natural, como es ella misma. Incluso canta. Su Matilda es una chica escuálida y desvalida que le da la vuelta a todo, incluso al propio León. Su meteórica carrera se puede justificar viendo su interpretación aquí.
En cuanto a Gary Oldman, quizás sea el punto flojo de la película. Para mi gusto es demasiado caricaturesco, demasiado exagerado. Debería haberse cortado un poco y ser igual de cabrón, pero poniendo caras normales. Parece que Besson le dio carta blanca para que hiciese lo que le diera la gana.

En cuanto a Luc Besson, director francés cuya película ‘Taxi’ le dio a conocer a nivel mundial, debería dar clases a algunos directores americanitos sobre cómo se hace una buena película de acción. Porque aquí los malos no son malos, y los buenos no son buenos ¿o quizás sí?. El guión (también de Besson) no es nada del otro mundo, pero gracias a su buen pulso, a mostrar Nueva York de una forma tan acertada y cercana, a no exagerar demasiado ninguna escena y principalmente a sus dos actores que saben interpretar a sus personajes y defender sus diálogos de maravilla, sus fallitos pasan desapercibidos. No los enumeraré, porque al lado de las virtudes de esta película son despreciables.

Por el simple hecho de contar una historia tan atípica, donde chocan la infancia contra la madurez, la inocencia y la rigurosidad, y mostrándonos los secretos más íntimos de estas dos personas, merece la pena el visionado de esta película. Porque va mucho más allá de su primer visionado, va sobre la amistad y el amor, y sobre la necesidad de estas dos cualidades en todas las personas.


Rabia (2010)


Acabo de ver el film ganador del Festival de Málaga en 2010 dirigido por el ecuatoriano Sebastián Cordero, quien expone una visión muy sesgada y personal de la inmigración latinoamericana en España. Sinceramente la cinta me tiene desconcertado porque no sé muy bien si trata simplemente de contar una historia en la que la inmigración sirve tan solo de telón de fondo sin importancia; o si aprovecha este elemento para hacer una velada denuncia social. Me decanto más por la segunda opción. ¿Por qué? Pues porque pienso que al escoger a una pareja inmigrante como la protagonista del film, da la sensación de que se pretende transmitir parcialmente la cruda realidad en la que viven muchos de ellos en nuestro país. Está claro que podría prescindirse de ellos sin que el argumento se viese afectado, pero entonces habría menos tela que cortar…

¡No leer si no se ha visto!

José María (interpretado por el mexicano Gustavo Sánchez Parra) y Rosa (a la que da vida la colombiana Martina García) son una pareja de inmigrantes sudamericanos que trabajan en España, él como albañil y ella como ama de casa interna. Todo parece idílico hasta que descubrimos que José María tiene un carácter extremadamente violento que le lleva a un enfrentamiento físico con su capataz tras burlarse de él y menospreciar a Rosa. El desafortunado episodio culmina con la muerte involuntaria de su jefe, provocando que José María se vea obligado a esconderse. Y para colmo lo hace en la mansión donde trabaja Rosa sin que nadie se entere, ni siquiera ella misma. A partir de aquí, la situación no hace más que empeorar…

Ya desde la presentación de “Rabia” uno es consciente del cariz que va a tomar la cinta: queda bastante claro que su protagonista hará cualquier cosa por defender a su novia, incluso matar por ella si la situación lo requiere. El principal defecto que veo es que, por muy buena interpretación que haga el actor Gustavo Sánchez Parra (con transformación física incluida), hay momentos en los que me cuesta solidarizarme con su tortuoso personaje, ni siquiera me transmite lástima a ratos porque sus acciones no son justificables para mí. Si bien por un lado puedo comprenderle perfectamente (de hecho, comparto ese sentimiento incontrolable que tiene de matar con el personaje que interpreta convincentemente Álex Brendemuhl, porque lo que este tiparraco le hace a su novia en la ficción merece el mayor de los castigos); pero por otro, como nunca me he visto en ese tipo de situaciones (me resultan muy lejanas de hecho), no sabría como actuaría en su lugar, y quizás debido a eso me resulta un pelín desproporcionado que ponga fin a sus problemas con esa violencia desmedida. Desconozco si la intención del director es lograr que te repugne el personaje de José María o que entiendas lo que hace y por qué lo hace. Es que una cosa es entenderlo en la ficción y otra muy distinta en la vida real…

El guión me parece un poco maniqueo y tramposo, y para explicarlo saco de nuevo a colación lo que dije en el párrafo previo: bajo mi punto de vista, el comportamiento atroz de José María parece estar justificado porque él está protegiendo a su amada de las vejaciones que sufre por parte de los demás que se portan mal con ella; ¡pero es que tampoco podemos olvidar que el propio José María no es un santo, ya que se toma la justicia por su mano y se convierte en un asesino en toda regla! A lo que me refiero es que ni unos son tan buenos ni otros tan malos como a veces parece que se quiere demostrar. Y repito, si esa no era la intención del director, un servidor lo interpretó así…

Sin embargo debo resaltar que se recrean acertadamente los momentos angustiosos y desesperantes (la escena de la fumigación en la mansión con José María dentro es un buen ejemplo de ello). Además, la fotografía capta de forma idónea la atmósfera claustrofóbica en la que vive el protagonista. Las interpretaciones también están muy logradas, destacando a Concha Velasco como dueña del caserón.

Concluyendo, la película podría haber llegado a más si sus protagonistas tuviesen más matices, a veces los secundarios aportan mucho más que ellos y eso que la presencia de algunos es poco relevante (como el innecesario personaje de Icíar Bollaín). A medida que avanza el metraje, el suspense va perdiendo fuelle y todo se queda a la mitad de lo que podría haber sido...

sábado, 23 de octubre de 2010

Grandes momentos del cine

Así se llama este video que encontré en Youtube que recoge una particular selección de unas cuantas escenas míticas de la historia del cine. Si por casualidad no habeis visto alguna de ellas y no quereis saber nada de la película, el video viene acompañado de una lista con los films que aparecen cronológicamente: Tarzan, Lo que el viento se llevó, Casablanca, La tentación vive arriba, Psicosis, Desayuno con diamantes, El planeta de los simios, El padrino, Alien, La guerra de las galaxias Ep.V, Memorias de África, Ghost y Titanic. ¡Disfrutadlo!

viernes, 22 de octubre de 2010

El americano (2010)

Dirigida por Anton Corbijn, director de la película de culto 'Control', y protagonizada por George Clooney, 'El americano' no es la película que aparenta ser. Quizás el tener a Clooney de protagonismo le dé un estatus de película de alto presupuesto, y al tener la etiqueta de 'acción' parezca que sea algo al estilo Bourne o Jungla de cristal, pero nada de eso. 'El americano' es una película sin pretensiones que cuenta una historia muy sencilla y entretenida y que puede ser una gran sorpresa para los espectadores.

El argumento gira en torno a Jack (Clooney), un mercenario cuyo último trabajo en Suecia ha salido un poco torcido. Harto de esa vida, Clooney decide dejarlo, pero su jefe le obliga a aceptar una última misión. Para ello Jack deberá ir a refugiarse a un pequeño pueblo italiano, y esperar a que lo llamen. La llamada se produce unos días más tarde: una mujer belga, Mathilde (Thekla Reuten), le pide que le fabrique un arma, y después de eso podrá retirarse. Así que Jack hace un par de amistades en el pueblo, destacando la de un cura con un pasado también un poco turbio y un mecánico que le proporcionará las piezas necesarias para fabricar el arma. Pero principalmente, conoce a una prostituta, Clara (Violante Placido), de la que Jack se enamorará, incumpliendo todas las normas de los mercenarios y que le hará sospechar de todos, porque ni siquiera en Italia Jack consigue estar traquilo...

Lo principal a destacar en la película, es su dirección y su fotografía: no hay ni un sólo plano malo, todos están perfectamente pensados y medidos para crear la sensación que el espectador quiere, ya sea soledad, tristeza, melancolía... Las imágenes son hipnóticas, algunas casi intimistas y sin artificios, algo muy impropio en películas hollywoodienses de este calibre. La mano del director europeo se nota durante toda la película. Tiene un tono constante, pausado, pero a la vez vibrante (a causa de la propia naturaleza de Jack y de todo lo que lo rodea). Además todo esto se redondea gracias a una genial banda sonora, con temas italianos y música clásica que ambienta a la película y que a veces realmente reconforta. Así que un muy buen trabajo de parte de Anton Corbijn.

George está bastante bien como mercenario harto de su trabajo. Su interpretación no es en absoluto caricaturesta, está contenido y su expresión, entre brutalidad sin igual y a la vez apenado por la vida que lleva está muy bien conseguida. Podría afirmar que es una de las mejores interpretaciones de la carrera de Clooney y no sería muy descabellado. Lo mejor, Clooney entrando en la cafetería y pidiendo, no un Nespresso, sino un Americano...reto interpretativo del actor. El resto de actores, prácticamente desconocidos, sí están más flojos, incluso el cura es poco creíble, pero eso es otra historia.

Pero no todo iba a ser bueno, ni mucho menos. El principal fallo (y gordo) de la película, es como siempre su guión. El pueblo que en la primera escena parece ser pequeño, casi una aldea, al final de la película tiene anchas avenidas y lugares donde esconderse. ¿Acaso rodaron en dos sitios diferentes?. Es extraño que en un pueblo tan pequeño, un asesinato como los que se producen, o una moto robada, o cualquier cosa fuera de lo normal no levante expectación. Durante la película hay dos o tres escenas así, y parece que todo está dentro de la normalidad. Es un poco incongruente. También debería mencionar al personaje del cura, que está metido un poco con calzador. ¿Qué función tiene? No es precisamente el guía espiritual de Jack, algo que yo pensaba al principio, y tiene un pasado poco cristiano...así que no sé realmente que representa dentro de la historia. Además su amistad con el cura es inmediata, cosa también extraña. He viajado a muchos sitios, y apenas he conocido a los vecinos...sin embargo Jack que debe pasar desapercibido y es un tipo frío, hace amistades nada más poner un pie en tierra. Quiero pensar que el guión sí que ha sido escrito por un norteamericano y le ha proporcionado esas dosis de tonterías que tanto les gusta, como el final, previsible al cien por cien.

Así que una relajante película para pasar un buen rato. No es una gran película pero entretiene muchísimo. Tiene bastantes buenas cualidades, y si se perdonan algunas chorradas, puede ser una interesante opción con algunas escenas románticas, otras de acción con tiros y persecuciones, y otras muy eróticas (excesivamente largas) que no aburrirán a nadie. Con todos los palos que esta película ha recibido, a mí me ha parecido bastante aceptable.

jueves, 21 de octubre de 2010

Los 33, la superproducción de Hollywood con mejor reparto jamás filmada XD

Mucho revuelo se ha montado en Hollywood tras lo sucedido con los mineros supervivientes que estuvieron bajo tierra en Chile, y no es para menos porque la historia es muy impactante. Ya circula por la web un divertido falso trailer de la película con un casting inigualable en la historia del cine: ¡Bruce Willis como Ministro de Sanidad y Leslie Nielsen como Presidente de Chile! Echadle un ojo. La pregunta ahora es: ¿llevará algún director el suceso a la pantalla grande?

miércoles, 20 de octubre de 2010

El día que Zuckerberg vio La red social...

Emoción, intriga y dolores de barriga es lo que debía sentir el creador de Facebook, Mark Zuckerberg, antes de ver "La red social" por mucho que lo niegue... A pesar de que aseguró no estar interesado en verla, por fin asistió al cine para comprobar cómo habían narrado su historia... Su opinión en Leer más.

Según Zuckerberg "es divertido lo que se han empeñado en mostrar de forma acertada porque todas las camisetas y todos los forros polares que salen en la película, son camisetas y forros polares que tengo. Hay otras cosas que hicieron bien pero otras en cambio que hicieron mal. Lo que peor está es el principio de la película. Empieza con esa chica que nunca existió en la vida real y que en teoría me deja. Algo que ha pasado en la vida real muchas veces. Parece que la única razón por la que quería hacer Facebook es porque quería conocer a chicas o porque quería entrar en alguna institución social. Creo que eso es bastante significativo de cómo la gente que hace películas nos ve a los que estamos creando cosas en Sillicon Valley. Parece que no se dan cuenta que hay gente que construye cosas porque les gusta construir cosas. Es una película, es diversión, mucho de lo cuenta es ficción, lo reconocen hasta los guionistas, lo que intentan es construir una buena historia. Pero créame, conozco muy bien mi vida y no es tan dramática".
¿Darán que hablar estas declaraciones? En mi opinión, considero que Fincher y su guionista se han tomado licencias para construir la película basándose en los hechos reales. No es algo tan reprobable pues muchos otros realizadores lo han hecho en sus correspondientes films numerosas ocasiones, así que "La red social" seguirá siendo un peliculón igualmente aunque se permita alterar ciertos aspectos de la vida de su protagonista. No hay mucha más leña que cortar tampoco jejeje. ¿Qué pensais vosotros?

Wall Street 2: El dinero nunca duerme (2010)

Remake de la película de 1987, también dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Michael Douglas, que esta vez se ve relegado a un papel secundario dejando como principal protagonista a Shia LaBeouf (Jacob). He de reconocer que no he visto la película original, así que no puedo hacer una comparación como dios manda, así que sólo me centraré en ésta.
La película comienza con el suicidio del mentor de Jacob (Frank Langella). Su empresa, se ha visto quebrada y obligada a vender acciones a unos precios ínfimos, y todo ello bajo la acción del tiburón Bretton James (Josh Brolin), un auténtico conocedor de las finanzas y del parqué neoyorquino y que está llamado a ser el nuevo jefe de todo aquello. Para ello, el primer paso consistía en derrocar al personaje de Langella. Ello conlleva al enfado de Jacob, que un día ve por las noticias la liberación del broker Gordon Gekko (Michael Douglas), que curiosamente, es el padre de su prometida Winnie (Carey Mulligan). Jacob entonces decide conocer en persona a Gekko, a espaldas de Winnie que odia a su padre, para que éste sepa aconsejarlo y conseguir derrocar a Bretton. A grosso modo este es el argumento de la película: dos historias, la de las finanzas (durante la primera hora de la película) y la reconciliación de padre e hija durante la segunda hora.
Pero éste es el principal fallo de la película. Al principio, no comprendemos nada de lo que pasa. Sólo hablan de valores, cotizaciones, de la bolsa...de una forma poco clara. El narrador o los mismos personajes van explicando algunas cosas, para que vayamos entendiendo lo que pasa, pero tan mal que no llegamos a profundizar nada en todo el asunto económico. Tan sólo algunos apuntes de Gekko aclara un poco el embrollo, pero al principio todo es un absoluto caos. Pasamos del parqué, a lo que estamos acostumbrados de verlo en las noticias, a un oscuro despacho al más puro estilo Monty Burns donde se suponen que están los verdaderos tiburones manipulando claramente toda la economía y con ello el país. Si pensábais que con esta película os iba a quedar algo más claro, lo tenéis crudo. Lo que sí es cierto es que la película ha llegado y está ambientada en el momento justo, porque habla de la crisis mundial y de cómo se llegó a ella (todo aquello de los intereses bajos y la gente que compra por comprar). Para hablar de ello está el personaje de Gordon, que como he señalado discute ampliamente contra todos y analiza la situación: nuestro actual sistema económico no funciona y hay que cambiarlo. En la segunda hora, cuando llega la quiebra, parece que la crisis se deja a un lado, para ahondar en la relación de Gekko padre e hija. La hija muestra a Gekko como un ser despreciable, manipulador...en fin, todo lo que se pudo observar en la primera parte (supongo yo) o lo que podemos esperar de un broker que lleva 20 años en la cárcel. Sin embargo el personaje está creado de tal forma, que no parece nada de eso en absoluto. Es incluso simpático y llega hasta a caer bien. No era la imagen que yo tenía en la cabeza de este personaje, bajo mi punto de vista se han quedado muy flojos y no le han dado una malicia que le hubiera venido muy bien.

La película parece que está constantemente a punto de arrancar, pero sin llegar a hacerlo. Tiene un tono constante, pero a la baja, sin explotar, y arañando la superficie desde todos los puntos de vista: en el asunto de la bolsa y en el asunto paterno-filial. Carey Mulligan parece perdida en la historia, si no fuera porque la muchacha es buena actriz, sería un papel realmente pésimo. Cada vez que aparecía pensaba 'ah sí, verdad, que también tienen que hablar de ella'. Deberían de haberse dejado del rollo de la hija y haberse dedicado al cien por cien al asunto de la crisis. La película tiene una buena ambientación, pero le han dedicado demasiado tiempo y esfuerzo: un papel bonito por encima y nada por debajo.
Los actores realmente lo hacen bien, quizás Douglas sea el que está más flojo, parece que Stone le haya dicho 'mira, tu pon la cara y ya está'. Shia me sorprende, está mejor de lo que me esperaba, aunque sus registros se limitan a dos o tres, Carey está bien y Brolin cumple bastante bien.
En cuanto a Stone, hace lo que puede realmente. Tampoco el guión daba para más. Introduce de vez en cuando algunas escenas con las que parece querer congeniar con el espectador (pantallas partidas, dibujos animados...) pero su trabajo es más pretencioso que otra cosa. Desde luego lo más flojo de la película es el guión, que se queda a medio camino, sin saber bien por donde tirar y con dos o tres puntos ridículos (la carrera de motos por ejemplo o la historia de la madre de Jacob).
En fin, película que puede llegar a entretener si no le echamos cuenta a las palabrejas raras, pero completamente olvidable y superficial.

martes, 19 de octubre de 2010

Retrospectiva: Fuera de onda (1995)


No sé si la comedia “Fuera de onda” perdurará en la historia del cine, pero mentiría si negase que es una de mis películas favoritas, cada vez que la echan me engancho irremediablemente. Para mi sorpresa, he buscado por Internet comentarios de otras personas y, casualmente, coinciden conmigo en que no es un peliculón para reflexionar durante horas (además no creo que lo pretenda, quizás ahí radica la clave de su éxito); pero que entretiene a raudales, y es una pena que mucha gente la infravalore o la desconozca porque en mi opinión (y recalco que es MI opinión) es bastante recomendable, y mi objetivo es intentar argumentar por qué…

La película establece los clásicos contrastes entre diferentes tribus urbanas de un instituto de Beverly Hills, centrándose especialmente en el grupo de las más súper pijas de la muerte porque su protagonista pertenece a ese ambiente tan chic y exclusivo. Cher (interpretada por Alicia Silverstone) es esa chica fashion de la que hablo, y su mayor preocupación reside en escoger el modelito que va a ponerse para ir a clase. Paralelamente, también tiene la necesidad innata de ayudar a todos aquellos que ella considera desamparados, tales como su padre (un reputado abogado) o su amiga recién llegada a la escuela (a quien da vida Brittany Murphy y a la que acoge como una hermana). Pronto Cher se da cuenta de que tiene que dejar de ayudar a los demás en exceso para dedicarse más a sí misma y para centrarse en lo que desea realmente… ¿pero lo llegará a averiguar?

Los más avispados a lo mejor os habéis dado cuenta de que el argumento es una revisión de la novela “Emma” de Jane Austen, con la diferencia de que “Fuera de onda” se enmarca a finales del siglo XX en Estados Unidos y no en la Inglaterra del siglo pasado. Este detalle es interesante porque justo cuando se estrenó a mediados de los 90, llegó seguidamente a los cines una adaptación homónima basada en la novela original, ambientada en la época correspondiente y protagonizada por Gwyneth Paltrow. ¿Surgieron las comparaciones? Por supuesto que sí. Y debo decir que esta última cinta (a pesar de que logró un Oscar a la banda sonora) en lugar de divertir, aburre soberanamente y no capta en absoluto la chispa o la frescura que el relato debería tener; mientras que “Fuera de onda” por el contrario sí lo hace. No hace falta leerse la novela para percibir esto, porque yo no la he leído y veo claramente las diferencias entre una película y otra.

Por mucho que cueste creerlo, la sombra de “Fuera de onda” es alargada porque muchas comedias adolescentes de los últimos 15 años la han tomado de referencia, ya sea directa o indirectamente (por poner un ejemplo la saga de “American Pie”). Este film dirigido por Amy Heckerling supuso, para bien o para mal, el germen de todo lo que ha venido después, es la precursora de un género que hoy día sigue triunfando en la taquilla. La diferencia principal que yo aprecio es que en lugar de explotar los chistes más obscenos y burdos (como pasa cada vez más frecuentemente en este tipo de cine), se dedica a hacer un humor más irónico, ácido y limpio; esto se refleja en algunas secuencias de la película como las impagables clases de debate o el irrisorio momento en que atracan a Cher y ésta parece prestar más atención a no mancharse su vestido de marca cuando el atracador le pide que se tire al suelo que al atraco en sí. También hay un gran repertorio de frases y pullas de ese estilo dichas por su personaje, como cuando está practicando para sacarse el carné de conducir y asegura que “ella no necesita practicar el aparcamiento porque en cualquier sitio de Los Ángeles hay servicio de aparcacoches”, pero no voy a reproducirlas todas aquí porque perdería todo el encanto.

Alicia Silverstone es otro atractivo para ver el film, ya que está idónea en su rol de niña pija superficial y mimada. Podría decirse que es el mejor papel de su carrera; una carrera que se antojaba meteórica, pero que después se deshinchó con el paso de los años… La acompañan en el reparto un aceptable Paul Rudd como su insoportable hermanastro, Dan Hedaya (que está genial como el típico padre malhumorado) y la desgraciadamente desaparecida Brittany Murphy con un papel hecho a su medida (fue, si no me equivoco, su debut en cine).

Mi escena preferida es aquella en la que vemos a Silverstone eligiendo el conjunto que se va a poner para ir a clase a través de un programa de ordenador que es una especie de guardarropa personalizado. Para que lo entendáis bien, el programa muestra una fotografía de ella y todas las posibles combinaciones de ropa que podría ponerse, como si de una barbie virtual a la que vestir se tratase.

Me da rabia que haya sido olvidada o que no sea conocida, porque aunque peque de frívola y no trascienda, es muy graciosa, se ríe de sí misma en ocasiones y ha marcado en cuanto a estilo y ritmo a otras comedias posteriores. ¿Qué más se puede pedir? Desconectad por un rato y echadle un ojo a ver si os convence…

lunes, 18 de octubre de 2010

Palmarés Festival de cine fantástico de Sitges

Finaliza el festival de Sitges con la finlandesa Rare exports: a Christmas tale, de Jalmari Helander como la ganadora del premio a mejor película y a mejor director. El Meliés a mejor película europea ha sido para la española 'Buried'. Estos son el resto de premiados:
OFICIAL FANTÀSTIC

Mejor Cortometraje
THE LEGEND OF BEAVER DAMM de Jérôme Sable

Mención Especial al cortometraje
VICENTA de Sam Millor
Mejor Diseño de Producción
Yuji Hayashida por THIRTEEN ASSASSINS

Mejores Efectos de Maquillaje
Vitaya Deerattakul & Andrew Lin por DREAM HOME
Mejores Efectos Especiales
Gareth Edwards por MONSTERS
Mejor Banda Sonora Original
Seppuku Paradigm, Alex & Willie Cortes por NUITS ROUGES DU BOURREAU DE JADE (RED NIGHTS)

Mejor Fotografía
Mika Orasmaa por RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE
Mejor Guión
Nicolás Goldbart por FASE 7
Mejor Actriz
Josie Ho por DREAM HOME
Mejor Actor
Patrick Fabian por THE LAST EXORCISM
Mejor Director
Jalmari Helander por RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE

Premio Especial del Jurado
WE ARE THE NIGHT de Dennis Gansel
Mejor Película
RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE de Jalmari Helander
JURADO SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓN PANORAMA
Mejor Película
TUCKER & DALE VS. EVIL de Eli Craig
Mejor Cortometraje
THE FAMILIAR de Kody Zimmermann
JURADO CARNET JOVE

Mejor Película FANTÀSTIC
RUBBER de Quentin Dupieux
Mejor Película MIDNIGHT X-TREME
MUTANT GIRLS SQUAD de Noboru Iguchi & Yoshihiro Nishimura & Tak Sakaguchi
NOVES VISIONS
Mejor Película Patrocinado por SEAT
SIMON WERNER A DISPARU (LIGHTS OUT) de Fabrice Gobert
Mención Especial
SOUND OF NOISE de Ola Simonsson & Johannes Stjarne Nilsson por su mezcla única de historia, visuales y sonido
5150 RUE DES HORMES de Éric Tessier por su innovadora combinación de cinematografía clásica y fantástica revelando nuevos dilemas morales
Diploma Película No Ficción
VAMPIRES de Vincent Lannoo
Diploma Película Discovery
TONY de Gerard Johnson
CASA ÀSIA

Mejor Película
COLD FISH de Sion Sono
PREMIO NOVA AUTORIA SGAE - INSTITUT BUÑUEL

Mejor Dirección
Sílvia Subirós por LA EDAD DEL SOL, presentado por l’Escola de Cinema de Barcelona (ECIB)
Mejor Guión
Jaime Serrano por LA LONA, presentado por el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC)
Mejor Música Original
Gonçal Perales Roy por THE SMILEY, presentado por l’Escola d’Animació de Catalunya-9 Zeros
ANIMA’T - Premio Gertie
JURADO
Daniel Cohen, Rubén Lardín & Joan Pons
Mejor Largometraje de Animación
JACKBOOTS ON WHITEHALL de Edward McHenry & Rory McHenry
Mejor Cortometraje de Animación
UNE NOUVELLE VIE! (A NEW LIFE!) de Fred Joyeux
Mejor Largometraje de Animación para Niños
THE UGLY DUCKLING de Garry Bardin
Gran Premio del Público El Periódico de Catalunya
Mejor Película
THIRTEEN ASSASSINS de Takashi Miike
MÉLIÈS DE PLATA

Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea
RUBBER de Quentin Dupieux
Mención Especial
RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE de Jalmari Helander
Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo
LES BESSONES DEL CARRER PONENT de Marc Riba & Anna Solanas
MÉLIÈS DE ORO
Méliès de Oro a la Mejor Película Europea
BURIED de Rodrigo Cortés
Méliès de Oro al Mejor Cortometraje
EL ATAQUE DE LOS ROBOTS DE NEBULOSA -5 de Chema García Ibarra
PREMIOS DE LA CRÍTICA

Premio de la Crítica Jose Luis Guarner
UNCLE BOONMEE WHO CAN RECALL HIS PAST LIVES de Apichatpong Weerasethakul
Premio Citizen Kane al director/a revelación
Quentin Dupieux por RUBBER


BRIGADOON- Paul Naschy
Mejor cortometraje
ST. CHRISTOPHORUS ROADKILL de Gregor Erler

domingo, 17 de octubre de 2010

Come reza ama (2010)


¿Sigue siendo Julia Roberts capaz de hacer rentable un producto en el que ella es la protagonista? La respuesta es sí, su inconfundible sonrisa atrae indiscutiblemente al público. Ahora bien, ¿está el guión de “Come reza ama” a su altura? Eso ya es otra cuestión…

Basada en el best seller autobiográfico (con tintes de libro de autoayuda por lo visto) de Elizabeth Gilbert, la película cuenta la historia de una mujer que decide encontrarse a sí misma tras ver como su matrimonio hace aguas, viajando por Italia, la India o Bali nada menos. ¿Valentía? ¿Riesgo? Más bien pelas diría yo… Si el film se titulase “Come y ama” a secas sería ideal porque lo de rezar es una absoluta chorrada, ya que la auténtica moraleja es: si atraviesas una crisis amorosa y tienes pasta (además de tiempo libre claro), podrás viajar a lugares exóticos, conocer gente interesante, comer toda la comida típica de esos lugares hasta ponerte como un cerdo y vivir experiencias inolvidables. Inyectando una dosis de realidad, la gente sin dinero ni recursos tendría que enfrentarse al problema y no podría viajar casi un año entero para evadirse y darle solución. ¡Punto! ¡Eso es todo! ¿Por qué tienen que disfrazarlo con ese rollo al estilo new age de encontrarse con Dios y con uno mismo? ¿Hacía falta acaso ver a Julia Roberts en plan zen o visitando a un chamán? ¡Por favor!

Una de las cosas que menos soporto del film es que vendan un falso panfleto de liberación feminista, me hace gracia porque parece que el personaje de Roberts refleja a una mujer independiente que busca su propia paz, sin ataduras, que rompe con las cadenas de un matrimonio que la oprime; pero claro, paradójicamente está persiguiendo aquello que la mayoría de las mujeres acaba necesitando ¿y para eso tanto viajecito y tanta espiritualidad? Un topicazo en toda regla… Podría decirse que es una de esas películas a las que yo califico de “turísticas”, porque muestran paisajes preciosos captados por una fotografía muy atractiva, así como los clichés más consabidos de las ciudades más seductoras como si de un documental del canal “Viajar” se tratase; pero ya está: esos paisajes y clichés configuran un envoltorio de algo que en realidad está vacío…

Lo mejor de la cinta es Julia Roberts, todos sus devotos estarán satisfechos porque actúa muy bien y pone todo su empeño ante un material tan moñas y cursi. Está claro que es una película para su lucimiento exclusivo y nada más. Aunque del elenco, destaco a Richard Jenkins, muy convincente y profundo en su interpretación; la pena es que al ser un personaje tan dramático dentro de una película más o menos simpática, su triste relato se diluye irremediablemente en el conjunto y ralentiza el argumento de mala manera, dando la sensación cuando acaba el film de que su aparición no era relevante en la trama y sobraba (para un personaje interesante que hay, encima no encaja). En cuanto a Bardem, no está mal pero no hay tiempo suficiente para apreciar su intervención (ya que sale únicamente la última media hora). Eso sí, jamás imaginé que vería a Roberts y a Bardem juntos en un mismo plano y con química (¿alguien lo imaginaba en realidad?).

Desde luego, lo que es realmente escandaloso es su excesivo metraje (la friolera de 2 horas y media), que la hace a ratos soporífera… Hay segmentos que son para cortarlos con tijeras directamente: la estancia en la India se hace muy pesada por ejemplo; al menos la parte en Italia se hace más amena…

Resumiendo, “Come reza ama” vuelve a contar la historia de la típica treintañera que ha sufrido una crisis existencial, decidiendo buscarse las habichuelas en el extranjero (donde todo es idílico) porque puede permitírselo y porque no tiene nada mejor que hacer. Si vosotros tenéis algo mejor que hacer, os aconsejo que no gastéis vuestro dinero en verla… No obstante, si os gusta mucho la Roberts, hay que reconocer que sale guapísima y llena de energía.

sábado, 16 de octubre de 2010

Carteles de Black Swan

Es una de las películas del año: Natalie Portman, Vincent Cassel, Winona Ryder (a la que tengo muchas ganas de ver)...como todas las que tienen esta denominación, su campaña de publicidad ya ha comenzado. Ya hay rondando en internet algunos carteles:








La red social (2010)

Qué bien sienta salir del cine con las endorfinas por las nubes. Y no es broma. Cuando terminé de ver la película, me dije 'dios...que pedazo de película'. Porque la red social es un peliculón, y con esto ya podría dar por terminada la crítica.
La red social trata sobre el nacimiento de Facebook, eso lo sabemos todos. Pero realmente, todo gira en torno a la figura de Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), tanto es así, que incluso el tono de la película y la narración de esta es acorde con su propia personalidad. Y digo que todo gira en torno a él porque la cinta explora su mente, sus obsesiones, sus pensamientos, su humanidad, y principalmente su inhumanidad. Pero de esto hablaré más adelante.

Una noche, mientras todos estaban de fiesta, a Mark le deja su novia. Cabreado, decide contarlo todo en su blog (o lo que fueran entonces), y no sólo eso: decide vengarse de las tías, ¿y qué hace? crea una página donde los alumnos de Harvard pueden votar a las tías según el criterio de si están buenas o no. Obviamente, Mark es odiado por todo el género femenino, pero junto a su mejor amigo Eduardo Saverin (Andrew Garfield) piensan idear un sistema aún mejor. Para ello, Mark contacta con los gemelos Cameron y Tyler Winklevoss, que le proponen una idea: una red social donde todos los alumnos de Harvard puedan comunicarse, saber de ellos mismos, subir fotos y demás (es decir, todo lo que ofrece facebook). Mark decide ayudarles, sin embargo, durante un par de meses se enfrasca en su pc y se pasa horas y horas programando, hasta terminar 'Thefacebook.com'. El proyecto consigue ser un éxito, pero cuando los gemelos ven lo que Mark ha conseguido hacer, montan en cólera y le demandan.

A grandes rasgos, éste es el argumento principal de la película. El montaje es muy original, puesto que avanza y retrocede para mostrar simultáneamente tanto la vida de Mark como estudiante de Harvard (y la de los demás) y el juicio que tuvo lugar hace poco tiempo, entre Eduardo, Mark y los gemelos Winklevoss, reclamando sus derechos y su dinero. Además está tan bien llevado, que cada uno de los avances no interrumpe la narración, ni satura al espectador, sino que están muy bien dosificados y poco a poco nos vamos preparando para el final de la historia.

Otro punto clave, es como dije antes, la figura de Mark. En la película, pese a ser lo más objetiva posible (un buen punto a su favor), hay algunos detalles que muestran a Mark como una persona obsesiva y egocéntrica. Sin decirlo de forma clara, parece que siente envidia de Eduardo y sus avances en los negocios al principio de formar facebook, y siente envidia de Sean Parker (Justin Timberlake), fundador de Napster y que también tendrá un papel fundamental en la cinta. Además Eduardo a su vez también odia a su manera a Sean, porque éste ve el filón de Mark y lo aprovecha, llevándose poco a poco a Mark, atrayéndolo sin que éste se dé cuenta, para enriquecerse él también. Eduardo ve esto y no lo tolera. Pero no sólo Sean se da cuenta del potencial de Facebook, también otras empresas y entidades, por lo que será la habilidad de Mark lo que hará que Facebook no caiga en otras manos y pueda salir adelante. Además también pone en entredicho a Mark como un 'genio', ya que así es como se le considera hoy en día, como un genio de las ciencias de la comunicación. Todo fue pura potra, facebook nació como una broma, o como un simple juego entre estudiantes, y acabó siendo un auténtico imperio.

Como ya he comentado, la película no es partidista, y aunque muestre claramente como Mark desarrolla Facebook él solito (con la ayuda monetaria de Eduardo), deja caer que la idea pudo provenir de los Winklevoss, pero no es afirmado en el guión, ni que Mark utilizara extrañas artimañas para ir quitándose de en medio a cada uno de sus competidores, aunque estos fueran sus propios amigos.

En cuanto al apartado técnico, mención especial para David Fincher, que demuestra una vez más que es de lo mejorcito de su generación. Tras seven y el club de la lucha, ha visitado diversos géneros: ciencia-ficción (Alien 3), drama (el curioso caso...), trhiller (la habitación del pánico, zodiac) y ahora con la red social vuelve a mostrar que su pulso tras la cámara es iniguable y que siempre sabe lo que quiere. Todo lo demás está genial. Fotografía, ambientación (campus de Harvard, oficinas de Facebook...), montaje (esa escena de las canoas, insuperable)...incluso la banda sonora es genial, con temas conocidos por todos y que animan la película.

Y qué decir de los actores. Jesse Eisenberg está espectacular como Mark, sin duda lo borda. Pese a ser un personaje muy serio y poco alegre, Jesse logra una interpretación llena de registros. Lo mismo para Andrew Garfield. Los dos pueden perfectamente estar nominados a mejor actor en los premios más importantes que quedan en el año. Incluso Justin Timberlake tiene su punto. Los secundarios, todos de lujo.
Pero lo mejor de la película (y es decir mucho, porque todo es bueno), es su guión. Aaron Sorkin sabe lo que hace. Después de trabajar en los complicados guiones de 'El ala oeste de la casa blanca', se enfrasca en ésta no menos complicada historia. Primero nos da lecciones de informática al principio de la película, de economía, de leyes...y todo ello sin que el espectador pierda ni un ápice de interés ni que decaiga la película en ningún momento. Es el mejor guión de lo que llevamos de año (sí, mejor que Origen sin duda).

En resumen, quizás fuera porque iba sin saber lo que me iban a enseñar, o porque siento cierta tirria hacia Mark Zuckerberg por ser el multimillonario más joven del mundo, o por cualquier otra razón; pero sin duda, salí del cine impresionado ante el buen hacer de la película. Facebook queda perfectamente definido en esta película. Su misión y verdaderos propósitos, quedan claros (no voy a contar nada más) y sus entresijos y todo lo que lleva detrás está lleno de trapos sucios. Quizás la historia no sea tal cual, pero yo creo que Sorkin ha sabido llevarla por el buen camino y ha mostrado todo tal cuál fue. Seguro que todos los que tienen Facebook a partir de ahora mirarán su página inicial de otra forma.
Y como colofón, la reveladora escena final...cuánta gente habrá perdido el tiempo viendo como su página inicial de Facebook se actualiza...

Ronin.

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¿Quién no tiene Facebook hoy día? Si lo pensamos fríamente es tremendo como en los últimos cinco años las redes sociales han copado un alto porcentaje de ocupación en nuestra vida diaria; ya no hablo solo de Facebook, sino de otras como Tuenti, Twitter, etc. Da miedo como muchas personas se pasan las horas bicheando en ellas y en cómo cotillean las vidas ajenas (aunque algunos lo nieguen todos lo hemos hecho alguna que otra vez, y me incluyo). Admiro a todos aquellos que se resisten y no están inscritos en ninguna, los considero unos auténticos supervivientes de esta adictiva moda que extiende sus tentáculos a pasos agigantados por Internet captando a más usuarios cada día que pasa.

Pues bien, igual de adictiva es "La red social" de David Fincher, película que puede dar la campanada en los certámenes más destacados del año desbancando a otras firmes apuestas como "Origen" de Nolan o la pendiente de estreno "Black Swan" de Aronofsky. Poco más puedo añadir a lo dicho por Ronin porque coincidimos en casi todo, así que como hice en la retrospectiva de "Eva al desnudo" me limitaré a enumerar brevemente todo aquello que me resultó interesante:

1. En la película se exploran meticulosamente las raíces de Facebook y dudo que el tema deje indiferente a nadie porque rara vez nos planteamos con detenimiento los pormenores que existen tras la formación y el mantenimiento de una reputada empresa como ésta (me refiero a la ambición desmedida, las enemistades emergentes, los pleitos judiciales a causa de posibles plagios, etc.). Considero que es un tema de rabiosa actualidad al que se le puede sacar bastante provecho y más cuando el artífice de una de las aplicaciones más populares de la Red en los últimos años no sale bien parado, ya que responde al perfil de un adolescente en ocasiones repelente, desleal, egoísta y más bien asocial. ¡Hay material para rato!

2. La secuencia inicial es impecable y resume el origen de todo: en ella aparecen Zuckerberg y su novia charlando distendidamente en un bar, pero la conversación deriva hasta acabar en ruptura cuando ella alega que no le soporta más y se marcha. Llama la atención que sea un desengaño amoroso del propio Zuckerberg el que desencadenase todo el fenómeno, pues a partir de ahí nace en él un sentimiento revanchista que opta por canalizar en dicho proyecto (primero hace una jugarreta virtual a pequeña escala que ya especificó Ronin y más adelante será cuando se le ocurra ir a lo grande). Parece que una de las motivaciones que impulsaron parcialmente a Zuckerberg para crear Facebook era demostrarle a su ex lo lejos que podía llegar con su invención, es decir, no solo lo toma como un reto profesional, sino también personal porque es como si en el fondo siguiera sintiendo algo por ella y actúa como si quisiera "sorprenderla" indirectamente de alguna forma (como si de una especie de "venganza" se tratase). Desconozco si esto sucedió así en la realidad…

3. Fincher se ha alejado del (afortunado para mi gusto) academicismo que adoptó en “El curioso caso de Benjamin Button” para regresar con un efectivo montaje que guarda similitudes con “El club de la lucha” o “Seven” en algunos aspectos e incluye secuencias bestiales como la de la competición de remo que citó también Ronin. Por otra parte resalto su cuidado guión, cargado de diálogos inteligentes ejecutados a una velocidad tan vertiginosa que es prácticamente imposible apartar la vista ni un segundo de la pantalla. En cuanto al elenco, destaco los trabajos de Jesse Eisenberg y Andrew Garfield porque si el primero está de lujo, el segundo está espectacular (no me extrañaría que recibieran una nominación al Oscar cada uno como se ha especulado). Timberlake tampoco se queda atrás, me convence haciendo del tipo guay y enrollado "trepa - sin escrúpulos" Sean Parker (creador del servidor retirado Napster).

4. Quiero hacer hincapié en la sensación inevitable de asco que me produjo ver a lo largo de la cinta el absurdo elitismo que caracteriza a la mayoría del alumnado de la prestigiosa Universidad de Harvard, del que se hace una radiografía muy crítica; esto se aprecia por ejemplo en las denigrantes pruebas que exigen los mismos estudiantes para admitir a nuevos miembros en las diversas fraternidades, o en las descontroladas juergas y fiestas que organizan de manera privada. También se establece un acentuado contraste entre lo que se conoce como los niños de papá que creen tenerlo todo resuelto cómodamente y los protagonistas, que no pertenecen a dicho estatus (son más bien de clase media) y sienten que deben esforzarse mucho más en sus objetivos recurriendo a otras vías menos ortodoxas si quieren llegar a ser gente importante. No obstante, se da a entender que los más pijos no siempre consiguen lo que quieren tampoco; esto queda reflejado en la chistosa escena en la que los rivales de Zuckerberg, los gemelos Cameron y Tyler Winklevoss que le acusan de robarles la idea, acuden inútilmente al Rector para pedirle ayuda solo por el mero hecho de pertenecer a una familia adinerada. El calificativo más apropiado que se me ocurre para describir esa situación es "ridículo"...

Esto es todo, “La red social” es un profundo análisis del mundo que nos rodea y en cómo se ha reconvertido y transformado a un ritmo frenético e imparable. No sé si Facebook aumentará o descenderá su cifra de seguidores después del estreno de esta producción, pero lo que tengo muy claro es que “La red social” dará que hablar. ¡Qué gusto recibir una buena dosis de cine en vena de vez en cuando!

Juanmez.

jueves, 14 de octubre de 2010

Radiografía a David Fincher

Al igual que hice con Christopher Nolan a propósito del estreno de Origen, ahora le toca el turno a otro gran director de éstos que apuntaron maneras a finales de los noventa y cumplieron todas las espectativas en los 00 (¿cómo hay que llamar a la década que va del 2000 al 2010?).
Nacido en 1962 en Denver. Su padre era editor de la revista 'life', lo que hizo que durante su infancia viajara por distintas ciudades. David decidió que quería ser director de cine tras ver 'Dos hombres y un destino'. Era un chico muy meticuloso y se metía tanto en el cine, que el día que vio Tiburón decidió no bañarse nunca más en el océano.
En lugar de estudiar cine en alguna academia, decidió hacerlo por su cuenta, como asistente de cámara o fotógrafo, hasta que Industrias Light and Magic (la de George Lucas) lo contrató como asistente para 'El retorno del Jedi'. Su experiencia fue creciendo, y comenzó a rodar videclips. El primero de ellos fue "Shame" de The Motels en 1985. A la vez, David rodó un spot para la sociedad americana contra el cáncer. El spot es el siguiente:



Obviamente un spot como este no podía pasar desapercibido, por lo que los productores de Los Ángeles le llamaron para dirigir el documental The Beat of the Live Drum en 1985. A partir de aquí David dirigió a partes iguales videclips y spots (Converse, Nike, Revlon...). Su nombre comenzó a ser importante en el mundillo y su currículum creció. Grabó videclips para Patti Smith, Mark Knopfler, Gipsy Kings, Madonna o Aerosmith. Después de varios años, su momento llegó. Como tantos otros directores provenientes de la publicidad (Scott, Jonze...), le contrataron entre un gran número de aspirantes para dirigir Alien 3.

- Alien 3: Su primera película, y la peor. Quizás le venía demasiado grande o le llegó demasiado pronto, pero la secuela de Alien 2 no cumplió las espectativas. Tenía acción, tenía a Sigourney, pero le faltaba mucho de 'Alien'. Entretiene y nada más. David debería esperar algunos años para consagrarse.

- Seven: Pero todo llega. Seven supuso un acontecimiento casi mundial. No solo para Fincher, sino para todos. Una de las mejores películas del año, de la década, y del género del thriller. En esta película se empieza a notar la buena mano del director, que hoy en día es más que conocido por abordar los problemas psicológicos y demonios de sus personajes y la moralidad de sus acciones en la vida diaria. Seven lo tenía todo: una buena dirección, interpretaciones, banda sonora, guión... Era muy comercial, pero a pesar de todo conquistó a todo el mundo por igual, a críticos, a amantes del thriller, a los espectadores... Nadie termina de ver Seven y se queda igual. La historia, una pareja de policías (Morgan y Pitt) tienen que trabajar juntos para detener a un psicópata que asesina en función de los siete pecados capitales. Cada asesinado, un enigma.

- The game: Un poco menor que Seven, pero igual de eficaz. Fincher no abandonó su línea y nos cuenta la historia de un millonario (Michael Dogulas) que se verá envuelto en un oscuro juego por parte de su díscolo hermano (Sean Penn). Entretiene, abruma, asusta, inquieta...más Fincher por favor.

- El club de la lucha: Película de culto, pero de culto culto eh. No de éstas que se le pone la coletilla para quedar bien. El club de la lucha tiene los mismos admiradores que detractores (me pongo en el primer bando). Su hiperviolento argumento, su oscura fotografía, con esos pasillos angostos, sucios y pegajosos, con esas actuaciones demasiado exageradas (pero no por ello malas), esa atmósfera inquietante, y ese final (que es muy original, aunque muchos digan que no), convierten a 'El club de la lucha' en una película diferente. Mucho de esto es lo que hoy en día hace falta. En cuanto a la historia, Edward Norton hace de un oficinista que conoce a un tipo que fabrica 'jabones', y que le enseñará un club donde lo que se hace es...pelear.

- La habitación del pánico: Película menor de Fincher, que tiene algunos de sus elementos más comunes (una tensión que quita la respiración), pero algo más convencional. Jodie Foster es una divorciada que se va a vivir en una mansión, en la que una noche atracan tres atracadores. Junto con su hija, van a la 'Habitación del antipánico', donde pueden estar a salvo, con línea de teléfono independiente y monitores para ver todos los rincones de la casa.

- Zodiac: Siguiendo su mismo estilo, pero de un modo más clásico. Esta vez Fincher nos cuenta la historia de un asesino maníaco llamado 'Zodiac', pero no lo hace de la misma forma que en sus anteriores películas, sino utilizando unas técnicas más propias de las películas de los 70 que de hoy en día. Sus escenas son más largas, con menos primeros planos, menos rapidez de movimiento y más pausado. Pero igual de eficaz.

- El curioso caso de Benjamin Button: Y Fincher se reinventó. Dejó de lado el thriller, ese género que tanto bien le había hecho, para meterse de lleno en el drama, pero no el drama convencional, sino en uno cuyo protagonista en lugar de hacerse más viejo, se hace más joven. Fue bastante ninguneada por críticos, festivales y en premios importantes, pero creo que fue de las mejores películas de su año, contando parte de la historia del siglo XX (algunos hechos bastante interesantes) y tratando la historia de Benjamin Button (de nuevo Pitt, actor fetiche) de una forma muy natural y nada melodramática. Algunos la tildan de demasiado larga, pero joder...cuenta la vida de un hombre, ¿qué queríais?.



En cuanto a 'La red social', podéis leer la reseña en Películas 2010 para que os quede claro que Fincher es de lo mejorcito que hay en el panorama cinematográfico. Un director diferente, innovador, arriesgado... Su cine es compacto, sabe siempre el rumbo que debe llevar la trama sin andarse con rodeos. Su principal lastre fue Seven, cuya calidad es tan alta que fue el referente para sus siguientes proyectos, pero aún así, al dejar el thriller de lado quizás no la volvamos a tener en cuenta.
En cuanto a sus siguientes proyectos, 'Heavy metal', película coral con numerosos directores y 'The girl with de dragon tatoo', adaptación de 'Los hombres que no amaban a las mujeres'.

Ranking de intérpretes que han cambiado de sexo en la ficción


El cambio de identidad sexual en el cine ha sido desde siempre un tema muy recurrente y acertado, son muchos los actores y actrices que se han transformado o disfrazado para hacerse pasar por alguien del sexo opuesto debido a exigencias del guión. Al ser un asunto que da mucho juego, he decidido hacer un ranking con los intérpretes que más me han convencido en este campo. En la lista no incluyo sólo a los que aparentan ser alguien del sexo contrario porque así lo sienten o porque se ven obligados por medio del travestismo; sino también a aquellos que en pantalla han representado a personajes que han nacido con un género sexual opuesto al que tienen dichos intérpretes en la vida real (un buen ejemplo de esto último, aunque no aparezca entre las 10 porque no me convenció, es el de Blanca Portillo en “Alatriste” al hacer del Inquisidor Emilio Bocanegra).


10. Barbra Streisand en "Yentl": la hija de un rabino se hace pasar por varón para estudiar en una escuela reservada para hombres. Streisand construye acertadamente un drama romántico y reivindicativo sobre el papel de la mujer en otros tiempos...




9. Billy Crudup en "Belleza prohibida": en el siglo XVII las mujeres tienen prohibido actuar sobre los escenarios y por ese motivo él interpreta estupendamente a Ned Kynaston: la artista más famosa de toda Inglaterra.


8. José Sacristán en "Un hombre llamado Flor de Otoño": durante el día Lluis de Serracant se ocupa de los asuntos de su trabajo, pero por la noche se transforma en "Flor de otoño", un conocido travesti que actúa en un pequeño cabaret.


7. Terence Stamp en "Priscilla, reina del desierto": están espléndidos los tres, pero me quedo con Stamp porque siempre había desempeñado papeles muy serios y aún me choca cuando lo veo jejeje.


6. Julie Andrews en "Víctor o Victoria": Victoria Grant se convierte en Víctor, un célebre travesti que triunfa allá donde va...La confusión está servida en esta divertida película y Andrews está pletórica.


5. Hilary Swank en "Boys don´t cry": su lograda interpretación de la joven Teena Brandon, que nació como mujer pero quería ser un hombre, le valió un Oscar.


4. Felicity Huffman en "Transamérica": memorable actuación de Huffman, que interpreta a un hombre que se somete a un proceso de reasignación de sexo.


3. Dustin Hoffman en "Tootsie": inolvidable comedia en la que Hoffman se mete en la piel de un actor que se hace pasar por mujer para conseguir un empleo en una serie de televisión.


2. Antonia San Juan en "Todo sobre mi madre": ¿cómo dejar fuera a la irrepetible Agrado? Caló tan hondo que, en su momento de estreno, hubo polémica acerca de la posible transexualidad de la actriz, ya que se pensó que era un hombre en la vida real...


1. Tony Curtis y Jack Lemmon en "Con faldas y a lo loco": no puedo decantarme por ninguno de los dos, ya que me gustan por igual. Ambos deciden vestirse de mujeres para entrar en una orquesta y pasar desapercibidos un tiempo. Película imprescindible con personajes imperecederos...


                                    
Fuera del ranking, me gustaría citar algunos ejemplos más: en comedias destaco la de "Monjas a la carrera" con Eric Idle y Robbie Coltrane haciéndose pasar por monjas en un convento, "Señora Doubtfire" donde te partes de risa con Robin Williams, y por último "Hairspray" con un Travolta haciendo de mujer oronda con mucho ritmo; en animación existe un caso evidente de travestismo en "Mulan", pero seguro que hay más; también es un tema muy presente en películas vinculadas con Shakespeare, tales como "Shakespeare in love" o "El mercader de Venecia" entre otras; por otra parte hay cintas que no se centran en este tema, pero que cuentan con escenas relacionadas como "Belle epoque" o "Ed Wood"; y en definitiva muchas más que se me ocurren que no sabría en qué grupo clasificarlas, como "Mi querida señorita", "Ella es el chico", "La gran aventura de Silvia", etc. Habrá un montón que se me pasen por alto o desconozca, así que espero vuestras aportaciones...

domingo, 10 de octubre de 2010

Enterrado (2010)


Paul Conroy es un contratista civil en Irak al que secuestran y entierran vivo en un ataúd de madera, teniendo en su poder únicamente un teléfono móvil y un mechero. ¿Logrará sobrevivir? Con esta premisa parte una de las cintas más comentadas de este año…

No hace mucho tiempo, Uma Thurman en “Kill Bill 2” nos enseñó que salir de un ataúd no es tan complicado como parece; lástima que Ryan Reynolds en “Enterrado” carezca del conocimiento necesario en artes marciales que ella poseía para escapar del mismo. ¡Pedazo de as que tuvo Uma bajo la manga y que habría ayudado mucho a Reynolds!

Poniéndome ya serio, debo confesar que al principio era muy reacio a ver el segundo largometraje de Rodrigo Cortés porque no estaba seguro de si se trataba de un film con tintes experimentales como se ha dicho en determinados foros o si más bien se centraría únicamente en mostrar el morbo de ver a un tío encerrado en una caja de pequeñas dimensiones bajo tierra durante unos 100 minutos aproximados, pero me picaba la curiosidad y decidí darle una oportunidad.

Desde luego es de admirar el atrevimiento de llevar un guión como este al cine porque de entrada parece una propuesta poco solvente y algo demencial; sin embargo hasta el momento parece que consigue que tanto crítica como público coincidan y se queden pegados en la butaca, contemplando atentamente como el protagonista (único actor de todo el metraje) intenta escapar de esa macabra trampa. ¿Cuáles son las claves de su éxito? ¿Cómo es que no aburre?

1. Sensación de agobio. El hecho de que en ocasiones aparezca la pantalla en negro y solo se escuche la respiración agitada y frenética del protagonista, así como sus gritos de desesperación y angustia es algo que mantiene la tensión en todo momento y pone los pelos de punta. Al espectador no le queda más remedio que ponerse en su pellejo y pensar: ¿y si me pasara a mí?

2. Redefinición del suspense. Se ha dicho que a Alfred Hitchcock le hubiera encantado esta película y probablemente tengan razón porque incluye algunos ingredientes que a él le fascinaban: un espacio reducido y único, un más que asfixiante clímax, un tira y afloja constante con el público y un macguffin bien planteado (si se piensa profundamente el argumento es solo una excusa o pretexto que justifica la presencia de Reynolds en el ataúd, no tiene mayor relevancia en la trama en sí). Además, hasta los sencillos títulos de crédito tienen un toque que recuerda un poco al estilo del maestro del suspense, con ese juego de líneas verticales y horizontales en movimiento que se van ramificando continuamente.

3. Montaje milimétrico. Al desarrollarse la acción en un espacio tan limitado, es vital contar con un montaje vibrante que mantenga el pulso narrativo para que la cinta no pierda emoción. Esto se consigue a base de incontables, variados y rebuscados planos o de pequeños recursos cinematográficos como la variación del tamaño de la tumba, con el que se juega en ocasiones para transmitir mayor o menor sensación de asfixia por ejemplo.

4. Interpretación impoluta. Ryan Reynolds lo borda, ofrece una actuación convincente y pura, sin artificios de ningún tipo: está él solo frente a la cámara, prácticamente recitando un monólogo. Por lo visto Reynolds comentó en una entrevista que el rodaje le dejó la espalda destrozada y magullada, así que también ha supuesto un reto físico para él. Pobre hombre… ¿Será reconocido por este trabajo? Sería lo más justo…

5. Crítica feroz. En el film se muestran la inutilidad burocrática (a través de las llamadas telefónicas), las mentiras políticas, las víctimas inocentes que pagan el pato en un país sumido en frecuentes conflictos, aquellos medios de comunicación a los que solo les mueve la carroña, etc.

6. Escenas desesperantes. La de la serpiente es buena prueba de ello. No profundizaré más en ella, los que quieran saber a qué me refiero que la vean…

Aunque dudo que revolucione el panorama cinematográfico actual, “Enterrado” es un interesante ejercicio que no debería pasar desapercibido porque sería un error despreciar la admirable labor de Rodrigo Cortés tras haber firmado una película española tan osada como esta en lo que va de año. Eso sí, advierto: no es apta para claustrofóbicos.

Los 100 mejores debuts de la historia


Y más listas, si hace un mes escribimos sobre los supuestos 100 mejores actores y actrices de la historia, ahora la AFI (American Film Institute) ha elaborado una lista (otra más) sobre los mejores debuts de la historia. No tiene desperdicio:


1. Ciudadano Kane (Orson Welles)
2. Cabeza borradora (David Lynch)
3. La noche de los muertos vivientes (George A. Romero)
4. El halcón maltés (John Huston)
5. Al final de la escapada (Jean-Luc Godard)
6. Reservoir Dogs (Quentin Tarantino)
7. La noche del cazador (Charles Laughton)
8. Sangre fácil (Joel y Ethan Coen)
9. Los 400 golpes (François Truffaut)
10. 12 hombres sin piedad (Sidney Lumet)
11. L’Atalante (Jean Vigo)
12. Toy Story (John Lasseter)
13. Malas tierras (Terrence Malick)
14. Cómo ser John Malkovich (Spike Jonze)
15. This Is Spinal Tap (Marty DiBergi; co-dirigida por Rob Reiner)
16. Gates of Heaven (Errol Morris)
17. Hiroshima mon amour (Alain Resnais)
18. Aterriza como puedas (Jerry Zucker, Jim Abrahams, David Zucker)
19. El diablo sobre ruedas (Steven Spielberg)
20. El gigante de hierro (Brad Bird)
21. Posesión infernal (Sam Raimi)
22. Los productores (Mel Brooks)
23. El cuchicllo en el agua (Roman Polanksi)
24. Cadena perpetua (Frank Darabont)
25. El chico (Charles Chaplin)
26. District 9 (Neill Blomkamp)
27. Los caballeros de la Mesa Cuadrada (Terry Gilliam and Terry Jones)
28. Donnie Darko (Richard Kelly)
29. L’Age d’Or (Luis Buñuel)
30. Synecdoche, New York (Charlie Kaufman)
31. Pather Panchali (Satyajit Ray)
32. Enrique V (Kenneth Branagh)
33. Easy Rider (Dennis Hopper)
34. Clerks (Kevin Smith)
35. El proyecto de la bruja de Blair (Daniel Myrick and Eduardo Sanchez)
36. ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Mike Nichols)
37. Gattaca (Andrew Niccol)
38. Primer (Shane Carruth)
39. Pee-Wee’s Big Adventure (Tim Burton)
40. Brick (Rian Johnson)
41. Killer of Sheep (Charles Burnett)
42. Sexo, Mentiras y Cintas de video (Steven Soderbergh)
43. Mad Max (George Miller)
44. Pi (Darren Aronofsky)
45. Escondidos en Brujas (Martin McDonagh)
46. Harlan County U.S.A. (Barbara Kopple)
47. American Beauty (Sam Mendes)
48. Los chicos del barrio (John Singleton)
49. Hedwig & the Angry Inch (John Cameron Mitchell)
50. Delicatessen (Marc Caro and Jean-Pierre Jeunet)
51. Ascensor para el cadalso (Louis Malle)
52. Bottle Rocket (Wes Anderson)
53. Titicut Follies (Frederick Wiseman)
54. She’s Gotta Have It (Spike Lee)
55. Sombras (John Cassavetes)
56. Moon (Duncan Jones)
57. Monsters Inc. (Pete Docter)
58. Slacker (Richard Linklater)
59. Say Anything... (Cameron Crowe)
60. Tumba abierta (Danny Boyle)
61. Trenes rigurosamente vigilados (Jiri Menzel)
62. Adios, pequeña, adios (Ben Affleck)
63. Repo Man (Alex Cox)
64. Las vírgenes suicidas (Sofia Coppola)
65. Amores Perros (Alejandro González Iñárritu)
66. Un día en Nueva York (Stanley Donan and Gene Kelly)
67. Bienvenidos a Belleville (Sylvain Chomet)
68. La infancia de Iván (Andrei Tarkovsky)
69. My Favorite Year (Richard Benjamin)
70. El Mariachi (Robert Rodriguez)
71. Performance (Nicolas Roeg and Donald Cammell)
72. En compañía de hombres (Neil LaBute)
73. Los amantes de la noche (Nicholas Ray)
74. Love Actually (Richard Curtis)
75. Fast Times at Ridgemont High (Amy Heckerling)
76. One-Eyed Jacks (Marlon Brando)
77. Hard Eight (Paul Thomas Anderson)
78. Following (Christopher Nolan)
79. Cabin in the Sky (Vincente Minnelli)
80. George Washington (David Gordon Green)
81. Sangre de un poeta (Jean Cocteau)
82. The Station Agent (Thomas McCarthy)
83. Kiss Kiss Bang Bang (Shane Black)
84. Away from Her (Sarah Polley)
85. Gracias por fumar (Jason Reitman)
86. El orfanato (Juan Antonio Bayona)
87. Chicago (Rob Marshall)
88. The 40-Year-Old Virgin (Judd Apatow)
89. Pleasantville (Gary Ross)
90. Force of Evil (Abraham Polonsky)
91. Drugstore Cowboy (Gus Van Sant)
92. Nanook of the North (Robert Flaherty)
93. Heathers (Michael Lehmann)
94. Lock & Stock (Guy Ritchie)
95. El amor está en el aire (Baz Luhrmann)
96. Bailando con lobos (Kevin Costner)
97. The Falls (Peter Greenaway)
98. Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio)
99. Asesino implacable (Mike Hodges)
100. Ratcatcher (Lynne Ramsay)

Estoy de acuerdo con la mayoría de títulos (los que he visto claro), pero no con el orden. Poner en el puesto 3 a 'La noche de los muertos vivientes' me parece un despropósito, es más, ni siquiera la considero una película genial ni nada...O en el puesto 4 'Al final de la escapada', una de las películas más sobrevaloradas de la historia del cine. Hay otras que las he aplaudido con las orejas: District 9, Reservoir dogs, Pi, Amores perros, El diablo sobre ruedas...Pero bueno, echadle un ojo y comentad si queréis.

miércoles, 6 de octubre de 2010

Put the blame on mame!

Quiero recordar con vosotros la fantástica canción "Put the blame on mame" que sale de los labios de la fantástica Rita Hayworth en "Gilda" y la torta que después recibe de Glenn Ford (que dicho sea de paso ha trascendido como una de las bofetadas más conocidas y representativas del cine hollywodiense). Una alucinante secuencia que me sorprendió en su momento y que considero que no ha perdido su impacto hoy día. Además la Hayworth está atractivísima, especialmente en el instante en que se quita el guante, donde derrocha sensualidad por todos los poros... ¡Que escena!

Mejor anuncio en 3d

Nos vamos a desviar un poco del cine, hacia la publicidad, para hablar del I 'Los Angeles 3D Film Festival', un festival que premia a lo mejor del año en el ámbito 3d, y que ha reconocido como mejor anuncio a éste que os voy a poner a continuación. El spot ha sido creado por españoles en tierras patrias, con carácter independiente y presupuesto 100% español. Si no lo habéis visto, hacedlo porque es muy bueno. El título, 'Inside'.

martes, 5 de octubre de 2010

Retrospectiva: Ser o no ser (1942)


Cuando se habla de comedia clásica sería imperdonable eludir la herencia que nos ha legado Ernst Lubitsch, director judío nacido en Alemania y posteriormente afincado en Estados Unidos, conocido principalmente por realizar maravillosas películas correspondientes a dicho género. “Ser o no ser” es una de sus obras más aplaudidas y recordadas…

La trama se desarrolla durante la ocupación alemana de Varsovia. En este marco tan deprimente, el actor polaco Joseph Tura y su esposa María Tura (también una famosa actriz) forman parte de una compañía de teatro que se ve obligada, debido a las presiones políticas, a dejar de escenificar una obra en la que ridiculizan a los nazis, teniendo que reemplazarla por “Hamlet” de Shakespeare. Al mismo tiempo, llega a oídos de la compañía a través de un ferviente admirador de María Tura que pertenece a la Resistencia, que un espía de la Gestapo tiene intención de entregar una lista con el nombre de los colaboradores de dicho movimiento que operaba contra las potencias del Eje durante la Segunda Guerra Mundial. Es entonces cuando los actores de la compañía intentarán ayudarle en esta peligrosa situación, haciéndose pasar por nazis e infiltrándose en el cuartel general de las SS con el fin de sabotear sus intenciones. Con todos estos condimentos citados, el director da rienda suelta a la farsa y a un sinfín de situaciones enrevesadas y confusas…

Estamos ante un film muy arriesgado si tenemos en cuenta que satirizaba la cruda situación que se estaba viviendo en Europa durante la mismísima Guerra, ya quisieran hoy día numerosos directores que presumen de “políticamente incorrectos” y “transgresores” hacer películas tan atrevidas y polémicas como lo fue ésta. Fue una sabia decisión por parte de Lubitsch irse a Estados Unidos a rodarla, ya que así trasladaba al panorama americano las penurias que se estaban viviendo en el viejo continente con algo tan contagioso como es la risa, además de paso evitaba posibles censuras. Quizás Lubitsch quería despertar (conscientemente o no) el interés de los “yankees” sobre aquellos terribles sucesos de esta manera tan efectiva.

El guión de “Ser o no ser” es muy inteligente y está muy bien elaborado. Una de sus bazas principales es que aborda situaciones cómicas pero contempladas desde la seriedad más absoluta, es decir, los diálogos no están forzados para hacer reír al espectador; sino que las mismas situaciones en sí son tan absurdas que uno se acaba riendo viéndolas. En definitiva, no hacen falta chistes simplones para sacar una sonrisa.

Brillan los actores del reparto: Carole Lombard está adorable (lástima que falleciera trágicamente a causa de un accidente aéreo poco después de este film) y Jack Benny excelente en su rol del reputado actor de teatro Joseph Tura, inseguro siempre con sus interpretaciones en el escenario, y en ocasiones incluso celoso profesionalmente de su mujer con la que comparte cartel. Esa competición entre marido y mujer se acentúa cuando aparece el pretendiente más joven de María que confiesa su amor por ella. En cierto modo se forma un triángulo amoroso muy divertido, pero la gracia reside en que dicho triángulo queda relegado a un segundo plano, ya que se da a entender que hay cosas más importantes por las que preocuparse antes que unos líos de cama (la misma invasión de Polonia por poner un ejemplo). ¡Hasta Joseph Tura olvida o presta poca atención durante el film el hecho de que su mujer está viéndose con otro hombre por el que se siente atraída! Es bastante ocurrente a mi modo de ver…

Concluyendo, es una película dinámica y ágil que demuestra que se puede reinventar el pasado bajo un prisma irónico si se hace bien: recordemos que un par de años antes Charles Chaplin había firmado otra ácida comedia sobre el nazismo (“El gran dictador”) y se me viene también a la cabeza la reciente película de Tarantino por poner otro ejemplo, donde ofrecía su particular visión de cómo termina el Tercer Reich y funciona sin problema alguno. “Ser o no ser” no ha perdido efecto con el paso de los años, además es una obra maestra que subraya la idea de que a veces de los mayores desastres pueden sobrevivir interesantes ideas gracias al sentido del humor…

La frase para no olvidar: “Lo que le hizo a Shakespeare, nosotros se lo estamos haciendo ahora a Polonia” (dicha por un general alemán que se está refiriendo a la actuación de Joseph Tura cuando hace “Hamlet”).

lunes, 4 de octubre de 2010

The runaways (2010)

Aunque muchos a primera vista piensen que 'The runaways' sea tan sólo una película ñoña por y para adolecentes, les diré que tienen toda la razón, pero también les diría que se equivocan si creen que por eso es una mala película. Simple y llanamente, The Runaways nos cuenta la historia del grupo homónimo que tuvo bastante éxito allá por los años setenta y cuya historia fue más bien corta pero sin pasar desapercibida. Podrá gustar más o menos, pero si bien es cierto, la película es un fiel retrato de la historia de la banda y cuenta sin tapujos y sin ningún pudor los problemas internos y excesos que llevaron a la desintegración de la misma.

Quizás sea una película dedicada principalmente a amantes de la banda o de musicales biográficos más que a un público en general. Digo esto porque el gran fallo de la película se basa en que no está situada en ningún contexto, ni social, ni cultural, ni musical (tan sólo un guiño a David Bowie), ni político, ni de ningún tipo. La película se centra sólo y exclusivamente en las 5 chicas que formaron el grupo, sin dedicar atención a otros aspectos que hubieran dado más complejidad y calidad a la cinta. Además la acción transcurre muy rápido, el grupo se forma rápidamente de la nada, encuentran mánager fácilmente que les proporciona una gira sin haber grabado siquiera un disco y de golpe empiezan a tomar drogas y con la fama subida a la cabeza sin que el espectador se tome un respiro. La directora (Floria Sigismondi) sin duda puso todo su empeño en quedar bien, pero a veces parece que intenta ir demasiado lejos para una película que no lo necesita, aunque también tiene muy buenos aciertos en varios puntos de las películas, principalmente en las escenas musicales de las chicas (donde se nota claramente su experiencia rodando videclips).

Éstos números son realmente el punto fuerte de la película. La banda sonora sin duda es genial, con temas de los propios Runaways bastante interesantes y otros de distintos grupos que animan la película y que se agradecen. Ésto unido a la ambientación, los decorados, peinados, vestuarios, y lugares, hacen que la película impacte más por lo estético y visual que por lo cinematográfico. Además la veracidad de la historia es completa, debido sobre todo a que las propias integrantes del grupo supervisaron todo el rodaje. Por contra, los diálogos son más bien pobres y forzados y para mi gusto algunas escenas son demasiado largas, y otras importantes demasiado cortas. Se centran principalmente en Joan Jett al principio de la película y en Cherrie Currie al final, tratando los problemas familiares de ésta pero de una forma un tanto basta.

En cuanto a las intérpretes, Kristen Stewart deja a un lado la saga crepusculiana para hacer una película de verdad, y aunque no lo borda, interpreta de una forma más o menos convincente a Joan Jett. Ignoro si es ella la que canta, pero si es así, sin duda tiene una buena voz. En cuanto a Dakota Fanning, por mucho que dijeran que era una niña prodigio, yo nunca la vi así, y para mí hace una actuación muy mediocre, demasiado exagerada como la autodestructiva Cherrie Currie. El resto del reparto está bien, sin destacar nada en especial.

En resumen, si os gustan los Runaways, os gustará la peli, si os gustan los biopics musicales, probablemente también, y si os dan igual las dos cosas, tampoco os perdéis nada, pero se echa un rato entretenido.


domingo, 3 de octubre de 2010

Machete (2010)


Es sabido que Robert Rodriguez es un reconocido director mexicano cuanto menos peculiar dentro del panorama cinematográfico actual, en un principio realizaba trabajos con bajo presupuesto hasta que consiguió crear su propia productora: Troublemaker. Si analizo con detenimiento su carrera, me encuentro con que ha sido muy irregular desde entonces, “El mariachi” fue la cinta que le catapultó a la fama en Estados Unidos, y su secuela “Desperado” ayudó además a que Salma Hayek fuese conocida entre el gran público y a que Antonio Banderas tuviese un papel protagonista en el mercado americano, lo cual fue bastante positivo. A partir de aquí, ha firmado trabajos de alta calidad que se han quedado grabados en mi retina, tales como el fragmento que dirigió en “Four rooms”, “Sin City” o la reciente “Planet Terror”; sin embargo los ha alternado con productos, bajo mi punto de vista, mediocres, cutres y de ínfima calidad, como la saga infantiloide de “Spy kids” (que según sus palabras la hizo porque uno de sus sueños era crear una saga familiar para niños, algo que me parece lícito pero ¡que deje de sacar más secuelas por favor porque ya hay suficientes!).

Como guionista, montador y compositor no hay duda de que es una máquina, pero siempre tendrá el punto flaco cuando planea la duda sobre si gran parte de su mérito dirigiendo se debe a la influencia que ha recibido de su colega Quentin Tarantino, con quien forma un tándem sobresaliente innegable. En mi opinión, considero que Rodriguez tiene su sello propio y el hecho de que tome referencias tarantinescas en sus films no es algo objetable porque los directores de cine se inspiran mutuamente. Por otra parte nadie tendría más derecho que Rodriguez para hacerlo porque por algo son muy buenos amigos y compañeros de trabajo.

Habiendo resumido algunos rasgos de Rodriguez como realizador, paso a comentar “Machete”. De entrada, no se trata de una película profunda ni seria porque no es lo que pretende; más bien es un despropósito en toda regla. Ya en el tráiler se dejaban claras sus intenciones, es decir, tenía todos los ingredientes necesarios para ofrecer una ración desmedida y desternillante de sangre a chorros, cabelleras cortadas, tiroteos, explosiones, peleas, cuerpos femeninos desnudos mostrados gratuitamente, etc. Y en ese sentido, cumple lo que promete, no engaña a nadie porque el objetivo es echar unas risas y pasar un rato divertido (claro que es respetable y comprensible que haya gente que no tenga estómago para aguantar ese tipo de humor tan agresivo, por eso lo advierto de antemano).

Mucha gente piensa que el origen del personaje de “Machete” se remonta al falso tráiler que Rodriguez incluyó en “Planet Terror”, cuando lo cierto es que ya desde el año 1994 quiso haberla rodado. Lo que ocurrió fue que se embarcó en otros proyectos y lo dejó aparcado hasta que ahora ha visto conveniente sacarlo a la luz (quizás por el gancho que tuvo entre el público cuando mostró brevemente al personaje en dicho falso tráiler). Es curioso porque ha recuperado las escenas que ya salían en ese breve tráiler del 2007, añadiéndoles un argumento improvisado que encaje lo mejor posible con las mismas hasta conseguir una película de hora y media. No sé qué opinareis, pero para mí tiene su mérito; aunque muchos gafapastas y críticos no lo valoren y la consideren seguramente un bodrio absoluto…

Todo está contemplado desde la parodia, la caricatura y la sátira, desde sus secuencias cafres y violentas hasta el trasfondo político sobre la inmigración que se expone exageradamente sin tapujos en la cinta. Si refrescamos la memoria, recordamos que esto mismo lo hizo ya Rodriguez en el díptico “Grindhouse” que compartió a medias con Tarantino, donde ambos homenajeaban y rescataban del olvido ese cine “gore” y casposo que tan popular se hizo en los años 70 en Estados Unidos, elevándolo a la categoría de arte incluso (con un presupuesto mayor y con mejores medios). Para aquellos que lo desconozcan, el título de “Grindhouse” era un guiño que hace referencia a las salas de cine que proyectaban películas de serie Z, habitualmente en sesiones dobles y en pésimas condiciones. Mientras que de las dos cintas que componían “Grindhouse” la de Tarantino fue una decepción, “Planet Terror” de Rodriguez fue todo un acierto y “Machete” bebe mucho de ese estilo.

Diseccionando los personajes, me doy cuenta de que sin ellos no habría cinta: Danny Trejo es perfecto como el justiciero mexicano “Machete”, la inexpresividad de su curtido rostro (no cambia la expresión prácticamente) es idónea para el papel que interpreta, destaco sus frases tipo robot como “Machete improvisa” que son muy graciosas; Steven Seagal de villano está tal vez demasiado hinchado y viejuno para pelear cuerpo a cuerpo, pero es convincente (me encanta su coletilla “Puñeta”); Lindsay Lohan vestida de monja que busca venganza se me queda corta, esperaba que le sacaran más partido a su personaje, no estaría mal una secuela que la tuviese de protagonista (podría rodarla en los ratos que no pasa en la cárcel, pobre chica); Jessica Alba enseña todo aquello que no mostró en “Sin City” (desconozco si será su cuerpo o habrá retoques); Michelle Rodriguez en su línea también, sigue explotando su lado masculino como ella sabe y le funciona; y por último Robert DeNiro nos deleita con una de sus interpretaciones más logradas de estos últimos años, se lo pasa pipa haciendo de senador republicano que odia a los inmigrantes irracional y visceralmente (su campaña electoral sensacionalista para ganar votos es genial). Mención aparte merece el cura armado hasta los dientes interpretado por Cheech Marin. Prestad atención a los gags que incorpora Rodriguez de otras películas suyas, como la incursión de las gemelas de “Planet Terror” que también aparecen aquí.

Sin extenderme mucho más, me encanta que Rodriguez muestre a todas las mujeres del film como luchadoras y guerreras que no esperan ser salvadas por un héroe, sino que ellas mismas saben defenderse solitas. Hasta Jessica Alba, que es quizás la más “femenina” en lo que a look se refiere, utiliza sus tacones de aguja como arma para defenderse. Cada una de las féminas posee un rol con una estética particular muy bien definida.

¿Era necesario hacer “Machete” o habría bastado con ese tráiler ficticio? Eso ya lo dejo a gusto del consumidor, en mi caso pagué los 6.50 euros gustosamente y no me dolió.