miércoles, 30 de junio de 2010

Retrospectiva: Eva al desnudo (1950)


Antes de ponerme manos a la obra a diseccionar esta obra maestra, primero debo hablar de Joseph L. Mankiewicz, uno de los genios sin ninguna duda del séptimo arte. Antes de su desempeño como director, Mankiewicz ya era un afamado productor, donde podemos destacar principalmente 'Historias de Filadelfia'. Pero sin duda su labor como director fue la más prolífica: 'Carta a tres esposas', 'Julio César', 'Cleopatra', 'De repente, el último verano' y sobre todo, 'la huella' y la que hoy nos ocupa. En su carrera ganó numerosos premios, varios globos de oro, oscars, el beneplácito de la crítica en casi todas sus obras y numerosos éxitos. Es por esto un nombre fundamental en el cine clásico, y debo decir que muchas veces olvidado. No todo es Hitchcock o Billy Wilder.

Eva al desnudo ('All about Eve') trata sobre la fama en el mundo el espectáculo y las pasiones que desencadenan en los espectadores, y principalmente, del miedo que sienten (o que sentían) las actrices de la época a hacerse viejas y convertirse en estrellas en decadencia, un tema bastante común y ya visto en otras películas como 'El crepúsculo de los dioses' o '¿Qué fue de Baby Jane?'. Margo Channing (Bette Davis) es la encargada de dar vida a una de estas actrices que sienten que su último momento en el espectáculo está llegando.


Pero realmente, el argumento de la película no se centra exclusivamente en Margo, sino en Eva (Anne Baxter), una fiel admiradora que día tras día la espía escondida en el teatro donde Margo realiza su última obra. Después de ver toda la temporada, Eva decide dar un paso adelante y dejar de esconderse, y para ello se da a conocer a Karen (Celeste Holm), una buena amiga de Margo y esposa de Lloyd Richards (Hugh Marlowe), guionista de la obra y de una gran fama entre los críticos y el mundo del teatro. Eva le causa una grata impresión a Karen, su humildad y sinceridad la conmueve, por lo que Karen decide presentarla a Margo, a lo que Eva se niega debido a que no podría estar delante de la persona a la que más admira en el mundo. Karen la convence, y Margo conoce a Eva en su camerino. Eva narra su vida, su infancia, su matrimonio con final trágico, sus vaivenes...y Margo cae rendida ante ella, al igual que Karen anteriormente. Además entra en escena el personaje de Bill Simpson, amante de Margo y director de la obra. Por ello, Margo en su fuero interno decide hacerse su protectora, y Eva se va a vivir con ella, demostrando ser una fiel ayudante, leal, trabajadora y sin arrogancia, contrastando con Birdie, la otra ayudante de Margo, que es todo cinismo y diálogo punzante.
En este momento entra en juego otro personaje clave en la historia: Addison DeWitt (George Sanders), un afamado crítico de cine que es pieza clave en el entramado final de la película. Eva poco a poco va ganándose la confianza de todos y cada uno de los allegados a Margo, tratándola como a una igual pese a no pertenecer al teatro. Por ello, Bill, Lloyd y Karen le cogen un especial cariño. Margo ve esto, y sus celos comienzan a surgir, pero sus amigos niegan las acusaciones que ella les lanza y la tratan como a una desquiciada que siempre ha tenido y ha hecho lo que ha querido, sin importarte nada más. Por ellos incluso llega a romper con Bill. Parece ser que los problemas provienen de los celos que Margo siente hacia Eva y de la primera actuación que Eva realiza, obteniendo excelentes críticas, sin embargo, nada más lejos de la realidad, puesto que Eva no es tan mosquita muerta como aparenta y sus acciones atraerán muchos problemas, incluso para sí misma.



La película comienza con una genial introducción de manos de un narrador, el propio Addison DeWitt, situado en el salón de una asociación que premia a lo mejor del año en el teatro (algo así como los Tony me supongo yo), y donde nos va presentando a cada uno de los personajes, y porqué estamos ahí con una impresionante puesta en escena y una música de fondo de éstas que hace que la gente se sienta importante. El narrador no es el mismo en toda la película, sino que en ocasiones salta de Addison a Karen o a Margo, para contar cada una la historia desde su propio punto de vista y sus vivencias. En la escena de los premios, podemos apreciar como ante los aplausos y las sonrisas de todos cuando Eva recoge el siguiente premio, contrasta con la seriedad y frialdad en las caras de Karen y Margo, preparando al espectador para lo que vendrá después.

Bette Davis hace un papel un poco especial en su carrera (tampoco la he visto toda), creando un personaje muy humano, divertida y cínica a veces, pero con problemas emocionales y un miedo constante, especialmente a la vejez ('Los tienes ante tí, los restos de Margo Channing', le dice a Bill) y a perder a Bill. Ella misma afirma, que lo más difícil en la carrera de una mujer, es ser mujer. La seguridad que desprende como actriz no lo desprende como mujer, y sin embargo la amargura que sí desprende como actriz encima del escenario se compensa con la alegría y la ironía con la que Margo se defiende fuera.

El resto de personajes están igualmente bien definidos y cada uno tiene un papel fundamental en la historia. Todo ello es posible a la interpretaciones que todos realizan, pero destacando principalmente a George Sanders en un papel frío y metódico, pero con chispa que le valió el Oscar a mejor actor secundario. Anne Baxter es quizás a la que considero más floja, lo hace muy bien pero en ocasiones exagera demasiado la timidez de Eva, aunque en las escenas donde se muestra el carácter agresivo de ésta la cosa cambia. Y por supuesto, Bette Davis, inconmensurable en uno de los mejores papeles femeninos de la historia del cine, y casi me atrevo a decir que el mejor.


Una increíble sátira adaptada de un hecho real vivido por la actriz Elisabeth Bergner cuando interpretaba "The Two Mrs. Carrolls" entre 1943 y 1944, en un hecho similar al de la película. Al llegar la historia a manos del productor Zanuck y de Mankiewicz, rápidamente pusieron en marcha la maquinaria para dar lugar a la filmación de la película. Ganó 6 oscars, entre ellos del de mejor película, director y guión adaptado, además del premio a mejor actriz para Bette Davis en el festival de Cannes, y el bafta a la mejor película. Tiene el récord de nominaciones para una película, empatada con Titanic:14. Fotografía en blanco y negro ostentosa, buenísimos diálogos, narración constante pero agradable...los adjetivos son pocos para la que es sin duda, una de las mejores películas de la historia del cine, un clásico entre los clásicos y la película que elevó a Davis y a Mankiewicz a los altares de Hollywodd.

Ronin.

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Es imposible resistirme a escribir sobre "Eva al desnudo" porque se trata de una de mis cintas favoritas de la historia del cine. Como Ronin ha dicho prácticamente todo sobre ella, sólo haré algunas acotaciones personales con una enumeración de aquello que me resulta más interesante:

1. Indiscutiblemente, Bette Davis está magnífica, sabe mostrar en un mismo plano diferentes expresiones con tan solo una mirada o un gesto de mano. Es un animal escénico que perdurará eternamente. De ella habría que hacer una entrada aparte...Una pena que ni ella ni Gloria Swanson (nominada el mismo año por "El crepúsculo de los dioses") se llevaran el Oscar porque sus papeles bien lo merecían.

2. Anne Baxter no se queda corta, es cierto que su interpretación es más débil, pero consigue plasmar la frialdad de su personaje, que representa lo que hoy entenderíamos como una trepa (solo que en los años 50).

3. Su sentido homenaje al mundo del teatro y sus tejemanejes con moraleja incluida: "la fama es efímera, siempre llegará alguien que ocupe tu lugar tras de tí"

4. La nostalgia que transmite su visionado porque te hace rememorar ese Hollywood dorado ya hoy perdido prácticamente...

5. Si os fijais atentamente en la segunda foto que ha incluido Ronin, vereis en segundo plano a Marilyn Monroe en el papel de Miss Casswell. Aunque su personaje sea irrelevante y olvidable porque interpreta a la típica aspirante a actriz atractiva e ingenua que va del brazo de magnates con renombre para escalar peldaños en la profesión, resulta muy anecdótico si se analiza con perspectiva porque probablemente fuera un reflejo en cierta medida de cómo se comportaba ella en la vida real y además muestra cómo sus atributos la convirtieron en el mito que llegó a ser con el paso de los años (ese atractivo y esa ingenuidad que tanto explotó y que encandilaron a todo el mundo precisamente). Es posible que esta ingenuidad, tanto del personaje como de la actriz, fuese aparente; pues se ha dicho en repetidas ocasiones que era plenamente consciente de todo lo que hacía, de todos modos ya no lo sabremos...Lo que sí es más evidente es que se convirtió en un icono sexual (guste o no guste).

Poco más puedo decir, "Eva al desnudo" es un clásico porque siempre será atemporal, como los ojos de Bette Davis...

Juanmez.

sábado, 26 de junio de 2010

El retrato de Dorian Gray (2010)

Me resulta inaudito que Oliver Parker (director de la brillante “Otello” de Kenneth Branagh) haya firmado esta ínfima versión de la novela escrita por Oscar Wilde, cuyo argumento es universalmente conocido: un bello joven llamado Dorian Gray (Ben Barnes) es retratado en un lienzo por el artista Basil Hallward (Ben Chaplin). Cuando Dorian observa el cuadro se percata de que un día su belleza desaparecerá y expresa su intención de mantenerse siempre joven, tal y como refleja la pintura. Inesperadamente, su deseo se hará realidad, y mientras él se conserva lozano a medida que pasa el tiempo, la figura que aparece en el cuadro va envejeciendo en su lugar. Paralelamente, su amigo Lord Henry Wotton (Colin Firth) le conducirá a través de un mundo de perversiones y vicios que tiene como fin último la búsqueda del placer. Como el retrato simboliza su alma, todos los actos impuros que va cometiendo se materializan en el mismo, dando como resultado una imagen desfigurada y grotesca que comienza a convertirse en su única obsesión…

Advierto a todo el que no haya visto la película y no quiera saber nada que no lea a partir de aquí. Si notáis que me he cebado más que de costumbre criticando la cinta disculpadme de antemano, puede que sea porque siento un especial aprecio por el libro.

Considero que el principal problema de la cinta es el montaje porque utiliza la banda sonora como hilo conductor de la narración en detrimento de las transiciones y la continuidad entre las escenas, que se antojan atropelladas e inconexas en buena parte del metraje. No digo que sea mala idea servirse de la música para guiar una historia; tan solo que si se lleva a cabo esta técnica, no debería entorpecer la sucesión de acontecimientos de la trama. Esto para mí es un error digno de principiantes casi.

Si el montaje es pésimo, la adaptación no se queda corta. Un servidor es de los que piensa que las licencias que se toma un director a la hora de llevar una obra literaria al cine son bien recibidas “a priori” porque aportan frescura e incluso nuevas interpretaciones acerca de la misma, siempre y cuando no se carguen su esencia. Pues desgraciadamente es lo que ocurre en esta ocasión porque se inventan una serie de patrañas que no aportan nada nuevo y para colmo enturbian el clásico de Wilde: los flashbacks cutres que muestran el supuesto maltrato de Gray cuando era pequeño o la innecesaria presencia de la hija de Wotton en el tramo final de la cinta (digo innecesaria porque encima de que no aparece en el libro, es un personaje completamente prescindible por muy bien que lo interprete Rebecca Hall) son buenos ejemplos de ello.

Lo que me da rabia es que teniendo tan buen material de partida, Parker haya escogido el camino fácil al mostrar todo aquello que en el libro tan solo se insinuaba o se sobreentendía, eliminando de un plumazo todas las variadas lecturas que tiene la obra original; como la velada homosexualidad del personaje de Basil y su supuesta atracción por Dorian, que quedan expuestas de la manera más vulgar en el film. Este gusto por lo simplista se reafirma en la importancia que cobran las bastas y exageradas imágenes de sexo explícito (tampoco detalladas en el libro) rodadas con el único fin de crear morbo y carentes de profundidad…

Con respecto al tratamiento del cuadro, tampoco he quedado muy satisfecho porque es simplemente bochornoso. Tan solo decir que la figura del cuadro ruge e incluso “cobra vida” en la escena final. Por favor, ¡un poco de seriedad que parece el típico monstruito de una película para niños pequeños! Si lo que pretendían era provocar algún sustillo, dudo que lo hayan conseguido…Nunca sabré si uno de los objetivos del director era provocar algo de miedo en el espectador porque es innegable que a ratos se consigue alcanzar cierto clímax cargado de tenebrismo, pero éste lamentablemente queda anulado cuando se intercala con recursos gratuitos, prescindibles y manidos, como el plano en el que aparece el personaje de la difunta Sibyl Vane (Rachel Hurd – Wood) mirando fijamente a cámara caracterizada como si la niña de “The ring” se tratase o aquel en el que se enseñan los trozos despedazados del cuerpo de Basil siendo arrojados al río por Dorian... ¿De verdad eran necesarios? A mí solo me dejaron mal cuerpo porque son escenas que desentonan con el resto de la película, una película que teóricamente no debería orientarse hacia ese tipo de “terror” porque repito: ¡no hace falta!

Centrándome en la actuación de Barnes, apuntar que no es gran cosa desde luego, por un lado se aprecia la transformación del personaje en su rostro, pero hay momentos en los que parece un maniquí que solo sabe posar muy bien. Concluyo aquí porque podría seguir pero no acabaría nunca, ni siquiera la excelente interpretación de Colin Firth ni la aceptable dirección artística de tintes pseudogóticos son capaces de salvar este film que, desde su concepción diría yo, estaba condenado a caer en el olvido…

jueves, 24 de junio de 2010

The blind side (2010)


Hoy toca hablar de una de éstas típicas películas que tanto gustan a los americanos, de superación personal, rico ayuda a pobre, niño con complejos que los supera y todo ese rollo que vemos una y otra vez y nos caaaansa, pero que en tierras yonkis hace que los americanos lloren y le hagan la ola. Hoy toca hablar de unos de esos BODRIOS.

Aunque se haya estrenado a mitades de año, The blind side fue una de las sorpresas en la pasada edición de los Oscars, principalmente por el sorprendente Oscar a una teñida Sandra Bullock, compitiendo contra gigantes como Helen Mirren o Meryl Streep. Además, fue nominada a otro premio más, ni más ni menos que al de mejor película. Analicemos la peli y comentemos esto más detenidamente.

La película comienza con un hombre que mete en un colegio de éstos elitistas y privados de Estados Unidos a un amigo de su hijo, un tanto especial. El chico no destaca en nada, no sirve ni para las matemáticas, ni para los idiomas, ni siquiera para echar cuenta a la profesora, eso sí, es un crack en los deportes, y más en los que se juega con pelota (difícil verlo montado sobre skies). El chico en cuestión se llama Michael Oher, interpretado por Quinton Aaron de una forma bastante correcta, aunque a veces se pase un poco con la cara de desgana del personaje y de no entender absolutamente nada constantemente. 



El chico va a la escuela como uno más, pero al salir no lo recogen sus papás en sus cochazos de lujo, sino que va a la tintorería a lavar su ropa para el día siguiente (ropa que guarda en una bolsa de plástico) y duerme prácticamente en la calle, a excepción de las ocasiones en las que duerme con el amigo del principio. La escena es bastante dramática e incluso algo traumática y da bastante pena como el chaval tiene que pasar por ello, debido a una madre ( a la que veremos más adelante) drogadicta que lo tiene absolutamente abandonado. Sin embargo, el director (Lee Hancock) muestra el hecho desde el punto de vista más penoso posible, ¿realmente el chico va del colegio a la lavandería y se hace de noche en cuestión de unos pocos minutos (reales en la película)?¿o acaso la lavandería está a kilómetros de distancia?. Si el chico no tiene dinero, quizás lo mejor sea que trabaje y no que vaya a la escuela, eso puede hacerlo más adelante cuando tenga algo ahorrado. No critico el hecho en sí, sino la forma en que el director lo aborda, no se trata de dar pena, sino de darla con 'sentido y sensibilidad', por favor.

El chico hace este viaje todos los días, hasta que en una ocasión un coche en el que va montada una típica familia americana adinerada y republicana que vienen de ver el tradicional partido de béisbol del instituto, se para y cómo no, lo recogen (sí, así sin más), y no contento con ello, le dejan pasar la noche en su casa, pero además, el chico comienza a vivir con ellos. Cómo no, la madre de la familia es Sandra Bullock.

Ésta es la premisa básica de la película, en el que más adelante se centra en el muchacho en sí, sus orígenes, su barrio marginal, su padre inexistente, su madre drogadicta, y sus problemas con el mundo, hasta que consigue meterse en el equipo de rugby del instituto (que era a lo que había ido a hacer allí), y poco a poco consigue llamar la atención de varias universidades importantes, que quieren que estudien con ellos para que jueguen en los respectivos equipos. Para ello, Michael tendrá una profesora particular (Kathy Bates, lo mejor de la película como siempre) que le pondrá al día en las materias necesarias para conseguir la nota para poder ser admitido. Cómo no, lo consigue.

En la película los temas a tratar son bastante universales e importantes: la pobreza en la periferia de grandes ciudades, asuntos de drogas que conciernen a niños pequeños debido a que sus madres caen en sus redes, niños sin futuro, etc, y que al final de la película nos lo resume el director en unas cuantas frases, por ejemplo, muestra a un chico del barrio de Michael muerto, y pregunta ¿que hubiera pasado si éste chico hubiera tenido una educación?.
Por lo tanto, la premisa es completamente correcta, y no tengo nada que objetar. Pero donde sí debo hacerlo es en el punto de vista que el director nos ofrece, cayendo una y otra vez en los topicazos, con escenas rápidas en las que no da casi tiempo a asimilar nada, y dónde yo me pregunto si la moraleja de la película no es sino: Para salir de la pobreza y ser alguien en la vida, sólo hace falta una cosa, dinero. Porque eso es lo que el personaje de Sandra tiene y lo que Michael no, y el dinero es lo que consigue que Michael entre en el instituto, y pagar a una profesora particular para conseguir entrar en la universidad. Por lo tanto, ¿qué superación personal hay?. Bajo mi punto de vista, ninguna.
La película está basada en un hecho real. El personaje de Michael fue designado hace un par de años mejor jugador de la NHL americana (se muestra al final de la película) y es un peso pesado en el mundo del rugby, por lo tanto no puedo decir que los hechos de la película estén inventados, porque obviamente no. Pero si alguien, después de ver la película se cree algo de lo que sale ahí, que me lo diga, porque yo no me creo nada.


Y por último, hablar cómo no de Sandra Bullock y su histérica interpretación de madre coraje contra el mundo. ¿Oscar?, bajo mi punto de vista, no. Su interpretación es simplemente, correcta para el tipo de película, si se lo dan por esta ¿por qué no se lo dieron por Speed? Ahí sí que estaba genial. Pero como siempre, todos los años suenan campanas por un actor, a veces su interpretación es buena y convence a todos, y a veces simplemente, es el nombre y las ganas de dar un premio. Éste año tocaba Sandra Bullock.
Así que decir que para mí The Blind Side es de lo peor que he visto este año, y la peor de todas las películas nominadas a mejor película en los Oscars, dejando fuera a buenas cintas como 'La carretera', '500 días juntos', 'resacón en Las Vegas', u otras, aunque no diré nada más puesto que las dos últimas no las he visto, sólo me baso en las críticas leídas. Es un auténtico bodrio, de éstas que Antena 3 echa por las tardes de los fines de semana y que no ve nadie.  Ah, se me olvidaba, la tontería esa del 'lado ciego' que nos cuenta al principio de la película y que le da nombre, ¿a qué viene?. Para nada recomendable.

martes, 22 de junio de 2010

La fiesta de Matilda

Este video va dedicado a todos los incondicionales de "Matilda" ¿Quién no querría alguna vez tener una fiesta como la que se monta ella solita en su casa con su mobiliario como compañía? Consideradme infantiloide pero yo firmo donde haga falta para disfrutarla. Me encanta sobre todo el final cuando todo vuelve pacíficamente a su sitio XDDD.

miércoles, 16 de junio de 2010

Retrospectiva: La costilla de Adán (1949)

“La costilla de Adán” es una prueba fehaciente de que de unir a dos estrellas archiconocidas que mantienen una relación en la vida real en una misma película no es un fenómeno exclusivo del cine de las últimas décadas, sino que es algo que ya se estilaba en los años 40. Antes que otras inolvidables parejas que han compartido pantalla como Elizabeth Taylor y Richard Burton, Woody Allen y Diane Keaton/Mia Farrow o Kenneth Branagh y Emma Thompson (por citar tres ejemplos al azar); no nos podemos olvidar de Spencer Tracy y Katharine Hepburn, que además coprotagonizaron más films juntos…

Amanda y Adam Bonner son un idílico matrimonio de abogados que se deben enfrentar en el tribunal como fiscal y defensor, respectivamente, del mismo caso: una mujer llamada Doris Attinger es acusada por intentar asesinar a su marido y a la amante de éste. Adam no duda en su culpabilidad, por el contrario Amanda basa su defensa en la igualdad de derechos.

George Cukor dirige esta divertida comedia en la que aborda de manera ingeniosa la batalla de sexos y que probablemente ha servido de modelo para muchas cintas posteriores. Su principal baza es el tándem Hepburn – Tracy, cuya complicidad es palpable en todo momento. Al tener que interpretar un matrimonio, ambos se comportan como si no hubiera cámara que les grabase, aprovechando al máximo esa química que existía entre ellos fuera del rodaje. Son, sin lugar a duda, el motor de la película.

Aparte de los protagonistas, quizás sean los diálogos lo siguiente que merece la pena ser destacado: son ágiles, inteligentes e incluso diría que muy actuales. Buena prueba de ello son las discusiones sobre estereotipos sexuales o sobre formas de comportamiento, perfectamente extrapolables a cualquier conversación que se pueda mantener hoy día. No considero en ningún momento que sean temas desfasados o que hayan perdido interés con el paso del tiempo porque la guerra de sexos es y será un tópico imperecedero que siempre funcionará (no hay más que ver la cansina serie de “Escenas de matrimonio”).

En “La costilla de Adán”, el personaje de Katharine Hepburn defiende la igualdad de oportunidades para las mujeres; al contrario que su marido, que se niega a admitir que eso sea así considerándolo incluso un ataque a su hombría. Esto generará una rivalidad entre los dos protagonistas que traspasará los juzgados hasta el punto de resentir la vida conyugal que comparten.

Hay varias secuencias brillantes, pero las más memorables son la que ambos están en el juicio y se lanzan miradas cómplices por debajo de una mesa y aquella en la que Hepburn utiliza una astuta artimaña que consiste en llevar al juzgado a una serie de mujeres triunfadoras en sus respectivas vidas para reforzar su argumentación de que el género femenino es capaz de lograr y desempeñar oficios igual de reputados que los de los hombres (la acróbata en particular es desternillante).

Lo único malo es el tema musical dedicado a Amanda (¡insoportable!), pero queda eclipsado gracias a la elegancia con la que nos deleita Hepburn en cada escena.

sábado, 5 de junio de 2010

Kick Ass (2010)

Un poquito de Kill Bill, otro de León el profesional, unas dosis de la mejor acción de John Woo, algo de Shoot´em up y un poco de cultura pop y lo que los americanos llaman geek, ¿y qué obtenemos? Kick Ass.

Mark Millar, cabeza pensante de Marvel empezó a escribir en el año 2009 (o finales del 2008) la historia de un chico al que le gustan los cómics y se hace la pregunta de: ¿nadie ha querido nunca ser uno?, a la que cualquiera de nosotros tiene una respuesta instantánea: claro que sí, ¿quién no ha querido alguna vez lanzar telarañas como spiderman, volar como Iron Man o que nos salgan garras como a Lobezno?. Por esto mismo, el chico (Dave Lizewski) decide convertirse en uno de ellos. Cuando Millar llevaba tan sólo dos números, llamó al director Vince Vaughn, y después de varias horas, llegaron a la conclusión de que trasladar el cómic que sólo acababa de empezar a la gran pantalla sería lo mejor que podrían hacer. Así que a la vez, el cómic y el guión de la película fueron gestándose poco a poco.

Una vez terminado el guión, empezaron a enseñarlos a varias productores, que escandalizados ante el hecho de que una niña de 11 años cortara gaznates y atravesara a todo el que se le pasara por delante, además de la brutalidad de algunos momentos, fueron diciendo 'no' al proyecto. Así que Vaughn llamó a su buen amigo Brad Pitt, que junto con alguno que otro más, acabó recogiendo el dinero necesario para llevar la película a buen puerto. Y menos mal.


Referencias a Superman (la primera vez que se viste de Kick ass), a Batman (el coche de Red Mist), a 'El bueno, el feo y el malo', y otras tantas, Kick ass es una mezcla entre película de acción, amor, comedia, adolescencia, y todo lo que se nos pueda ocurrir al terminar de verla, sólo que el conjunto en lugar de agobiar, me encanta.
Si quisiéramos explicar de qué va, ¿qué diríamos?.¿Un chico que se cree un superhéroe?¿un padre y una hija que buscan venganza contra un mafioso?¿la historia de amor imposible entre un geek y la más guapa de la clase? Kick ass aborda diferentes puntos de vista, y cada uno de ellos en su justa medida y de la mejor forma posible. Si bien es cierto, ninguno de esos puntos es genial, realmente todo se podría haber explotado mucho más. El guión no es tan desmesurado como debería serlo, las escenas de acción son demasiado lights (obviemos el caso 'Hit girl') y la historia de amor, en la que ella cree que Dave es gay no está tan bien llevada como en el cómic, donde era un verdadero drama y tenía un peso sustancial que en la película no se aborda debidamente. Por lo menos, en la escena en la que por fin se enrrollan, Dave no se corta ni un pelo... La mejor parte, es sin duda, la de Big daddy (Nicolas Cage) y Hit girl, donde Chloe Moretz hace un papel de los que enamoran, muy a lo Natalie Portman en 'León, el profesional', pero más bestia. Controvertido pero genial.


La película tendrá montones de detractores (creo que los mismos que Kill Bill, infravalorada donde las haya pero de más calibre que ésta), pero sin lugar a dudas, Kick ass ya ha introducido su nombre en la historia, o por lo menos, en el cine de superhéroes, desmitificando todo aquello que en Watchmen intentaron hacer sin éxito, y aquí han conseguido bordarlo. Lo que sí está claro, es que el térmido 'comedia', como he leído por ahí, no es la mejor palabra para definirla. Está presente en las escenas de Dave, pero no en las escenas de Kick ass, en la que la atmósfera y el ritmo de la película toman otra postura.


En resumen, esperaba un poco más, el cómic es una explosión de sangre, violencia y acción por un lado, y el drama que Dave vive día a día, y en la película no han conseguido mostrar esto al cien por cien. Quizás me equivoque y leyera el cómic desde un punto de vista equivocado, pero creo que no han conseguido exprimir el trabajo de Millar todo lo que se debería. Como ocurrió el año pasado con Watchmen, se han quedado cortos. Lo que sí es seguro, es que Tarantino se lo ha debido de pasar del carajo.