miércoles, 29 de diciembre de 2010

El infierno (2010)

Acabo de ver una joyita del cine mexicano que merece una mención en este blog. 'El infierno' es una película dirigida por Luis Estrada y rodada durante el pasado 2009 que trata el tema del narcotráfico en México, la supervivencia, violencia y desolación del norte del país, desde un punto de vista satírico, usando un humor negro no apto para estos argumentos pero que cumple perfectamente su cometido.

Crítica a la desigualdad social, la falta de oportunidades, al gobierno que no escucha, corrupción policial, entrometimiento de Estados Unidos y principalmente, una muestra del pueblo mexicano, abatido por el miedo y la pobreza que los rodea y los consume. Aunque todos estos temas parezcan demasiados para abordarlos, la película, de dos horas y media de duración los trata de lleno. Un tema lleva al otro, que por consiguiente lleva al otro, y así sucesivamente, creando un guión sólido y mordaz sin altibajos. Que dos horas y media se hagan cortas, es algo muy complicado. Aquí entra el enorme talento del director (además de guionista), recordando un poco a la Ciudad de Dios de Meirelles y en ocasiones, al Uno de los Nuestros de Scorsese, pero quitando mucho hierro al asunto porque lo que se quiere mostrar no es la crudeza, que la hay y mucha, sino todos los problemas sociales que el narco conlleva.

La historia comienza con la llegada al pueblo de Benjamín García (Damián Alcázar), después de 20 años en USA intentando sin éxito labrarse un puesto digno en la sociedad. Al llegar, descubre que el país que abandonó no tiene comparación con el que aparece ante sus ojos: tiroteos, suciedad, destrozos, abandonos...y lo más importante, el embrutecimiento de la población, la falta de respeto y consideración, y la ley del más fuerte como única ley. Todo esto a él le desconcierta '¿cómo puede estar el país peor que cuando me fui?', pregunta en una escena. Cuando comienza a preguntar a sus conocidos, descubre que su hermano falleció, y que había sido un respetado y temido líder narcotraficante. Benjamín jura vengarlo, y empieza a preguntar a todo el mundo por su hermano, hasta que da con Lupe (Elizabeth Cervantes), una prostituta de muy buen ver que fue la novia de su hermano hasta su muerte y con el que tuvo un hijo. Benjamín se enamora perdidamente de ella, y parece que ella le corresponde. Un día, el hijo de Lupe se ve metido en un lío, y lo meten en la cárcel. Benjamín, que es incapaz de ver a Lupe deprimida, decide pedir ayuda a su antiguo amigo Cochiloco (Joaquín Cosío), uno de los principales narcos de lugar y cuyo patrón, el señor Reyes, es el mandamás, y hermano del jefe de la otra gran banda de la zona, que sume la ciudad en tiroteos durante todo el día (ni el amor fraternal es rival para la droga). Benjamín se ve entonces inmerso en la vida del narcotraficante, descubriendo todas sus reglas y costumbres...y su dureza, todo esto bajo el marco de la celebración del segundo centenario de la Revolución Mexicana.

Un descubrimiento que me ha sorprendido gratamente, es poder ver por primera vez al gran actor Joaquín Cosío, que borda su papel de Cochiloco, un personaje estridente y excéntrico, lleno de matices. Cosío ríe, llora, intimida, asusta y a veces, incluso agrada. Son dos personas a la vez, el asesino despiadado y el padre de familia protector. Una enorme actuación de un enorme actor. Espero verlo en otra producción, realmente. El resto de actores, encabezados por Damián Alcázar, también están espléndidos, con su extraño spanglish y su acento mexicano (perfectamente entendible por cierto, algo de agradecer).

Lo interesante de la película, no es saber el final, que todos podemos preveer de antemano, sino cómo se llega a él: como la droga consume y atrapa, el dinero corrompe, la ambición traiciona...todo es un círculo vicioso que se repite una y otra vez y del que es casi imposible salir (atención a la escena final, muy reveladora). Los cárteles solo traen destrucción y nada bueno. La película muestra lo que es México (tan fielmente que muchos políticos y medios han arremetido contra ella), la ineptitud de los dirigentes y la desfachatez de los poderosos, todo ello bajo una banda sonora llena de música típica mexicana que consigue el efecto de que veamos como la sociedad acepta la droga como algo normal, no como la lacra a la que hay que eliminar. 'Si no fuera narco, no sería nada', dice Cochiloco. Si todos tienen esa manera de pensar, muy mal vamos.

Cinematográficamente la película es perfecta. Una fotografía espectacular, mostrando los rincones más oscuros de México (me recordaba a veces a The hurt locker) y las amplias llanuras desérticas (a lo 'Los tres entierros de Melquíades Estrada'); una dirección muy acertada, sin altibajos y un guión soberbio. Nada mejor que un buen guión lleno de humor negro para mostrar la negra realidad. Todo un peliculón, un auténtico descubrimiento para cerrar el año.

El discurso del rey (2010)


Cuando se reúnen en una misma película aquellos ingredientes idóneos para que ésta funcione (un sólido guión, un reparto de calidad, una lograda ambientación, etc.), rara vez suele ser un fracaso, y “El discurso del rey” no entra en esa excepción… Ejemplarmente narrada, esta cinta que aborda el problema de tartamudez que atormentaba al monarca inglés Jorge VI se erige como una impoluta y correctísima obra maestra que sonsacará alguna que otra sonrisa o lágrima a todo el que la vea…

El mayor peso del film recae en su sabiamente escogido reparto “british”, pero el que sobresale indiscutiblemente por méritos propios es Colin Firth, firme candidato a ganar el Oscar este año por esta exquisita interpretación llena de sutiles matices. En su rostro se perciben múltiples sensaciones que transmiten cercanía al espectador: la inseguridad que muestra por la tartamudez desde su infancia, su miedo a hablar en público, la responsabilidad que supone asumir ser rey sin desearlo, etc. En definitiva, una actuación de diez que no habría sido posible sin el mano a mano que su personaje tiene con el interpretado por un carismático Geoffrey Rush, que da vida al logopeda que ayudó al monarca a superar su trauma. Rush sabe dar la réplica a Firth sin inmutarse lo más mínimo, es otro grande entre los grandes digno también de recibir al menos una nominación. En cuanto a Helena Bonham Carter, Michael Gambon y Guy Pierce nada que objetar, están de lujo…

Como de lujo está todo lo demás vamos, pues el guión por ejemplo no se queda atrás: el film abre con un discurso del rey en público en el que vemos a un Firth aterrorizado frente al micrófono, y concluye a su vez con otro muy emotivo que demuestra cómo el personaje ha dominado su problema tras largas horas de terapia. ¿Demasiado redondo quizás? Estoy de acuerdo en que “El discurso del rey” no arriesga demasiado porque ofrece simplemente lo que nos prometía el tráiler en su justa medida, no hay cabida para la sorpresa; pero eso no impide que la película, como ya dije en el primer párrafo, sea una auténtica joya que debería ser vista por cualquiera que se considere amante del séptimo arte porque, además de todo lo citado ya, quiero añadir con total rotundidad que la trama no decae en ningún momento, que posee una factura impecable (destacando la banda sonora del maestro Desplat y la fotografía de Danny Cohen) y que además alterna fluidamente la comedia y el drama.

Lo mejor sin duda son las secuencias en las que salen Firth y Rush compartiendo plano, particularmente me quedo con la divertida escena en la que Firth se pone a decir tacos sin parar en las sesiones que mantienen juntos o el profundo diálogo que ambos sostienen en la Abadía de Westminster. También me ha llamado especialmente la atención lo bien integrada que está la situación política de la época durante la película; evitando ahondar demasiado en ella porque tampoco es necesario para la cinta, pero sí seleccionando lo básico para comprender qué estaba pasando en Europa en el preludio de la Segunda Guerra Mundial…

En fin, podría llevarme horas repitiendo lo mismo, pero sería innecesario: “El discurso del rey” es una de esas películas de visión obligada y no hay más que decir…

lunes, 27 de diciembre de 2010

Retrospectiva: El hombre que pudo reinar (1975)

Hoy os voy a recomendar una película que vi la pasada noche y que me causó una impresión bastante buena. Se trata de 'El hombre que pudo reinar', una producción norteamericana dirigida por John Huston (del que ya escribimos una retrospectiva de otra obra suya, 'El honor de los Prizzi') y producida por la Columbia Pictures en 1975.
El guión de la película es una adaptación de una novela corta de Rudyard Kipling, que aunque quizás no os suene mucho, puesto que es un autor indio, es ni más ni menos que el autor de El libro de la selva o Kim, y ganador del Nobel en 1907, todo un personaje sin duda.
En la película (es decir, en la propia novela), el autor se introduce en plena trama, y pasa a ser un personaje más, interpretado por el siempre carismático Christopher Plummer ('The last station')que se encuentra de golpe en su oficina (es periodista en un periódico indio) con un extraño personaje, que cuando se da a conocer resulta ser un antiguo amigo (Michael Cane) que marchó hacia un extraño destino 3 años antes y al que no veía desde entonces. Su aspecto deja mucho que desear: está sucio, cojo, medio ciego de un ojo y tuerto de otro y probablemente olería mal. Su amigo, de nombre Peachy Carnehan, empieza a narrar su aventura, y pasa a ser el narrador en off durante toda la película.
La historia no tiene desperdicio. Peachy conoce por casualidad a Kipling al robarle su reloj, pero al darse cuenta de que ambos son de una logia masónica, se lo devuelve, entablando una amistad a partir de la cual Kipling conoce a Daniel Dravot (Sean Connery), otro masón que junto con Peachy van a embarcarse en una aventura sin precedente: piensan ir a Kafiristan (buscando en wikipedia ha resultado ser una provincia de Afganistán) para crear un ejército y proclamarse reyes de lugar. Kipling obviamente, les toma por locos, pero él no sabe hasta donde puede llegar la terquedad de estas dos personas.
Huston es un director clásico, de eso no hay duda. Su estilo durante los 60 y 70 poco tiene que ver con las películas de Scorsese, Allen, Kubrick, Lumet, etc, y mucho menos de Spielberg o Lucas. Su estilo estuvo perenne durante toda su filmografía y en ésta por supuesto. El hombre que puedo reinar recuerda a veces a 'La reina de África', cambiando la selva por los paisajes áridos de Oriente, o incluso a 'Cayo Largo', salvando distancias claro. Una especial dedicación a los paisajes y decorados aplicando fotografías del paisaje amplias, ciudades muy bien recreadas históricamente (los mercados de la India, ciudades atestadas de gente...) hacen que esta película sea agradable para la vista, obsequiándonos durante toda ella escenas de gran belleza que Huston supo usar muy bien. Además hay que reconocer la grandeza de su guión, muy sólido y constante y sin altibajos.

Además de que la historia en sí misma es muy atrayente, no sólo por su tema excéntrico, sino por estar situada en esa parte del planeta más bien poco conocida (ya me diréis, Kafiristan), el principal peso de la película bajo mi punto de vista recae en el trío actoral. No tanto en Plummer, que tiene protagonismo en los primeros 25 minutos, sino en Caine y Connery que nos obsequian dos interpretaciones impresionanes, una mezcla de masculinidad brava y amistad en una papera memorable para el cine. Del resto de actores, a pesar de ser desconocidos (el vejete que interpreta al sumo sacerdote fue actor por primera vez a sus 103 años) llenan la pantalla con su exotismo.
El hombre que pudo reinar es una película de aventuras definitiva, que a pesar de no tener la trascendencia de otras de su época como Indiana Jones, no tiene nada que envidiar a ésta, cambiando espectacularidad por calidad fílmica. El honor a la patria, el ansia de poder y por su puesto, por encima de todo, un canto a la amistad. Todo esto son temas que se tratan en esta obra de artesanía donde todo fluye de forma constante, sin atropellos, y donde en la acción las cosas trascurren una detrás de otra por su propio peso. Una obra maestra de Huston que merecía una retrospectiva, así que a pillarla por ahí.

domingo, 26 de diciembre de 2010

Tron legacy (2010)


Con el blog casi recién estrenado, hablamos en una entrada de la película de ciencia – ficción “Tron” debido a que esta Navidad se estrenaba en cines su secuela, titulada “Tron legacy”. Para aquellos que no lo sepan, la entrega original fue una de las pioneras en utilizar la técnica de computación gráfica en cine; además exploraba la temática de la realidad virtual sirviendo de inspiración y modelo a muchos videojuegos y cintas posteriores. Desafortunadamente, aunque contara con todas estas innovaciones, la película no cosechó una gran recaudación en taquilla cuando se estrenó en el año 1982; sin embargo, con el paso del tiempo se ha revalorizado hasta el punto de convertirse en una película de culto para miles de cinéfilos… Seguramente oliéndose el posible éxito, la compañía Disney decidió que podría resultar rentable rescatar esta cinta del olvido y popularizarla financiando la producción de una segunda parte en pleno 2010. ¿Resultado? Un absoluto deleite audiovisual que cumple a 3 niveles: satisface a los fans que adoraban la precuela, conquista a los más despistados que pensaban antes de informarse que “Tron” era una marca de detergente, y por último convence con nota a todos aquellos que no valoraron positivamente la primera parte después de verla (entre los que me incluyo).

¿De qué tratan ambas? Intentaré resumirlo lo más rápido posible porque me resulta bastante costoso: en la “Tron” ochentera, un programador joven llamado Kevin Flynn (interpretado por Jeff Bridges) es traicionado por un alto ejecutivo de la corporación para la que trabajaba porque le engaña respecto a las ganancias y la autoría de los juegos que él había creado. Tras dejar la compañía, Flynn se refugia en su local de recreativos, donde sigue trabajando con juegos que él mismo había creado. Es allí donde le buscan dos empleados para que les ayude a burlar a una supercomputadora que piensa por sí misma y que controla todo el sistema, motivo por el cual también se habían visto obligados a abandonar la compañía. Flynn acepta echarles un cable sin dudarlo para así encontrar de paso evidencias de sus creaciones robadas. Juntos entran en el edificio y Flynn es absorbido digitalmente por el sistema, accediendo a un mundo cibernético donde los programas son representados por personajes parecidos a sus creadores (Flynn por ejemplo es confundido al principio con un programa llamado CLU que él mismo había diseñado previamente). Una vez allí, el objetivo principal de Flynn es encontrar a Tron, un programa de seguridad creado por uno de los dos empleados que le acompañaron capaz de luchar contra la supercomputadora de marras. A lo largo de su trayectoria, Flynn tiene que participar en diversos juegos, como la carrera de motos de neón, convertida en una de las escenas más icónicas del film.

En la secuela, el protagonista es nada menos que el hijo de Kevin Flynn (de nuevo Jeff Bridges) que busca desesperadamente a su padre desaparecido hace años. Investigando, descubre una extraña señal procedente del abandonado local de recreativos, y una vez allí es también absorbido por el mundo digital en el que su padre lleva años prisionero por un villano que resulta ser una réplica del mismo Kevin Flynn, cuyo propósito es impedir a toda costa que padre e hijo se salgan con la suya (este clon de Jeff Bridges conserva su juventud porque fue creado por el mismo Flynn cuando éste era joven). Al igual que la calidad de la película en sí ha evolucionado notoriamente gracias a las nuevas tecnologías de las que se dispone hoy día en el cine; el mundo cibernético también se ha vuelto más espectacular y peligroso… Y hasta aquí puedo leer, que no quiero revelaros nada fundamental de la trama.

Desde luego el argumento no es su punto fuerte, no tiene mucha chicha y hay ocasiones en las que se ve ahogado por el apabullante despliegue de efectos digitales; pero esto no afecta en lo más mínimo la calidad del film porque posee una estética tan sumamente envolvente e impactante que se consigue eclipsar cualquier tara del guión sin que el espectador más atento se percate mientras la está viendo. Mientras que la ambientación de la antigua ha quedado obsoleta, el apartado visual de la nueva “Tron legacy”, aún bebiendo de una estética muy “retro” con tintes “cyberpunk”, no chirría a la vista; es más, ofrece un diseño futurista que guarda interesantes reminiscencias con el cine clásico del género y que se atreve a huir de los convencionalismos a los que estamos (mal) acostumbrados a ver dentro del cine comercial. No obstante, las imágenes no serían lo mismo sin su magistral banda sonora compuesta por el grupo especializado en música electrónica Daft Punk, pienso que sus partituras configuran el 50% del film (incluso el 60% en determinados momentos). Es uno de esos maravillosos casos en los que la imagen y el sonido encajan perfectamente como dos piezas únicas de un puzzle, cuesta trabajo separar un elemento del otro…

Si tuviera que elegir un fragmento de la película, sería la primera parte en la que el protagonista se sumerge en el mundo cibernético y tiene que enfrentarse a las pruebas del duelo con discos o la carrera de motos respectivamente. Como espectador, noté que estaba presenciando algo importante cinematográficamente hablando porque me sentía partícipe de aquello, como si formara realmente parte de ese mundo digital durante casi una hora escasa... Además no me pasó como en otras películas en las que parece que estás dentro de un videojuego como siempre digo y no te da tiempo a ver nada; en “Tron legacy”, aunque el ritmo sea frenético, el movimiento de la cámara no me mareaba y me permitía disfrutar detenidamente de las secuencias de acción con todo lujo de detalles.

Respecto al apartado interpretativo, nos encontramos con Jeff Bridges por partida doble: el real por un lado, correctísimo como siempre en plan maestro Kenobi con su hijo, y el digital por otro… Personalmente admiro los esfuerzos y los riesgos que se toman al confeccionar un personaje así, pero aún así esta versión virtual y rejuvenecida de Bridges me resulta poco creíble porque es como un muñeco sin alma (esto se aprecia en el inexistente brillo de los ojos). También quiero destacar la interpretación de Martin Sheen, que está soberbio como el excéntrico y alocado dueño de un local de moda en el ciberespacio. En cuanto a los jóvenes, poco que añadir…

En líneas generales, considero que “Tron legacy” es una gozada audiovisual que respeta profundamente el material original de la obra de la que procede y que sabe reinventarlo inteligentemente. Puede que no sea una obra maestra, pero quizás ni lo pretenda ni le haga falta…

lunes, 20 de diciembre de 2010

Origen en tiempo real

¿Os acordáis del final de Origen? La película terminaba con varios sueños uno dentro de otro encadenados y al mismo tiempo, de forma que en el montaje de la película todo tenía que quedar matemáticamente perfecto. Pues bien, un fan de la película hizo este vídeo donde podemos ver las 4 escenas a la vez. Es flipante, de verdad. Si Origen puede dejar huella en algo, es en su montaje sin ninguna duda.

domingo, 19 de diciembre de 2010

Balada triste de trompeta (2010)

Álex de la Iglesia mientras rodaba la serie Plutón Verbenero, en una escena en la que Carlos Areces aparecía disfrazado tuvo una iluminación. Se imaginó a Carlos vestido de payaso y apuntando a un niño. Esa imagen le pareció tan potente que decidió desarrollarla, y acabó haciendo Balada.

He de decir que he ido siguiendo prácticamente todo el rodaje de la cinta gracias al blog que Álex abrió para ello, así que conozco las dificultades que los actores, equipo técnico y el propio Álex pasaron para llegar a buen puerto. Durante el visionado, fui recordando uno a uno los momentos que el director vasco mencionaba en el blog: la escena de Carlos corriendo desnudo por el campo, la escena de Carrero Blanco...así que la película era tal y como me la esperaba. ¡Bien!, no puedo decir otra cosa, me jode mucho esperarme una cosa y que el resultado sea inferior.

Pero el problema principal, reside en la misma historia de la que sólo conocía lo que las reseñas muestran: que un payaso se enamora de una trapecista que a su vez es la novia de su jefe payaso. Todo esto envuelto en el aura de la guerra civil. Hasta ahí me gustaba la idea, y mucho, y siendo como es Álex, que a pesar de dotar a sus películas de una inconfundible muestra de 'absurdismo', al final todo cobra una lógica y un sentido común que hace que nada desentone aunque nada tenga sentido.
Esta vez no ocurre exactamente lo mismo. El absurdismo existe, pero no se arregla. El personaje de Carlos se enamora de la trapecista (Carolina Bang) rápidamente, bien, es algo extraño pero cuela. Lo que no cuela es que la trapecista vaya a buscarlo, sabiendo como es su novio (un tipo cruel y bastante sanguinario), por el simple hecho de que con él se siente segura. De acuerdo, entonces...¿la muchacha busca a Carlos por el día, para sentirse segura y se va con su novio por la noche para que la maltrate?. No me negaréis que es un tanto extraño, o rebuscado. Si en una película la trama principal no me convence, poco se puede hacer. Por suerte Álex es un tío grande y sabe hacer las cosas bien, así que ese detalle, en lugar de agrandarse, casi que se olvida y la película puede continuar.

Antes que nada, decir que la película comienza con un circo en plena actuación. Un grupito de rojos entran en el circo de forma poco amistosa, para darles armas y que entren en combate. En el circo encontramos a un payaso triste (Santiago Segura) y a su hijo, que viendo como su padre se va para entrar en combate (y bien que combate el tío), va a buscarlo a los calabozos, y más tarde al mismo valle de los caídos donde los prisioneros rojos cavan zanjas y sacan piedras.
Después de esto, avanzamos años, cuando el niño ya es adulto y payaso triste como su padre. Entra en un circo, donde el payaso tonto (se supone que payaso tonto es ser lo más grande) es el principal atractivo para los chavales, y que además es un auténtico cabronazo. Además vamos conociendo a todos los personajes: la trapecista, el motorista fantasma, etc. Como dije anteriormente, el payaso triste y la trapecista mantienen un extraño romance, que se ve truncado por culpa de los celos del payaso tonto (Antonio de la Torre), que manda al payaso triste al hospital con varias costillas rotas. El payaso triste de pronto, parece que sufre una transformación en su interior, y su sed de venganza se abre paso.

En el cine de Álex de la Iglesia siempre destacan varias cosas: actores comunes en sus películas, escenas en las alturas, el llamado 'ascopena', término acuñado por el mismo para definirlas...Todos sus elementos aparecen aquí, y con bastante buen acierto. Como dije, el único problema es el que comenté anteriormente, que el simple hecho del extraño enamoramiento entre la trapecista y el payaso triste desencadene la trama es algo que para mí está cogido un poco por pinzas, pero bueno.

Álex es un grandísimo director, y se nota. La película está perfectamente rodada, con un montaje muy rápido y muy bueno. Algunas escenas son realmente chulas, como la última en el valle de los caídos, o la de Carrero Blanco. Absolutamente nada que objetar por esa parte. Los actores perfectos, Carlos Areces debería llevarse el Goya a actor revelación (antes sólo actuó en Spanish movie, y poco más sin relevancia), y Antonio de la Torre está espléndido como siempre. Incluso Santiago Segura, con su breve aparición, demuestra que es un actor muy bueno.

Así que Balada es una película muy recomendable, muy original sobre todo y que demuestra una vez más que el cine español ni mucho menos está acabado.

Ronin.

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En relación a lo escrito por Ronin en el último párrafo, opino que "Balada triste de trompeta" no solo demuestra que el cine español no está acabado; sino que además pone de manifiesto, como casi siempre, la altísima calidad que suelen tener nuestros films... Después de este pequeño apunte, aclarar que poco tengo que decir porque Ronin ha resumido espléndidamente la película; una película que, aunque peque de cometer numerosos excesos y tener un argumento más endeblito que el de otras producciones "made in Álex", estoy seguro de que no dejará indiferente a nadie con sus delirantes y provocadoras imágenes.

Nadie mejor para ejemplificar lo que hablo que el crítico de la revista Fotogramas Mirito Torreiro, de quien extraigo a continuación unas palabras textuales de su crítica con las que simpatizo plenamente: "Ahí está lo mejor de este film que igual se puede amar que odiar: que jamás esconde nada, que va a saco, sin cálculos ni tapujos (...) el film, no apto para espíritus delicados, muestra algunas de las más brillantes imágenes de todo el cine español contemporáneo". Y es que razón no le falta porque estamos ante una producción personal a rabiar que genera bandos: o te gusta muchísimo o prácticamente nada. Por no mencionar sus imágenes, detrás de las cuales se detecta la poderosa imaginación del director bilbaíno, quien demuestra que tiene cuerda para rato...
Estructuraré mi comentario en 3 puntos breves, pero no por ello poco relevantes:

1. Reencuentro necesario consigo mismo y con sus fieles: se nota con este film que Álex deja bien atrás su experiencia en tierras inglesas para recuperar su esencia y trabajar más relajado. Reconozco después de todo, a pesar de que a mí me resultó fallida, que "Los crímenes de Oxford" tenía su puntillo; pero aún así era terriblemente impersonal, no parecía firmada por él a ratos... Por fortuna, este mal recuerdo ha sido mitigado con esta nueva película, que cumple todo aquello que prometía cuando vi el trailer, me estoy refiriendo a un desenfreno absoluto que combina lo mejor de su cine: humor negro con chispazos de violencia allá dónde se mire (quien no perciba las descaradas referencias a "La comunidad", "Muertos de risa" o incluso "El día de la bestia" es que jamás ha seguido a este director o simplemente está ciego, con todos mis respetos).

2. Temática arriesgada: seguramente muchos que vean el film criticarán que no profundiza seriamente en la temática de los 2 bandos durante la guerra civil o en el ambiente de la época tardofranquista, pero yo pregunto: ¿tanto nos afectan estas cuestiones todavía que parece que siempre se tengan que tratar forzosamente con seriedad en el cine? ¿es necesario remover la pugna entre las 2 Españas por enésima vez? ¿no podemos reírnos o llorar simplemente durante un par de horas con un par de payasos (que pueden incluso de hecho aludir paródicamente a los 2 bandos que existían)? ¿no es ya bastante valiente la escena final ambientada en el Valle de los Caídos? ¿acaso no es osado ese conglomerado de imágenes que aparece en los créditos iniciales, los cuales aún resuenan en mi cabeza, que reflejan ni más ni menos la particular y ecléctica visión que Álex tiene de nuestra historia reciente? No tengo más nada que añadir...

3. Carlos Areces: todo el reparto está magnífico en líneas generales (Antonio de la Torre se sale concretamente), pero la palma se la lleva Carlos Areces; sin su presencia la película no sería lo mismo: el fragmento de él escondido en el bosque o la secuencia con Franco son para enmarcarlas directamente. Debería ganar el Goya como también piensa mi compañero Ronin, veremos si lo consigue...

Eso es todo, advierto antes de terminar que no es apta para estómagos muy sensibles...

Juanmez.

jueves, 16 de diciembre de 2010

Retrospectiva: Tina (1993)

Antes que nada, anuncio para aquellos que estén interesados que por fin he recuperado las entradas de audio en el blog. Y ahora, sin más dilación, paso a comentaros uno de los biopics que más me han gustado últimamente por su fuerza y su honestidad a partes iguales.

Hacía mucho tiempo que tenía especial interés en ver esta adaptación del año 1993 que recorre la trayectoria personal y profesional de la famosa cantante Tina Turner, concretamente abarca desde cuando formaba un dúo con el que fue su marido (el músico y compositor Ike Turner) hasta su despegue como cantante en solitario. ¿Qué decir de Tina? Pues para mí siempre ha sido un referente, no sólo porque considere que es una artista única e incomparable (guste o no, ha sido reconocida como uno de los más grandes iconos del rock de todos los tiempos); sino también porque ha sido una luchadora nata que en su momento tuvo las agallas de escapar de la opresión a la que se encontraba sometida para abrirse camino sola y empezar desde cero…

Por si hay personas que ignoran de lo que estoy hablando, les pondré en antecedentes antes de proseguir: Tina Turner tuvo la fatalidad de sufrir malos tratos y abusos por parte de su marido Ike Turner (tanto en ámbito público como en privado). Estas humillaciones y vejaciones fueron “vox populi”, todo el mundillo artístico las conocía de primera mano; pero eran otros tiempos y casi nadie le ofreció ayuda para atravesar ese duro trance. Sólo en su mano estaba el terminar con esa turbulenta relación que la estaba destrozando por fuera y por dentro. En el film se da a entender que el motivo de estos maltratos intolerables se debía principalmente a que Ike no soportaba que ella le eclipsara en el escenario, detestaba que paulatinamente fuese adquiriendo más fama que él, le hacía sentir inseguro. Poco a poco estos celos irracionales aumentaron, y él encima le exigía aún más cuando trabajaban, la explotaba sin prestar atención ni siquiera a su estado de salud. Pero no todo el daño era físico, ya que también la torturaba psicológicamente reprochándole constantemente en modo de amenaza que había sido él quien la descubrió artísticamente hablando y que por ese motivo, ella era como de su propiedad. Hay varias secuencias en concreto que ponen los pelos como escarpias por su logrado realismo, como aquella en la que ambos llegan a un hotel para hospedarse y los clientes del mismo se quedan absortos cuando ven sus rostros llenos de heridas producidas por una pelea que habían tenido. Muy desagradable…

En resumen, la trataba como a un perro, hasta que ella no pudo más, se armó de valor y se divorció. En relación a este tema es curioso saber que el mismo actor Laurence Fishburne se replanteó aceptar el papel de Ike Turner hasta 5 veces, argumentando que no estaba seguro de si quería encarnar a alguien tan cruel y odioso. Afortunadamente dijo que sí, consiguiendo una actuación muy alejada de las que desempeña habitualmente y que podría calificarse de soberbia (con nominación al Oscar incluida).

Junto a Fishburne se encuentra el pilar indiscutible del film: la magistral Ángela Bassett, quien estudió meticulosamente a la diva para imitar sus gestos, sus expresiones y su enérgica manera de moverse sobre un escenario. La interpretación de Bassett consigue captar a la perfección la garra, la personalidad y el coraje que ella transmite a su público cuando canta. ¡Había veces en las que me costaba creer que fuese una actriz y no la misma Tina Turner! Merece la pena ver la película solo por ella.

Como anécdota, es interesante saber que en un principio iba a ser Whitney Houston la elegida, pero tuvo que rechazarlo porque se encontraba en un avanzado estado de embarazo. Sinceramente lo prefiero así porque no imaginaría esta cinta sin la presencia de Ángela Bassett, quien a pesar de que ganó el Globo de Oro como actriz en un musical ese año, se quedó a las puertas del premio Oscar al igual que su compañero de reparto debido a la dura competencia en su categoría (la espectacular Holly Hunter triunfó merecidamente ese año por su papel en “El piano”). Lástima que Ángela Bassett sea tan poco conocida y que su carrera sea tan escueta porque es una actriz realmente brillante, tan solo hay que verla en “Malcolm X” o “Días extraños” para verificar lo que digo…

Es cierto que la película contempla todos los tópicos que suelen aparecer en las adaptaciones de vidas de cantantes al cine, pero nadie puede objetar que no cumpla con su cometido satisfactoriamente: por un lado consigue que los devotos de Tina Turner la vean reflejada en la película, y por el otro logra atrapar a todos aquellos que no la conocían profundamente de antemano. Eso sin mencionar que está muy bien llevada, muy bien ambientada, que no aburre en absoluto y que de paso incluye temas tan fundamentales como el versionado de “Proud Mary” o “What´s love got to do with it” para los amantes de la buena música. ¿Qué más se le puede pedir a un biopic de estas características? No se puede pretender más creo yo…

Es importante resaltar que fue la misma Tina Turner la que dio el beneplácito para que la cinta se rodase, ella colaboró intensamente en el proyecto y estaba totalmente de acuerdo en incluir con total naturalidad sus problemas conyugales, como si quisiera que el mundo entero supiese por aquel entonces cómo fue su relación con su esposo sin tabú alguno. Francamente, me parece una decisión muy respetable, pues tiene todo el derecho a contar lo que quiera de su vida.

No quería terminar esta reseña sin comentar esta frase con la que abre la película, extraída de un rezo budista al que Tina se aferró durante un periodo y que por lo visto la ayudó a encontrar su camino: “El loto es una flor que crece en el fango y cuanto más profundo y espeso es el fango, más bello florece”. Es una sentencia que le viene como anillo al dedo porque resume espléndidamente cómo ha sido su vida. Actualmente Tina Turner sigue actuando con la misma pasión que el primer día…

martes, 14 de diciembre de 2010

¡Nominados para la 68ª edición de los Globos de Oro!

Por favor, que nadie mencione que son la antesala de los Oscar que está ya muy visto...Vaya, ¡ya lo hice yo! XD. La ceremonia será retransmitida el próximo 16 de enero, siendo presentada de nuevo por el conocido Ricky Gervais. Como curiosidad Matt Damon entregará el prestigioso premio Cecil B. DeMille a Robert De Niro por su trayectoria en el cine.

En general, no hay nada nuevo bajo el sol, es decir, los nominados son en líneas generales los que se sospechaba...

Mejor película drama:

Cisne Negro
The Fighter
Origen
El discurso del rey
La red social

Mejor película comedia/musical:

The Kids are All Right
Alicia en el país de las maravillas
Burlesque
Red
The Tourist

Mejor actriz drama:

Nicole Kidman, por Rabbit Hole
Jennifer Lawrence, por Winter's Bone
Natalie Portman, por 'Cisne Negro'
Michelle Williams, por 'Blue Valentine'
Halle Berry, por 'Frankie & Alice'

Mejor actor drama:

Jesse Eisenberg, por 'La red social'
Colin Firth, por 'El discurso del rey'
James Franco, por '127 horas'
Ryan Gosling, por 'Blue Valentine'
Mark Wahlberg, por 'The Fighter'.

Mejor actriz comedia/musical:

Anne Hathaway, por 'Love & Other Drugs'
Emma Stone, por 'Rumores y Mentiras'
Annette Bening, por 'The Kids are All Right'
Julianne Moore, por 'The Kids are All Right'
Angelina Jolie, por 'The Tourist'

Mejor actor comedia/musical:

Johnny Depp , por 'The Tourist'
Johnny Depp, por 'Alicia en el país de las maravillas'
Paul Giamatti, por 'Barney's Version'
Kevin Spacey, por 'Casino Jack'
Jake Gyllenhaal, por 'Love & Other Drugs'

Mejor dirección:

Darren Aronofsky, por 'Cisne negro'
David Fincher, por 'La red social'
Tom Hooper, por 'El discurso del rey'
Christopher Nolan, por 'Origen'
David O. Russell, por 'The Fighter'

Mejor actriz de reparto:

Amy Adams, por 'The Fighter'
Helena Bonham Carter , por 'El discurso del rey'
Mila Kunis, por 'Cisne negro'
Melissa Leo, por ' The Fighter'
Jacki Weaver, por 'Animal Kingdom'

Mejor actor de reparto:

Christian Bale, por ' The Fighter'
Andrew Garfield, por 'La red social'
Jeremy Renner, por 'The Town. Ciudad de ladrones'
Michael Douglas, por 'Wall Street: El dinero nunca duerme'
Geoffrey Rush, por 'El discurso del rey'

Mejor guión:

Origen, de Christopher Nolan
The Kids Are All Right, de Lisa Cholodenko and Stuart Blumberg
El discurso del rey, de David Seidler
127 Horas, de Simon Beaufoy y Danny Boyle
La red social, de Aaron Sorkin

Mejor partitura original:

Origen, de Hans Zimmer
El discurso del rey, de Alexandre Desplat
La red social, de Trent Reznor y Atticus Ross
Alicia en el país de las maravillas, de Danny Elfman
127 horas, de A.R. Rahman

Mejor canción original:

"I See the Light", interpretada por Mandy Moore y Zachary Levi/escrita por Alan Menken y Glenn Slater - Enredados
"Shine" - interpretada y escrita por John Legend - Waiting for Superman
"Coming Home", Country Strong
"You Haven't Seen the Last of Me Yet", interpretada por Cher/escrita por Diane Warren - Burlesque
"There's a Place for us", Crónicas de Narnia

Mejor película en lengua extranjera:

Biutiful
Io sono l'amore (Yo soy el amor)
El concierto
In a better world
The edge

Mejor película de animación:

Gru, mi villano favorito
Cómo entrenar a tu dragón
El ilusionista
Enredados
Toy Story 3

Premio Cecil B. DeMille: Robert DeNiro

lunes, 13 de diciembre de 2010

"14 Actores Actuando"

The New York Times ha reunido a 14 de las estrellas más importantes de Hollywood en un proyecto que ha titulado “14 Actores Actuando” y consta de 14 cortos en los que las celebridades aparecen mostrando sus mejores dotes de interpretación. Los actores escogidos son Javier Bardem, Natalie Portman, James Franco, Jesse Eisenberg, Chloe Moretz, Matt Damon, Michael Douglas, Jennifer Lawrence, Noomi Rapace, Vincent Cassel, Anthony Mackie, Robert Duvall, Lesley Manville y Tilda Swinton. El responsable a cargo de la impecable música que suena en cada video ha sido el compositor Owen Pallet. Aquí os dejo los que más me han gustado: Javier Bardem destrozando con violencia una mesa, Natalie Portman desvistiéndose a lo Gilda, Vincent Cassel en plan bailarín de la vieja escuela y Tilda Swinton llorando con un look muy parecido al de David Bowie. El resto los podeis encontrar también en Youtube ;)







sábado, 11 de diciembre de 2010

Biutiful (2010)

Uxbal es Bardem. Bardem es Uxbal. Uxbal es "Biutiful"... Un colosal y espléndido Bardem carga con el peso total de la cinta, dando lo mejor de sí mismo en una desgarradora interpretación (vaya, como siempre). Es tal su relevancia que en los títulos de crédito aparece por delante del mismo Iñárritu. Aunque sea difícil de creer, poco más hay que rasgar en la última película del responsable de "Amores perros"...

Uxbal es alguien a quien podríamos definir como un buscavidas, una persona con cierta bondad que no quiere hacer daño a nadie, un fantasma que sobrevive trapicheando como puede. Estamos, ni más ni menos, ante el retrato de una de esas piezas invisibles que configuran el entramado suburbano de la ciudad de Barcelona; pero no esa Barcelona idealizada que nos mostró Allen recientemente desde su óptica neoyorquina: la Barcelona mexicana de Iñárritu es más triste, sórdida y solitaria. No obstante, parece que el director se empeña en demostrarnos que de la miseria que se refleja también se puede extraer belleza (ahí está el sentido del "Biutiful" del título, todos somos bellos de una forma u otra).

Aparte de Bardem, hay secundarios que también merecen mención: cabe destacar a Maricel Álvarez como la indeseable mujer de Uxbal y a Eduard Fernández como su repugnante hermano. Deteniéndome en los aspectos técnicos, la banda sonora que corre a cargo de Gustavo Santaolalla es estremecedora, sus acordes de guitarra consiguen tocar la fibra incluso al espectador menos sensible. La fotografía por otra parte posee mucha personalidad, refleja perfectamente el ambiente viciado y claustrofóbico que rodea a Uxbal.

Hasta aquí todo bien, ahora empezaré con las objeciones: mi principal temor antes de ver la película era si se notaría demasiado la ausencia de Guillermo Arriaga en el guión (fiel colaborador de Iñárritu en su trilogía anterior y enemigos irreconciliables ahora), y no iba mal encaminado... Se echan de menos los saltos temporales y el drama coral se queda a medio gas con Iñárritu como guionista; es como si pretendiera abarcar otras historias paralelas a la de Uxbal pero someramente, sin detenerse lo suficiente en ellas, consiguiendo que no calen profundamente en el espectador.

En relación a lo que he dicho en el párrafo anterior, Iñárritu también pretende inútilmente abordar numerosos aspectos en una sola película: cáncer terminal, don de contactar con los espíritus de los difuntos, inmigración ilegal, marginación social, policía corrupta, problemas conyugales, maltrato infantil y un largo etcétera. Al ser tantos, se tratan de manera superficial e irregular, sin cabida para la reflexión.

Por último, estoy muy disgustado con la duración del metraje, pues se hace excesivamente largo; en mi opinión no hacen falta 2 horas y media para contar esta historia, podrían haberse hecho recortes a mansalva y haber logrado una cinta más asequible. Llega un punto en que cansa y aburre...

Sois libres de echarle un vistazo si queréis, comprendería que por ver a Bardem en el papel por el que ganó en Cannes merece la pena (de hecho si no le pongo solo una estrella en la calificación es por él); pero si esperáis cine arriesgado y complejo al más puro estilo Iñárritu olvidadlo porque la cinta se enmarca para mí dentro del cine social más corriente y moliente...

miércoles, 8 de diciembre de 2010

Skyline (2010)

¡Vaya mojón de película! Es que no hay manera mejor de calificarla vamos. No sé realmente de qué me extraño, ¿qué puedo esperar de una película dirigida por los responsables de la ínfima secuela de "Alien vs. Predator"? Es cierto que mi interés por verla residía únicamente en los efectos especiales y sabía de antemano que no podía pedir demasiado a un film de índole catastrofista; pero al menos esperaba un poco de seriedad o alguna sorpresita interesante añadida (como pasa en muchas otras cintas de este género). Al final me quedé con las ganas... ¡Ni siquiera es entretenida!

Su argumento gira en torno a un grupo de niñatos (para variar) que deben luchar por sobrevivir ante un misterioso ataque alienígena en Los Angeles. Está claro que la idea no es nada original, pero solo la imagen del trailer en la que se mostraban a cientos de personas siendo absorbidas por una nave gigante era un motivo de peso para tenerla en consideración. Francamente, cuando vi el trailer por primera vez pensé que era posible una nueva vuelta de tuerca al género, me intrigaba...

Sin embargo me equivocaba porque puedo afirmar con total rotundidad que estamos ante una de las películas más mediocres del año, es como si sus creadores hubieran sumado lo peor de "Independence day", "La guerra de los mundos", "Monstruoso" y "Distrito 9" para hacer esta auténtica porquería que no hay por donde agarrar: ¿Guión? Simplón ¿Actores? Planos ¿Trama? Irrisoria ¿Ritmo? Inexistente. Y así podría seguir hasta aburrirme...

Lo único destacable de toda la producción, como era de esperar, son los efectos visuales. Ahí no defrauda, cumple lo que prometía: son efectistas y muy creíbles. No me chocaría que cayese una nominación a los Oscar en este apartado. Aunque frecuentemente da la sensación de estar viendo un videojuego en lugar de una película, y para colmo ¡no se puede jugar porque no hay mandos! No quiero aburriros más. Pésima...

lunes, 6 de diciembre de 2010

Premios

Los que leéis este blog, diréis: 'Hay que ver al pesado este lo que le gustan los premios, las nominaciones, y todas las chuminadas esas'. Pues bien, sí, el caso es que me encanta, todo aquello donde haya quinielas, y se recojan lo mejor del año cinematográfico me produce un placer inconmensurable (bueno no tanto). Ahí van algunos premios que ya se han entregado:

NATIONAL BOARD OF REVIEW

La crítica norteamericana, para abreviar. Premios muy importante que encauzan bastante las futuras candidaturas globosdeoro-oscarianas. La red social, gran favorita (no les quito razón).

MEJOR PELÍCULA: THE SOCIAL NETWORK
MEJOR DIRECTOR: David Fincher "The social network"
MEJOR ACTOR: Jesse Eisenberg "The social network"
MEJOR ACTRIZ: Lesley Manville "Another year"
MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Christian Bale "The fighter"
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Jacki Weaver "Animal Kingdom"
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: "Of gods and men"
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: "Waiting for superman"
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: "Toy Story 3"
MEJOR REPARTO: "The town"
MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Chris Sparling "Buried"
MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Aaron Sorkin "The social network"
MEJOR ACTRIZ/ACTOR REVELACIÓN: Jennifer Lawrence "Winter's bone"
SPOTLIGHT AWARD A LA MEJOR DIRECCIÓN NOVEL: Sebastian Junger and Tim Hetherington, "Restrepo"
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dante Ferreti "Shutter Island"
SPECIAL FILMMAKING ACHIEVEMENT AWARD: Sofia Coppola, for for writing, directing, and producing Somewhere
WILLIAM K. EVERSON FILM HISTORY AWARD: Leonard Maltin
NBR FREEDOM OF EXPRESSION: Fair Game, Conviction, Howl

Mencionar que la española 'Buried' ha sido la ganadora del premio a mejor guión, todo un honor sin duda. No nos creamos que Buried vaya mucho más allá, para triunfar en la época de premios no hace falta sólo una buena película, sino también una buena campaña publicitaria, y aunque Buried la tuviera, el hecho de ser española, pseudoindependiente y con director desconocido para el público yanki, le quita bastante.

PREMIOS DEL CINE EUROPEO

Los Goya del cine europeo, sin más. El escritor de Polanski, que ya ganó el Oso de Oro en la pasada Berlinale, gran triunfadora, y Ewan McGregor ganador del premio al mejor actor a pesar de nuestro querido Luis Tosar que partía como favorito. El resto de premios:

MEJOR PELÍCULA:
BAL (Honey) (Turquía/Alemania)
DES HOMMES ET DES DIEUX (Of Gods and Men) (Francia)
THE GHOST WRITER (Francia/Alemania/Reino Unido)
LEBANON (Israel/Alemania/Francia)
EL SECRETO DE SUS OJOS (The Secret in their Eyes) (España/Argentina)
SOUL KITCHEN (Alemania)

MEJOR DIRECTOR 2010:
Olivier Assayas, por CARLOS
Semih Kaplanoğlu, por BAL (Honey)
Samuel Maoz, por LEBANON
Roman Polanski, por THE GHOST WRITER
Paolo Virzi, por LA PRIMA COSA BELLA (The First Beautiful Thing)

MEJOR ACTRIZ 2010:
Zrinka Cvitešić, por NA PUTU (On the Path)
Sibel Kekilli, por DIE FREMDE (When We Leave)
Lesley Manville, por ANOTHER YEAR
Sylvie Testud, por LOURDES
Lotte Verbeek, por NOTHING PERSONAL

MEJOR ACTOR 2010:
Jakob Cedergren, por SUBMARINO
Elio Germano, por LA NOSTRA VITA (Our Life)
Ewan McGregor, por THE GHOST WRITER
George Pistereanu, por EU CAND VREAU SA FLUIER, FLUIER (If I Want to Whistle,
I Whistle)
Luis Tosar, por CELDA 211 (Cell 211)

MEJOR GUIÓN 2010:
Jorge Guerricaechevarría & Daniel Monzón, por CELDA 211 (Cell 211)
Robert Harris y Roman Polanski, por THE GHOST WRITER
Samuel Maoz, por LEBANON
Radu Mihaileanu, por LE CONCERT (The Concert)

MEJOR FOTOGRAFÍA 2010:
Giora Bejach, por LEBANON
Caroline Champetier, por DES HOMMES ET DES DIEUX (Of Gods and Men)
Pavel Kostomarov, por Как я провел этим летом (How I Ended this Summer)
Barış Özbiçer, por BAL (Honey)

MEJOR MONTAJE 2010:
Luc Barnier y Marion Monnier, por CARLOS
Arik Lahav-Leibovich, por LEBANON
Hervé de Luze, por THE GHOST WRITER

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN 2010:
Paola Bizzarri y Luis Ramirez, por IO, DON GIOVANNI (I, Don Giovanni)
Albrecht Konrad, por THE GHOST WRITER
Markku Pätilä y Jaagup Roomet, por PÜHA TÕNU KIUSAMINE (The Temptation
of St. Tony)

MEJOR COMPOSITOR 2010:
Ales Brezina, por KAWASAKIHO RŮŽE (Kawasaki’s Rose)
Pasquale Catalano, por MINE VAGANTI (Loose Cannons)
Alexandre Desplat, por THE GHOST WRITER
Gary Yershon, por ANOTHER YEAR

DISCOVERY AWARD 2010 (Mejor Ópera Prima):
LA DOPPIA ORA (The Double Hour), de Giuseppe Capotondi (Italia)
EU CAND VREAU SA FLUIER, FLUIER (If I Want to Whistle, I Whistle), de Florin Serban (Rumanía)
DIE FREMDE (When We Leave), de Feo Aladag (Alemania)
LEBANON, de Samuel Maoz (Israel/Alemania/Francia)
NOTHING PERSONAL, de Urszula Antoniak (Holanda/Irlanda)

MEJOR PELÍCULA ANIMADA 2010:
THE ILLUSIONIST
PLANET 51
SAMMY'S ADVENTURES

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL 2010:
ARMADILLO
NOSTALGIA DE LUZ
STEAM OF LIFE

MEJOR CORTOMETRAJE
AMOR (Noruega)
AMPELMANN (Lights)(Alemania)
BLIJF BIG ME, WEG (Stay, away) (Holanda)
DIARCHIA (Italia / Francia)
THE EXTERNAL WORLD (Alemania)
HANOI-WARSZAWA (Polonia)
ITT VAGYOK (Here I Am) (Hungría)
LUMIKKO (The Little Snow Animal) (Finlandia)
MARIA'S WAY (Reino Unido /España)
ONSKEBORN (Out of Love) (Dinamarca)
RENDEZ-VOUS A STELLA-PLAGE (Francia)
LES SCARGOTS DE JOSEPH (Joseph's Snails)(Francia)
TALLERES CLANDESTINOS (Austria / Argentina)
TUSSILAGO (Suecia)
VENUS VS. ME (Bélgica)

PREMIO DEL PÚBLICO
ÁGORA (España)
BAARIA (Italia)
AN EDUCATION (Reino Unido)
THE GHOST WRITER (Francia/Reino Unido/Alemania)
THE GIRL WHO PLAYED WITH FIRE (Suecia/Dinamarca/Alemania)
KICK-ASS (Reino Unido)
LOOSE CANNONS (Mine Vaganti) (Italia)
MR. NOBODY (Bélgica)
LE PETIT NICHOLAS (Francia)
SOUL KITCHEN (Alemania)

PREMIO HONORÍFICO
Bruno Ganz

PREMIOS GOTHAM

A pesar de lo que parece, no son los premios de la ciudad del hombre murciélago, sino los premios de la ciudad de Nueva York a películas rodadas en ella. Black Swan que partía como favorita perdió frente a 'The Winter´s Bone', película de corte independiente que puede estar muy bien.

MEJOR PELÍCULA
"Black Swan"
"Blue Valentine"
"The Kids Are All Right"
"Let Me In"
"WINTER'S BONE"

MEJOR REPARTO
"The Kids Are All right"
"Life During Wartime"
"Please Give"
"Tiny Furniture"
"Winter's Bone"

MEJOR DOCUMENTAL
"12th delaware"
"Inside Job"
"The Oath"
"Public speaking"
"Sweetgrass"

MEJOR DIRECTOR REVELACIÓN
Kevin Asch "Holy Rollers"
Lena Dunham "Tiny Furniture"
Glenn Ficarra John Requa "I Love You, Philip Morris"
Tanya Hamilton "Night Catches Us"
John Wells "The Company Men"

MEJOR ACTOR/ACTRIZ REVELACIÓN
Prince Adu "Prince of Broadway"
Ronald Bronstein "Daddy Longlegs"
Greta Gerwing "Greenberg"
Jennifer Lawrence "Winter's Bone"
John Ortiz "Jack Goes Boating"

MEJOR PELÍCULA AÚN NO ESTRENADA
“Kati with an i”
“Little rock”
“On Coal River”
“Summer Pasture”
“The Wolf Knife”

FESTIVAL GENIUS AUDIENCE AWARD (Premio del Público)
"9000 Deedles"
"Brotherhood"
"Waiting for Superman"
"White Irish Drinkers"
"Winter's Bone"

Honorary Awards
Darren Aronofsky
Hilary Swank
Robert Duvall

HOLLYWOOD AWARDS

No, no son los premios Oscar de Hollywood, sino los de la ciudad de Hollywood (que lío, ¿no?). Inception triunfadora por todo lo alto.

Hollywood Film Award: Inception.
Hollywood Director Award: Tom Hooper, "The King's Speech"
Hollywood Producer Award: Danny Boyle, Christian Colson, "127 Hours"
Hollywood Actor Award: Robert Duvall, "Get Low"
Hollywood Actress Award: Annette Bening, "The Kids Are All Right"
Hollywood Supporting Actor Award: Sam Rockwell, "Conviction"
Hollywood Supporting Actress Award: Helena Bonham Carter, "The King's Speech"
Hollywood Breakthrough Actor Award: Andrew Garfield, "Never Let Me Go", "The Social Network"
Hollywood Breakthrough Actress Award: Mia Wasikowska, "Alice in Wonderland", "The Kids Are All Right"
Hollywood Comedy Actor Award: Zach Galifianakis
New Hollywood Award: Jennifer Lawrence, "Winter's Bone"
Hollywood Ensemble Acting Award: "The Social Network"
Hollywood Screenwriter Award: Aaron Sorkin, "The Social Network"
Hollywood Editor Award: Kirk Baxter, Angus Wall, "The Social Network"
Hollywood Animation Award: "Toy Story 3", Lee Unkrich
Hollywood Cinematographer Award: Wally Pfister, "Inception"
Hollywood Composer Award: Hans Zimmer, "Inception"
Hollywood Visual Effects Award: Ben Snow, Janek Sirrs, "Iron Man 2"
Hollywood Designer Award: Robert Stromberg, "Alice in Wonderland"
Hollywood Innovator Award: Morgan Freeman, Lori McCreary
Humanitarian Award: Sean Penn
Hollywood Career Achievement Award: Sylvester Stallone

4 premios, 4 triunfadores: El escritor, Inception, The winter´s Bone y La red social. No sé a vosotros, pero creo que éste va a ser un año cinematográfico que va a acabar muy pero que muuuuuuuy bien. Y seguro que Black Swan, The way of Life, Somewhere u otras aún van a dar mucha guerra.

Se me hace la boca agua, de verdad.


viernes, 3 de diciembre de 2010

¿Qué palabra se repite más en el cine?

Recientemente leí un artículo que indicaba cuál era el término más utilizado en los guiones de películas de cine (incluso también de series de televisión). ¿Queréis saber cuál es? ¿Teneis intriga? Os dejo varias opciones para ver si lo adivinais:

A) YO
B) HOMBRE
C) MATAR
D) CORRE
E) HÉROE

Y la respuesta correcta es... NINGUNA JAJAJAJA, porque la palabra más utilizada es "MIRA". Vaya, del verbo "Mirar"... ¿Defraudados? ¿Os resulta sosa? Bueno, si lo meditamos con tranquilidad se trata de una palabra muy vinculada a este mundillo, porque la mirada es uno de los recursos más útiles que se pueden usar dentro del lenguaje cinematográfico. A veces con una mirada en una película queda todo dicho... Espero que os haya gustado esta curiosidad :)

miércoles, 1 de diciembre de 2010

Nominaciones Independent Spirit

Primeros premios importantes del año. Más o menos los Independent nos muestran por dónde van a ir los tiros, o por lo menos los tiros de lo más 'independiente', jaja. Ahí va:


MEJOR PELÍCULA
"127 Hours"
"Black Swan"
"Greenberg"
"The Kids Are All Right"
"Winter's Bone"

MEJOR DIRECTOR
Darren Aronofsky - "Black Swan"
Danny Boyle - "127 Hours"
Lisa Cholodenko - "The Kids Are All Right"
Debra Granik - "Winter's Bone"
John Cameron Mitchell - "Rabbit Hole"

MEJOR ACTRIZ
Annette Bening - "The Kids Are All Right"
Greta Gerwig - "Greenberg"
Nicole Kidman - "Rabbit Hole"
Jennifer Lawrence - "Winter's Bone"
Natalie Portman - "Black Swan"
Michelle Williams - "Blue Valentine"

MEJOR ACTOR
Ronald Bronstein - "Daddy Longlegs"
Aaron Eckhart - "Rabbit Hole"
James Franco - "127 Hours"
John C. Reilly - "Cyrus"
Ben Stiller - "Greenberg"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Ashley Belle - "The Last Exorcism"
Dale Dickey - "Winter's Bone"
Allison Janney - "Life During Wartime"
Daphne Rubin-Vega - "Jack Goes Boating"
Naomi Watts - "Mother and Child"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
John Hawkes - "Winter's Bone"
Samuel L. Jackson - "Mother and Child"
Bill Murray - "Get Low"
John Ortiz - "Jack Goes Boating"
Mark Ruffalo - "The Kids Are All Right"

MEJOR GUIÓN
Stuart Blumberg, Lisa Cholodenko - "The Kids Are All Right"
Debra Granik, Anne Rosellini - "Winter's Bone"
Nicole Holofcener - "Please Give"
David Lindsay-Abaire - "Rabbit Hole"
Todd Solondz - "Life During Wartime"

MEJOR PRIMERA PELÍCULA
"Everything Strange and New"
"Get Low"
"The Last Exorcism"
"Night Catches Us"
"Tiny Furniture"

MEJOR PRIMER GUIÓN
Diane Bell - "Obselidia"
Lena Dunham - "Tiny Furniture"
Nik Fackler - "Lovely, Still"
Bob Glaudini - "Jack Goes Boating"
Dana Adam Shapiro - "Evan M. Wiener, Monogamy"

MEJOR FOTOGRAFÍA
Adam Kimmel - "Never Let Me Go"
Matthew Libatique - "Black Swan"
Jody Lee Lipes - "Tiny Furniture"
Michael McDonough - "Winter's Bone"
Harris Savides - "Greenberg"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
"Exit Through The Gift Shop"
"Marwencol"
"Restrepo"
"Sweetgrass"
"Thunder Soul"

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
"Kisses"
"Mademoiselle Chambon"
"Of Gods and Men"
"The King's Speech"
"Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives"

ACURA SOMEONE TO WATCH AWARD
Hossein Keshavarz - "Dog Sweat"
Laurel Nakadate - "The Wolf Knife"
Mike Ott - "Littlerock"

PIAGET PRODUCERS AWARD
In-Ah Lee - "Au Revoir Taipei"
Adele Romanski - "The Myth of the American Sleepover"
Anish Savjani - "Meek's Cutoff"

AVEENO® TRUER THAN FICTION AWARD
Ilisa Barbash, Lucien Castaing-Taylor - "Sweetgrass"
Jeff Malmberg - "Marwencol"
Lynn True, Nelson Walker - "Summer Pasture"

JOHN CASSAVETES AWARD
"Daddy Longlegs"
"Lbs."
"Lovers of Hate"
"Obselidia"
"The Exploding Girl"


viernes, 26 de noviembre de 2010

Video recordatorio de las 50 películas animadas de Walt Disney

¿Quién no ha crecido con las inolvidables películas de Disney? Para todos aquellos que flipais con ellas, sabed que con motivo del estreno de su nueva película "Enredados" la famosa compañía ha lanzado este vídeo promocional en el que aparecen brevemente sus 50 películas de dibujos animados desde el año 1938 (fecha de estreno en cines de su primer largometraje "Blancanieves y los 7 enanitos"). Estoy convencido de que esta entrañable recopilación le gustará a más de uno...

domingo, 21 de noviembre de 2010

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (1ª Parte) (2010)

No sé si soy el más indicado para escribir una reseña de la nueva entrega de la popular saga de Harry Potter que acaba de estrenarse porque, como más de uno sabrá, soy tan fanático de los libros y de las películas que me cuesta trabajo ser objetivo, pero voy a hacer un esfuerzo e intentarlo… Estoy seriamente disgustado, pero no con la película (que se erige en mi modesta opinión como una de las más conseguidas hasta la fecha), sino con el aluvión de críticas negativas que ha recibido por parte de diversos medios que se han limitado a vapulearla sin valorarla en absoluto. Se han cebado innecesariamente para mi gusto… Menos mal que el público (fans incluidos) ha respondido favorablemente argumentando que quizás estemos ante la cinta más cruda, seria e impactante de toda la saga; una saga que ha crecido durante estos 10 años y que ha sabido hacer frente a adversidades de todo tipo (desde el fallecimiento de Richard Harris hasta el cambio de dirección en 4 ocasiones) sin perder nunca su inconfundible sello para el deleite de sus seguidores, que se cuentan por millones en todo el mundo.

Jamás me he considerado un crítico profesional ni voy de sobrado, tan solo expreso aquello que siento cuando veo cine; y tras ver “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (1ª Parte)” afirmo tajantemente que he visto cine del bueno en grandes dosis. ¿Quién diría que David Yates podría dirigir un film de tanta calidad? Analizando sus 2 trabajos previos en la saga, por un lado la adaptación de “La Orden del Fénix” fue un acierto porque en ella se prescindió de todo lo que sobraba del extenso quinto libro para seleccionar únicamente aquello que era vital para entender el conflicto entre Harry y su némesis Voldemort; pero por el contrario “El misterio del Príncipe”, exceptuando diálogos y escenas muy concretas, estaba narrada a trompicones y bajó mucho el listón… En fin, como me llevaría horas escribiendo sobre “el niño que vivió” porque confieso que me encanta y no es plan, voy a tratar de resumir (en la mayor medida posible porque hablaré como un fan y puede que me entretenga demasiado) en diversos puntos por qué me ha sorprendido gratamente esta penúltima entrega:

1. Empezaré por su impecable y fiel adaptación de la obra original. Afortunadamente todos aquellos que pensaban que dividir el último libro en 2 entregas era un despropósito se han equivocado de lleno porque el resultado por el momento es inmejorable (habrá que esperar a Julio del 2011 para ver si la parte final sigue en esta línea). Es muy posible que los que no hayan leído los libros sigan con dificultad algunas tramas secundarias, pero la línea argumental principal se comprende a la perfección. Incluso aquellos detalles que se dejan sin resolver y que sacan de quicio al fan más exigente se perdonan, porque hay que recordar que se trata de un díptico y no sabemos si en la segunda parte tendrán su explicación (esperemos que sí porque disponen de 2 horas y media para hacer lo que quieran y más). El hecho de que haya cabida para todas las tramas secundarias enriquece la película y provoca una mayor aceptación por parte de los fieles, que ansiaban desde hacía mucho tiempo una adaptación más completa, ya habrá lugar en la siguiente parte de contar que Tonks está embarazada o de dónde procede ese espejo que Harry mira sin parar (por citar 2 ejemplos al azar).

2. Su guión es consistente y firme, no hay altibajos que valgan porque posee un ritmo frenético gracias a su vibrante montaje (hay veces que parece que estamos viendo “El fugitivo” en vez de “Harry Potter”). A diferencia de películas anteriores, hay mucha fluidez en el desarrollo de la historia, las secuencias están muy bien hiladas y se pasa de la comedia al drama con pasmosa facilidad (las muertes están muy bien abordadas por cierto); eso sí, reconozco que hay partes que podrían haber sido más profundas o largas (como la boda de Bill y Fleur) y que durante la primera hora todo se sucede de forma bastante acelerada, pero esto también es necesario para acentuar el contraste con la serenidad de la segunda parte del film, en la que el trío protagonista está desorientado y perdido en medio de la nada sin saber qué hacer. Todo el fragmento del aislamiento de ellos que ha sido tildado por muchos de pesado y aburrido, para mí es de lo mejor de la cinta porque les sirve de catalizador a los 3 para cerciorarse del peligro que les rodea, y para madurar en definitiva. Parece que el gran público solo busca acción y efectos visuales a raudales en el cine comercial, cuando los diálogos son igualmente importantes en una película de estas características. Esa sensación de incertidumbre y tensión que ellos comparten se transmite al espectador durante todo el metraje sin problemas.

3. El apartado interpretativo merece un punto aparte porque Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson se han convertido en auténticos actores. ¡Qué química hay entre ellos! La discusión entre Harry y Ron está muy lograda, y Hermione está fantástica explotando una faceta dramática que desconocíamos de ella (cuando al principio borra la memoria de sus padres es sobrecogedor). Como siempre Ron aporta el toque humorístico que se agradece entre tanto pesimismo y oscuridad. Impagables por cierto las escenas en la que Harry saca a bailar a Hermione para consolarla y la que los 2 están juntos en el cementerio respectivamente, ya que refuerzan la amistad que ambos tienen. Está claro que no son críos, han crecido y han demostrado que pueden convertirse en brillantes actores. Cuando los veía a los 3 interactuando era como si estuviera leyendo el libro, estoy seguro de que Rowling habrá disfrutado como una enana contemplando a sus creaciones desenvolverse con tanta soltura. En cuanto al resto del nutrido reparto, siguen en su línea por muy anecdótica que resulte la presencia de muchos de ellos debido a que en esta parte no tienen demasiada relevancia: Billy Nighy, Helena Bonham Carter, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes y Jason Isaacs están clavados, pero para mi gusto los mejores son Imelda Staunton (su papel de la diabólica Umbridge es inigualable) y Alan Rickman (que solo le basta una secuencia para bordarlo). También los 3 actores que interpretaron a los miembros del Ministerio de Magia estuvieron sublimes. El que menos me convenció fue Rhys Ifans como padre de Luna en la ficción porque en el libro me lo imaginé más excéntrico todavía. Y Bonnie Wright haciendo de Ginny es insoportable…

4. Si hay algo que deja sin aliento en esta película son algunas secuencias memorables: la galopante persecución en el Ministerio de Magia cuando se infiltran y tienen que escapar, la divertida escena de los 7 Potters, el ataque aéreo en Privet Drive, la reunión de los mortífagos en la Mansión Malfoy, el tenebroso segmento del Valle de Godric o la destrucción del Horrocrux son algunas de ellas. En esta última concretamente me encantó cuando Ron hace frente a sus miedos. Además es muy creíble la visión que tiene de Harry y Hermione besándose apasionadamente, podría decirse que es algo subidita de tono teniendo en cuenta que la saga de “Harry Potter” no profundiza demasiado en el terreno sexual. ¡Bravo por esta escena!

5. Dentro del apartado técnico resalto su colosal fotografía, las partes rodadas en exteriores son de gran calidad artística, así como algunos primeros planos intimistas que captan los rostros de los actores son igualmente sobresalientes. La banda sonora, que corre a cargo de Alexandre Desplat, no es tan espectacular como en otras películas de la saga; es más bien sobria y minimalista, y a veces parece que juega con la experimentación. Hay fragmentos en los que no hay música a propósito para destacar más los efectos sonoros (ruidos de árboles, de los hechizos, etc). En lo referente a los efectos visuales y los nuevos decorados no hay protesta alguna, son directamente sensacionales (quien me diga que no se imaginaba así la casa del padre de Luna es que no se ha leído bien el libro vamos…)

6. La novedad más admirable de toda la película es, sin duda, el acertado segmento de animación del cuento de “Los 3 Hermanos”, que bien podría competir al Oscar a Mejor Corto de Animación. Se trata de un relato cautivador, preciosista, de estilo "burtoniano" y narrado estupendamente por Emma Watson. Una gran idea incluir diferentes vías de expresión así en este tipo de sagas...

7. Para terminar, el último motivo por el que considero que estamos ante una enorme película es porque redefine la saga en su totalidad, es decir, “Harry Potter” se reinventa como nunca antes se había visto (a excepción de la película de Cuarón): por primera vez no aparecen los cálidos muros de Hogwarts, sino que en esta ocasión el trío se enfrenta al mundo real (y debo apuntar que no se echa en falta el castillo).
 

Antes de concluir este extenso comentario me gustaría enfatizar que vimos solo la mitad de un libro, y por eso habrá personas que no entiendan todo y no tengan más remedio que esperar. Es posible que haya partes más rápidas que otras o que se dejen cabos sueltos, pero es que hay que concebir la película como una de 5 horas. Lástima que haya que esperar tanto para ver ese épico desenlace que todos aguardamos con ansia y que promete convertirse en una obra inmortal.

sábado, 20 de noviembre de 2010

Escena: ¡¡Que festín!!

Aprovechando el reestreno en nuestro país del maravilloso clásico de Walt Disney "La bella y la bestia", os dejo con uno de mis números musicales preferidos: simplemente maravilloso...

jueves, 18 de noviembre de 2010

Scott Pilgrim contra el mundo (2010)

Actualmente carezco del programa que me permitía grabar en audio las reseñas de las películas que veo, así que debido a este desafortunado contratiempo me limitaré a comentar “Scott Pilgrim contra el mundo” a la antigua usanza: solo por escrito (espero que pronto pueda volver con las entradas sonoras XD).

Una vez aclarado esto, me centraré en esta peculiar película que, desde el primer momento que escuché hablar sobre ella, parecía predestinada a convertirse en un film de culto. Por definición el cine de culto es aquel que suele plantear temáticas o enfoques inusuales y que atrae a un grupo muy específico de devotos. Con frecuencia las películas de culto no llegan a alcanzar reconocimiento en su estreno, pero lo que ocurre es que ese sagrado grupo de aficionados reivindica la importancia que ellos creen que tienen dichas cintas y consiguen que se revaloricen con los años, convirtiéndolas en fenómenos populares incluso. Aunque los rasgos parezcan muy claros, reconozco que a mí me cuesta a veces entender por qué un film es de culto o no en incontables ocasiones…

En el caso que nos atañe, da la sensación de que “Scott Pilgrim” se convirtió directamente en un film de culto desde el mismo día que se estrenó; como suele pasar hoy día, tendemos a clasificar todo tan apresuradamente que no apreciamos con detenimiento y perspectiva aquello que nos rodea. ¡Es como un impulso vital que nos urge! ¿Por qué parece que necesitemos catalogar una película con la etiqueta “de culto” nada más verla? ¿No deberíamos esperar a que pase algo de tiempo al menos? Respuesta: no podemos…

Para comprender el ritmo narrativo y la estructura de esta película es importante saber que “Scott Pilgrim” procede de una serie de novelas gráficas dibujadas por un historietista canadiense llamado Bryan Lee O´Malley. No he tenido oportunidad de leerlas, pero intuyo que la trama será similar (por no decir idéntica) a la de la película: es tan sencilla como que Scott Pilgrim (Michael Cera) es un joven, cuyos hobbies principales son tocar en una banda y jugar a videojuegos, que tratará de conquistar a una chica llamada Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead). Como requisito previo, tendrá que derrotar a sus 7 antiguos ex – novios, cada cual más esperpéntico, estridente y ridículo que el anterior.

La premisa resulta muy original y disparatada a partes iguales, ¿funciona entre el público? A las mil maravillas, ¿el motivo? Pues que la película está concebida como una combinación equilibrada y asombrosamente sincronizada entre un videojuego (cada ex – novio supone una nueva fase que Pilgrim debe superar para conseguir su objetivo, que es la chica de sus sueños en este caso) y un cómic (esto se aprecia en escenas presentadas como si fueran viñetas en movimiento, en las onomatopeyas gráficas, etc) adaptada al lenguaje del celuloide, ni más ni menos.

Dudo que exista manera más acertada de hacer que esta historia llegue al espectador, consiguiendo que a la vez se entretenga (ya sea friki de los cómics/videojuegos o no), sin haber usado este estilo narrativo. Su anárquico y acelerado montaje se salta conscientemente las normas con la intención de reafirmar de una vez por todas que estas técnicas configuran una vía más que válida a la hora de contar una historia; algo que además queda constatado en el cine de hoy día, ya que su uso es cada vez más frecuente en otras cintas (porque el montaje de “Scott Pilgrim” no innova demasiado si lo pensamos detenidamente).

Otra de las razones de su éxito radica probablemente en que, a lo largo de toda la película, se hacen guiños con mucha nostalgia y en tono de homenaje a videojuegos, grupos de música y cómics que están anclados en el imaginario colectivo de múltiples jóvenes. Aparte, son destacables tanto su “rockera” banda sonora (alternativa claro) como su “psicodélica” estética, ya que ambas encajan apropiadamente con el conjunto.

Ahora pregunto: ¿es esta simbiosis de cómic y videojuego la definitiva como para que ya sea considerada de culto? Más bien no… Totalmente de acuerdo en que “Scott Pilgrim” es un producto bien elaborado con toques muy “indie” y “pop” que posee una personalidad propia intachable y que generará posibles debates alargados en exceso entre los que la adoren y los que la detesten (esas son las películas interesantes de hecho, las que crean controversia); sin embargo una vez pasados los primeros 40 minutos el desarrollo de la cinta va perdiendo fuelle, se hace más repetitiva y adolece en falta de frescura (diría que le sobra el último cuarto de hora incluso).

Siguiendo con lo negativo, quiero añadir que la mayoría de personajes me han parecido bidimensionales y estereotipados a más no poder, por mucho que pretendan aparentar lo contrario y vayan de complejos: no hay más que ver por ejemplo el encefalograma plano de la hermana de Pilgrim en la ficción que sólo vive para cotillear (¡que desaprovechada Anna Kendrick!). Y al hablar de los personajes incluyo al mismo Pilgrim: no sé si por culpa de Michael Cera (quien no me convence para nada actuando) o porque el personaje sufre del mismo trastorno idiopático que el resto. Se libran de la quema el compañero de piso gay de Pilgrim (Kieran Culkin) que suelta comentarios ácidos por encima de la media, y también rescataría a Chris Evans, que está divertido autoparodiándose.

Tampoco hay mucha novedad en las secuencias de combate, me recuerdan a otras luchas que ya he visto y se hacen algo pesadas. Aunque está gracioso el gag de los puntos que siempre gana Pilgrim en forma de monedas cuando derrota a los villanos (tal y como pasa en los videojuegos). Profundizando en esto de las batallas con los ex, puntualizar que alguno que otro da vergüenza ajena (es el caso del primer ex, Matthew Patel, con su rollo Bollywood), pero reconozco que eso es ya entrar demasiado en detalles...

Tras valorar lo positivo y lo negativo, mi dictamen final es que se trata de una película muy divertida con tintes de genialidad momentáneos, pero bastante sobrevalorada para mi gusto. Sumad “¿Hacemos una porno?” y “Kick – Ass”, y tendréis “Scott Pilgrim contra el mundo”.

Una última recomendación: ¡¡vedla en VO si podéis!!

martes, 16 de noviembre de 2010

Canciones de películas(I)

Algunos directores tienen un muy buen gusto musical y bastante amplio, y normalmente suelen mostrarlo en sus películas. El propio Tarantino (hable de lo que hable, siempre menciono a Tarantino...) ha reconocido muchas veces poner canciones de su gusto, y suele acertar de pleno, pero no es el único claro, ahí van otros ejemplos.

1- Heart - Magic Man - Las vírgenes suicidas


2- Amy Holland - She's - On Fire- Scarface


3- Iggy Pop - The Passenger - Trainspotting


4- The Rolling Stones - Paint It Black -Full Metal Jacket


5- Aimee Mann - Save Me- Magnolia


6- Broder Daniel - Whirlind - Fucking Amal


7- Girl, you´ll be a woman soon - Urge Overkill


8- Alone in Kyoto- Air - Lost in Traslation

jueves, 11 de noviembre de 2010

¿Cuál es entonces la primera película sonora?

Esta mañana me quedé anonadado al leer en el periódico que se ha descubierto que Concha Piquer protagonizó una película sonora española en 1923, es decir, 4 años antes que "El cantante de jazz". La prueba se ha hallado en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Según este documento, en 1923 el cineasta Lee DeForest rodó un film cuando Conchita tenía tan solo 16 años. Es muy probable que esta cinta se perdiera por falta de presupuesto o simplemente porque no interesaba en su momento. Lo anecdótico es que, con esta información reveladora, "El cantante de jazz" de 1927 ya no sería la pionera en el cine sonoro, como se había pensado hasta ahora.

El encanto de la gran estrella española hizo que Lee DeForest no dejará pasar la oportunidad de poner sonido a su voz y plasmarlo por primera vez para la gran pantalla. Originalmente esta minipelícula (fueron 11 minutos aproximadamente) vio la luz en 1923 en un cine neoyorquino, generando una revolución tecnológica, ya que el sistema de DeForest era el primero en el que convivían imagen y sonido, según explica RTVE en su web. Es decir, no se trataba del sonido de un disco por un lado que amenizaba una imagen que iba por otro.

miércoles, 10 de noviembre de 2010

Lebrija (una interpretación)

Si hay algo que caracterice a Ene Coffman y a María Caro es su afán por experimentar dentro del mundo audiovisual. De CoffCa producciones os dejo con "Lebrija (una interpretación)", no os dejará indiferentes. A mí me ha resultado muy sugestivo, pero no quiero contaros nada. Que ganas de volver a Lebrija por cierto... :P

martes, 9 de noviembre de 2010

Calentando motores para los próximos Oscar (Edición 83)

Sorprendido me he quedado cuando me he dado cuenta de que tan solo falta un poco más de 3 meses (día más, día menos) para que tenga lugar uno de los acontecimientos más esperados del año dentro del mundo cinematográfico (al menos para mí), estoy hablando por supuesto de los Oscars de Hollywood. Resulta que este 2011 se celebrarán el domingo 27 de Febrero y aquí en Andalucía es puente, así que ¡estáis de enhorabuena todos aquellos andaluces que queráis ver la gala en directo la madrugada del lunes porque dicho día será festivo! ^^

Bueno, empezando por lo fuerte hablaré de las posibles candidatas a Mejor película del año: está claro que "Origen", "Black Swan" y "La red social" se encontrarán entre las 10 elegidas de la lista final (y yo diría que quizás entre las 3 se esconda la ganadora del certamen de este año); pero ¿cuáles pueden ser el resto de nominadas en esta categoría tan relevante? Pues bien, sabed que "The king´s speech" (la ganadora del Festival de Toronto) tiene firmes posibilidades de dar el golpe rompiendo con todo pronóstico; y además le siguen de cerca "127 hours" (que está siendo bastante polémica desde su estreno), "The kids are all right" (una comedia con toques dramáticos pendiente de estrenarse también aquí), "True Grit" (lo último de los Coen), "The fighter" (de David O. Russell) y la apuesta british "Another year" (dirigida por Mike Leigh nada menos). Con algo más de distancia se encontrarían "Hereafter" de Eastwood y "Somewhere" de Coppola (Sofia claro XD). No me extrañaría que la mexicana "Biutiful" de Iñárritu entrase en esta laureada lista además de competir en la categoría de Mejor película de habla no inglesa (donde rivalizaría con la española "También la lluvia" o la argentina "Carancho" si estuviesen nominadas), ya que Iñárritu es muy valorado en este certamen y nunca se sabe... ¿Y qué pasará con las superproducciones de corte fantástico como la nueva entrega de la saga "Harry Potter"? ¿Habrá alguna nominada entre las 10 finales? Por último no podemos descartar la posibilidad de que entre "Toy story 3" como ya hizo "Up" el año pasado (claro que en mi opinión "Toy story 3" debería ganar Mejor película de animación y punto, que para eso existe una categoría específica).

Siguiendo con el Mejor director, de entrada decir que soy contrario a que los Coen y Eastwood lo reciban de nuevo porque es cierto que puede resultar un poco alarmante que "Un tipo serio" y "Quemar después de leer" pasaran de puntillas, y que a su vez "El intercambio" "Gran Torino" e "Invictus" tampoco cosecharan lo esperado cuando todos esos trabajos (salvo alguna excepción) eran más que dignos; pero si lo pensamos bien, sería injusto (y algo repetitivo) que la Academia premiase habitualmente cada film que hagan estos prolíficos genios (porque es el calificativo que mejor los define: genios) porque entonces no habría cabida para el resto de excelentes realizadores que ofrecen películas igual o más dignas si cabe en otras ocasiones y nunca han sido recompensados con el Oscar (además aunque nadie discute que Eastwood y los Coen han firmado memorables obras, habría que admitir en la otra cara de la moneda que no todas son siempre igual de notables, por muy genios que sean). Ya han demostrado que son maestros del cine prácticamente y han alcanzado la cumbre con su inconfudible sello, no necesitan acaparar más galardones ¡que dejen paso a otros que también lo merecen leñe! XD Cambiando de tercio, no me resultaría raro que Danny Boyle volviese a estar nominado por "127 hours", pero me quedaría ojiplático si ganase porque tan solo hace dos ediciones que se lo llevó por "Slumdog millionaire" y no me pega que se lleve otro tan pronto... Completando la lista, los académicos barajarán otros nombres como Sofía Coppola por "Somewhere", Tom Hooper por "The king´s speech" o Mike Leigh por "Another year". No obstante y para ir cerrando, creo que la disputa este año será principalmente entre Nolan, Aronofsky y Fincher de nuevo. Sin haber visto aún "Black Swan" me atrevo a afirmar que los 3 lo merecen por igual...

En la categoría de Mejor actor protagonista suena por méritos propios Colin Firth por su interpretación del tartamudo rey Jorge VI (el año pasado el pobre se fue de vacío a pesar de su magistral interpretación en "Un hombre soltero"). Sus competidores más directos serán el veterano Robert Duvall por "Get low" (recordar que ya lo ganó por "Gracias y favores") y el joven Jesse Eisenberg por "La red social" (cuyo personaje del creador de Facebook le ha granjeado una fama a nivel mundial y el aplauso unánime de la crítica). Tampoco se lo pondrán fácil a Firth otros rivales que vienen pisando fuerte: Javier Bardem por "Biutiful", Mark Wahlberg por "The fighter", Ryan Gosling por "Blue valentine" y James Franco por "127 hours". ¿Estará en la lista DiCaprio por "Origen"? Sería de recibo desde luego porque está muy creíble en su interpretación. En resumen, mi predilecto es Firth, pero la competición es realmente dura como vemos...

En cuanto a la Mejor actriz protagonista todo apunta a que habrá un duelo de titanes entre una recuperada Kidman (por "Rabbit hole") y una radiante Portman (por "Black Swan"). Es decir, un duelo a la altura vaya. Cuidado con Annette Bening con su papel en "The kids are all right" porque ha sido muy aclamado y podría arrebatar la estatuilla a ambas convirtiendo éste en su año (nunca ha ganado un Oscar a pesar de haber optado 3 veces al mismo). Aunque adoro a Nicole, reconozco que Portman debería triunfar esa noche porque es una pedazo de actriz como la copa de un pino y ya va siendo hora de que se lo den...

Centrándome en los secundarios, resaltar que tienen muchas posibilidades de estar nominados Geoffrey Rush ("The king´s speech"), Christian Bale ("The fighter"), Mark Ruffalo ("The kids are all right") y Andrew Garfield ("La red social") en el apartado masculino. Francamente, lo más justo es que se lo llevara Garfield. Pasando a la categoría femenina, destacan por sus papeles Julianne Moore ("The kids are all right"), Helena Bonham Carter ("The king´s speech"), Dianne Wiest ("Rabbit hole"), Keira Knightley ("Never let me go") y Melissa Leo ("The fighter"). Aún desconozco el trabajo de Moore, pero seguro que está estupenda como siempre ¿para cuándo un Oscar a una de las actrices más consolidadas del panorama actual? Me encantaría que ganara ella. Y por cierto, no puedo olvidarme de la encantadora Elle Fanning (la hermana de Dakota), ya que su aparición en "Somewhere" ha tenido una positiva acogida. A lo mejor también aparece nominada dejando a más de uno pasmado...

Tampoco quiero extenderme mucho más porque hay numerosas categorías en el certamen difíciles de determinar todavía (vestuario, dirección artística, fotografía etc.), así que quiero concluir con los premios de Mejor guión original y adaptado respectivamente. Soy consciente de que no he visto todas las propuestas de este año por el momento; pero tengo el presentimiento de que "Origen" cuenta con el 80% de probabilidades de ganar el guión original. El 20% restante lo configuran pesos pesados también: "Somewhere", "The fighter", "Black Swan", "The king´s speech", "Secretariat", etc. Por último el guión adaptado creo firmemente que será para "La red social" (cuyo guión de Aaron Sorkin es sencillamente soberbio), por mucha presión que puedan meter las candidatas restantes como "127 hours", "True grit" o "Rabbit hole".

Esto es todo por ahora, cuando el evento esté más cercano, hablaré de los premios secundarios. ¿Vosotros qué opináis?

sábado, 6 de noviembre de 2010

Nominaciones a los Premios de cine europeos

Hoy se dieron a conocer a los nominados para los European Film Awards. A destacar, El secreto de sus ojos nominada a mejor película (por estar producida en parte por España, aunque para otros premios no tuvieron en cuenta esto, sólo la parte argentina), Luis Tosar a mejor actor por Celda 211, y esta película también nominada a mejor guión. El resto:


MEJOR PELÍCULA:
BAL (Honey), Turkey/Germany
DES HOMMES ET DES DIEUX (Of Gods and Men), France
THE GHOST WRITER, France/Germany/UK
LEBANON, Israel/Germany/France
EL SECRETO DE SUS OJOS (The Secret in their Eyes), Spain/Argentina
SOUL KITCHEN, Germany

MEJOR DIRECTOR 2010:
Olivier Assayas for CARLOS
Semih Kaplanoğlu for BAL (Honey)
Samuel Maoz for LEBANON
Roman Polanski for THE GHOST WRITER
Paolo Virzi for LA PRIMA COSA BELLA (The First Beautiful Thing)

MEJOR ACTRIZ 2010:
Zrinka Cvitešić in NA PUTU (On the Path)
Sibel Kekilli in DIE FREMDE (When We Leave)
Lesley Manville in ANOTHER YEAR
Sylvie Testud in LOURDES
Lotte Verbeek in NOTHING PERSONAL

MEJOR ACTOR 2010:
Jakob Cedergren in SUBMARINO
Elio Germano in LA NOSTRA VITA (Our Life)
Ewan McGregor in THE GHOST WRITER
George Pistereanu in EU CAND VREAU SA FLUIER, FLUIER (If I Want to Whistle,
I Whistle)
Luis Tosar in CELDA 211 (Cell 211)

MEJOR GUIÓN 2010:
Jorge Guerricaechevarría & Daniel Monzón for CELDA 211 (Cell 211)
Robert Harris & Roman Polanski for THE GHOST WRITER
Samuel Maoz for LEBANON
Radu Mihaileanu for LE CONCERT (The Concert)

MEJOR FOTOGRAFÍA 2010:
Giora Bejach for LEBANON
Caroline Champetier for DES HOMMES ET DES DIEUX (Of Gods and Men)
Pavel Kostomarov for Как я провел этим летом (How I Ended this Summer)
Barış Özbiçer for BAL (Honey)

MEJOR MONTAJE 2010:
Luc Barnier & Marion Monnier for CARLOS
Arik Lahav-Leibovich for LEBANON
Hervé de Luze for THE GHOST WRITER

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN 2010:
Paola Bizzarri & Luis Ramirez for IO, DON GIOVANNI (I, Don Giovanni)
Albrecht Konrad for THE GHOST WRITER
Markku Pätilä & Jaagup Roomet for PÜHA TÕNU KIUSAMINE (The Temptation
of St. Tony)

MEJOR COMPOSITOR 2010:
Ales Brezina for KAWASAKIHO RŮŽE (Kawasaki’s Rose)
Pasquale Catalano for MINE VAGANTI (Loose Cannons)
Alexandre Desplat for THE GHOST WRITER
Gary Yershon for ANOTHER YEAR

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
"Planet 51",
"Sammy's Adventures"
"The Illusionist"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
"Armadillo"
"Steam of life"
"Nostalgia de luz"